L’anima segreta del mondo animale nel Realismo Simbolista di Silvia Kézdi

La capacità di osservare e leggere la natura richiede una particolare sensibilità in virtù della quale viene svelato l’approccio riflessivo e introspettivo di un artista, soprattutto quando a emergere nel suo tratto creativo è tutto quel non detto, quel celato che si nasconde dietro le espressioni spontanee e prive di filtri degli appartenenti a un mondo animale a volte vicino all’uomo e a volte invece distante perché selvatico o legato ad habitat lontani da quello delle città. L’autrice di cui vi racconterò oggi fa ruotare tutta la sua produzione pittorica proprio intorno all’universo animale di cui mette in evidenza non solo l’aspetto, attraverso uno stile fortemente figurativo e vicino alla realtà, ma anche l’essenza profonda e la caratteristica emozionale che contraddistingue ciascuno dei suoi soggetti.

Il mondo della fauna ha esercitato sempre un fascino particolare negli artisti, sia perché nel passato più remoto apparteneva alla quotidianità e alla dimensione all’interno della quale gli uomini si muovevano e dunque costituiva tutto ciò che potevano conoscere, e sia perché quando non esisteva il linguaggio raccontare qualcosa di visivamente comune era l’unico modo per comunicare e raccontare. Già le pitture rupestri della preistoria lasciarono testimonianze della stretta correlazione tra individuo e animali. Più avanti le grandi civiltà ante cristiane celebrarono alcuni animali trasformandoli in divinità, come nel caso dei gatti per gli Egizi, del serpente per i Maya, del drago nell’Antica Cina; con l’evoluzione delle società e l’inizio del cristianesimo a essere centrale fu l’uomo e così, secolo dopo secolo, l’interesse verso il mondo della fauna si legò essenzialmente alla relazione con l’essere umano divenendone un accompagnamento o un comprimario nella storia dell’arte. Fu necessario attendere il Rinascimento per assistere a un’attenzione particolare su quell’universo comune ma anche sconosciuto che si concretizzò in particolar modo nella produzione dell’artista tedesco Albrecht Dürer che riprodusse perfettamente sia lepri, civette e cavalli, e sia animali più esotici come il rinoceronte; dopo la parentesi dell’autore germanico, solo la fine dell’Ottocento indusse alcuni autori, quelli che aderirono al Naïf, a focalizzare la loro attenzione su tutto ciò che era lontano e inconosciuto, narrandolo secondo la propria immaginazione e spontaneità espressiva. Il movimento mise al centro della scena proprio la natura più incontaminata, quella dimensione selvaggia e affascinante che molti autori, come Henri Rousseau e Antonio Ligabue, non avevano mai vissuto o sperimentato se non nella loro capacità di andare oltre il visibile. Da quel momento in avanti furono molti gli autori che tra la fine dell’Ottocento e gli inizi del Novecento resero la natura e in particolar modo gli animali protagonisti assoluti della loro produzione artistica, altri invece lasciarono emergere il loro significato simbolico, oppure giocoso, o l’aspetto spirituale a essi riconducibile. Quest’ultima sfaccettatura contraddistinse il linguaggio pittorico di Franz Marc, esponente del gruppo tedesco Der Blaue Reiter, i cui cavalli azzurri sottolineavano una purezza superiore rispetto a quella dell’uomo; il mondo della fauna fu esplorato in maniera più allegorica da Pablo Picasso nel suo Cubismo, dove utilizzò il toro per enfatizzare la forza, il cavallo per esprimere la sofferenza come in Guernica, e i gatti a cui ha dedicato diversi ritratti. Anche Frida Kahlo inseriva spesso gli animali nei suoi autoritratti, simboleggiando attraverso scimmie, cani, cerbiatti, aquile, colibrì, le sofferenze fisiche ed emotive per la mancata maternità e per l’impossibilità di sentirsi davvero amata. L’approccio solo apparentemente più giocoso si legò invece alla narrazione animale compiuta dalla Pop Art, in particolar modo quella di Keith Haring nel suo cagnolino abbaiante con cui l’autore voleva focalizzare l’attenzione dell’osservatore sui soprusi e le discriminazioni nell’America di quegli anni. L’artista slovacca Silvia Kézdi, ormai da molti anni residente in Ungheria, sceglie a sua volta il mondo della fauna per esprimere una personalità pittorica sensibile e orientata all’ascolto di tutto ciò che spesso non può essere detto a parole bensì necessita di un’attenzione particolare che sembra non appartenere più all’individuo contemporaneo, troppo impegnato a correre dietro i suoi obiettivi, chiuso nel suo egoismo al punto di dimenticare di volgere lo sguardo verso tutto ciò che si trova intorno, oltre i confini di cemento e asfalto delle città.

In lei invece emerge la capacità di osservare tutto ciò che non appare così facilmente visibile, tutto ciò che gli animali riescono a raccontare attraverso uno sguardo, un battito d’ali, una posa catturata dall’autrice un istante prima che fuggano verso qualcosa che ha attratto la loro attenzione sottolineando quanto la loro spontaneità e purezza sia ciò che l’uomo dovrebbe ritrovare. Lo stile di Silvia Kézdi è fortemente figurativo poiché ha bisogno di legarsi alla realtà per scoprire l’essenza, l’anima più autentica di ciascuno dei suoi protagonisti ma anche il simbolo che essi rappresentano, ecco perché la sua pittura è riconducibile al Realismo Simbolista, il significato è qualcosa che non può essere separato dagli istanti immortalati.

Il tratto pittorico è morbido, costantemente avvolto da un’atmosfera che sembra permeare le scene, quasi a infondere una sorta di magia, di incanto che fuoriesce dagli sfondi indefiniti come se l’attenzione dovesse focalizzarsi sugli attori principali, sulla loro bellezza ma soprattutto sulla semplicità spontanea di un’esistenza in cui tutto è lineare, nulla ha un secondo fine, niente viene complicato dai meccanismi di causa ed effetto che dominano la vita dell’uomo.

In The Stare, il gorilla appare sorpreso dall’attenzione suscitata nell’autrice, come se fosse strano sentirsi visto davvero, come se si stupisse di aver tanto attratto lo sguardo di qualcuno; al contempo la sua espressione indica il suo essere a proprio agio nell’habitat in cui si trova, affatto disturbato dalla presenza di un essere diverso da sé che sta scrutando ogni suo dettaglio. Il fascino della pittura di Silvia Kézdi è che tratteggia un mondo che sembra conoscere a fondo, che sembra aver visto da vicino e in prima persona, eppure potrebbe anche non essere così, potrebbe anche semplicemente legarsi al suo immaginario, alla sua capacità di estrapolare l’essenza da una foto, da un’immagine che poi lei arricchisce di anima e di tutte le sensazioni che si sprigionano quando osserva il mondo puro della natura.

In Fading Colours a essere messo in risalto attraverso il titolo è il concetto dell’estinzione degli uccelli Quetzal della foresta messicana estremamente rari e a rischio di totale scomparsa, dunque con le parole colori sbiaditi l’autrice fa riferimento proprio alla loro evanescenza, alla rarità e al bisogno che una specie tanto bella e delicata venga preservata. In questo dipinto lo sfondo è forse quello meno impalpabile, come se Silvia Kézdi volesse contrastare con il dettaglio quel dissolversi di una delle tante specie esistenti sulla terra a cui non è stata data la giusta attenzione, di cui si è sottovalutata la possibilità che potesse non essere più vista e non potesse più allietare lo sguardo con la sua bellezza incontaminata. I dettagli nella narrazione dei piccoli uccelli sono fortemente particolareggiati e dall’osservazione non può non nascere la riflessione allegorica dell’opera, su quante volte l’uomo non si cura delle fragilità di chi gli sta accanto, di chi avrebbe bisogno di protezione invece che di indifferenza.

In Element of Dust invece la solidità dell’elefante protagonista è alleggerita e resa evanescente dalla nuvola di terra rossa della savana che lo avvolge, quasi l’autrice volesse evidenziare la solennità, l’autorevolezza di un animale considerato il vero dominatore di un mondo in cui non è né preda né cacciatore, come se appartenesse a una dimensione superiore che gli permette di osservare dal di fuori tutto ciò che quotidianamente accade. La longevità dell’animale si lega proprio al suo vivere in una condizione di distacco da quel ciclo della vita implacabile in cui si lotta per il cibo e per la sopravvivenza, divenendo così un simbolo, o forse sarebbe meglio dire un monito, per l’essere umano che viene chiamato a considerare la possibilità di smettere di combattersi, di cessare di essere lupo per l’altro uomo perché è solo così che sarà possibile vivere un’esistenza serena ed equilibrata.

Spring Dreaming appartiene a un’altra produzione di Silvia Kézdi, quella in cui tralascia il mondo della fauna e si lascia trasportare dall’incanto della flora, di una dimensione in cui a fuoriuscire è la pura poesia che si sprigiona dalla contemplazione di ciò davanti a cui lo sguardo non può fare a meno di perdersi, quasi l’anima sapesse di aver bisogno di ritrovare il contatto ancestrale con la delicatezza dei fiori, con il profumo dell’erba, con la limpidezza del cielo. La sofficità del campo di papaveri raccontato pervade la tela e comunica direttamente con le corde più intime dell’osservatore che sembra provare le medesime sensazioni provate dall’autrice nel momento della creazione dell’opera.

Silvia Kézdi ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive in Ungheria, Stati Uniti, Francia, Romania, Vienna e ha al suo attivo tre mostre personali di cui una virtuale negli Stati Uniti e due fisiche in Ungheria.

SILVIA KÉZDI-CONTATTI

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The secret soul of the animal world in Silvia Kézdi’s Symbolist Realism

The ability to observe and interpret nature requires a particular sensitivity that reveals an artist’s reflective and introspective approach, especially when what emerges in their creative work is all that is unspoken, that which is hidden behind the spontaneous and unfiltered expressions of that animal world that is sometimes close to humans and sometimes distant because it is wild or linked to habitats far from cities. The artist I am going to tell you about today focuses her entire pictorial production on that world, highlighting not only its appearance, through a highly figurative and close to reality, but also the profound essence and emotional characteristics that distinguish each of her subjects.

The world of fauna has always held a special fascination for artists, both because in the distant past it was part of everyday life and the dimension in which humans moved and therefore constituted everything they could know, and because when language did not exist, recounting something visually common was the only way to communicate and tell stories. Prehistoric cave paintings already bore witness to the close relationship between humans and animals. Later, the great pre-Christian civilizations celebrated certain animals by transforming them into deities, as in the case of cats for the Egyptians, snakes for the Mayans, and dragons in ancient China; with the evolution of societies and the advent of Christianity, man became central, and so, century after century, interest in the world of fauna became essentially linked to its relationship with human beings, becoming an accompaniment or supporting role in the history of art.

It was necessary to wait until the Renaissance to witness particular attention on that common but also unknown universe which materialized in particular in the production of the German artist Albrecht Dürer who perfectly reproduced both hares, owls and horses, and more exotic animals such as the rhinoceros; after the parenthesis of the Germanic author, only the end of the nineteenth century induced some authors, those who adhered to the Naïf, to focus their attention on everything that was distant and unknown, narrating it according to their own imagination and expressive spontaneity. The movement placed at the center of the scene the unspoiled nature, that wild and fascinating dimension that many artists, such as Henri Rousseau and Antonio Ligabue, had never experienced except in their ability to go beyond the visible. From that moment on, many artists between the late 19th and early 20th centuries made nature, and animals in particular, the absolute protagonists of their artistic production, while others allowed to emerge their symbolic or playful meaning, or the spiritual aspect associated with them.

This latter facet characterized the pictorial language of Franz Marc, a member of the German group Der Blaue Reiter, whose blue horses emphasized a purity superior to that of man; the world of fauna was explored in a more allegorical way by Pablo Picasso in his Cubism, where he used the bull to emphasize strength and the horse to express suffering as in Guernica, and finally dedicated several portraits to cats. Frida Kahlo too also often included animals in her self-portraits, symbolizing through monkeys, dogs, fawns, eagles, and hummingbirds the physical and emotional suffering for the failed motherhood and for the impossibility of feeling truly loved. The seemingly more playful approach was linked to the animal narrative created by Pop Art, particularly that of Keith Haring in his barking dog, with which the artist wanted to focus the viewer’s attention on the abuse and discrimination in America at that time. Slovak artist Silvia Kézdi, who has been living in Hungary for many years, also chooses the world of fauna to express a sensitive pictorial personality oriented towards listening to everything that often cannot be said in words but requires special attention that no longer seems to belong to the contemporary individual, too busy chasing their goals, closed in their selfishness to the point of forgetting to look at everything around them, beyond the concrete and asphalt boundaries of cities.

In her, on the other hand, there emerges the ability to observe everything that is not so easily visible, everything that animals can convey through a glance, a flutter of wings, a pose captured by the author a moment before they flee towards something that has attracted their attention, emphasizing how much their spontaneity and purity is what humans should rediscover. Silvia Kézdi‘s style is strongly figurative because she needs to connect with reality in order to discover the essence, the most authentic soul of each of her subjects, but also the symbol they represent, this is why her painting can be traced back to Symbolist Realism, meaning is something that cannot be separated from the moments immortalized. The pictorial style is soft, constantly enveloped in an atmosphere that seems to permeate the scenes, almost infusing them with a sort of magic, an enchantment that emerges from the undefined backgrounds as if the focus should be on the main actors, on their beauty, but above all on the spontaneous simplicity of an existence in which everything is linear, nothing has a hidden agenda, nothing is complicated by the mechanisms of cause and effect that dominate human life. In The Stare, the gorilla appears surprised by the attention aroused in the author, as if it were strange to feel truly seen, as if it were amazed to have attracted someone’s gaze so much; at the same time, its expression indicates that it is at ease in its habitat, not at all disturbed by the presence of a being different from itself that is scrutinizing every detail.

The charm of Silvia Kézdi‘s painting lies in the fact that she depicts a world she seems to know intimately, one she seems to have seen up close and in person; yet this may not be the case, it could simply be linked to her imagination, to her ability to extrapolate the essence from a photo, from an image that she then enriches with soul and all the sensations that emanate when she observes the pure world of nature. In Fading Colors, the title highlights the concept of the extinction of the extremely rare Quetzal birds of the Mexican forest, which are at risk of total disappearance; with the words “fading colors,” the author refers precisely to their evanescence, their rarity, and the need for such a beautiful and delicate species to be preserved. In this painting, the background is perhaps the least intangible, as if Silvia Kézdi wanted to contrast with detail the disappearance of one of the many species existing on earth that has not been given the attention it deserves, whose possibility of no longer being seen and no longer delighting the eye with its unspoiled beauty has been underestimated. The details in the narration of the little birds are highly detailed, and observation inevitably leads to allegorical reflection on the work, on how often humans fail to care about the fragility of those around them, of those who need protection rather than indifference. In Element of Dust, on the other hand, the solidity of the elephant protagonist is lightened and made evanescent by the cloud of red savannah dust that envelops it, as if the author wanted to highlight the solemnity, the authority of an animal considered the true ruler of a world in which it is neither prey nor hunter, as if it belonged to a higher dimension that allows it to observe from the outside everything that happens on a daily basis.

The animal’s longevity is linked precisely to its living in a state of detachment from that relentless cycle of life in which one struggles for food and survival, thus becoming a symbol, or perhaps it would be better to say a warning, for human beings who are called upon to consider the possibility of ceasing to fight each other, to cease being wolves to one another, because only then will it be possible to live a peaceful and balanced existence. Spring Dreaming belongs to another production by Silvia Kézdi, in which she leaves behind the world of fauna and allows herself to be carried away by the enchantment of flora, a dimension in which pure poetry emerges from the contemplation of that which the gaze cannot help but lose itself in, as if the soul knew it needed to rediscover its ancestral connection with the delicacy of flowers, the scent of grass, and the clarity of the sky. The softness of the poppy field described pervades the canvas and communicates directly with the most intimate chords of the observer, who seems to experience the same sensations felt by the author at the moment of creation. Silvia Kézdi has participated in many group exhibitions in Hungary, the United States, France, Romania, and Vienna, and has had three solo exhibitions, one virtual in the United States and two physical in Hungary.