L’Astrazione si tuffa nell’Espressionismo tendendo la mano al Cubismo Orfico nelle opere di Kari Veastad

Per alcuni autori il mondo del colore costituisce una vera e propria immersione nella propria interiorità, attingendo a esso per manifestare un approccio alla vita positivo e sorridente malgrado la consapevolezza che non tutto possa avere un’accezione piacevole; eppure ciò che è fondamentale per loro è continuare a guardare tutta la realtà circostante e gli accadimenti con un atteggiamento propositivo, non tanto dimenticando le ombre, piuttosto scegliendo di ignorarle considerandole solo un momento di passaggio tra una gioia e l’altra. La protagonista di oggi sceglie di raccontare le sue emozioni pittoriche attraverso una gamma cromatica vivace e al contempo delicata, pastello in alcune opere, proprio per comunicare all’osservatore l’ottimismo e la leggerezza, intesa come capacità di aprirsi alla bellezza e alla gioia con cui è più piacevole affrontare la vita.

Quando si andò affermando l’attitudine di alcuni autori di inizio Novecento a compiere un distacco totale dalla realtà osservata per esplorare nuove frontiere artistiche, il colore assunse una rilevanza via via maggiore, in particolar modo per quegli interpreti che intendevano mantenere un legame con il mondo interiore. Vassily Kandinsky, considerato il fondatore della corrente dell’Astrattismo, che nel suo caso assunse una connotazione lirica, arrivò persino ad associare ogni tonalità utilizzata alle note musicali delle sinfonie di Richard Wagner e di Arnold Schönberg; nelle sue opere le forme astratte fluttuavano avvolte dalla leggerezza cromatica di tonalità solari, a volte trasparenti altre più sovrapposte, per sottolineare l’emotività coinvolta nel gesto pittorico ispirato dalla musica. Anche il Futurismo, seppure ancora legato a una stilizzata riproduzione dell’osservato, utilizzò nelle sue geometricizzazioni, tonalità chiare e pastello per enfatizzare l’atmosfera di positività e di fiducia nei confronti del domani e del cambiamento di vita promesso dalle innovazioni tecnologiche che si stavano sviluppando in quel periodo. La fase delle guerre mondiali fu complessa e privò le persone di quello sguardo sorridente nei confronti del presente e del futuro, e nonostante ciò vi furono alcuni artisti che non riuscirono a rinunciare alla necessità interiore di credere che tutto potesse migliorare prima o poi, perché la loro anima aveva bisogno di trovare una via d’uscita, un sollievo alla cupezza e uno sguardo di speranza verso il domani.

A questa categoria di autori apparteneva uno dei maggiori esponenti dell’Astrattismo, appartenente al gruppo Der Blaue Reiter, quel Paul Klee le cui trasparenze geometriche e le tonalità solari e intense lo resero una voce fuori dal coro sia all’interno del suo stesso collettivo, per quanto riguardava la geometricità, sia all’interno di un movimento astrattista che dopo Kandinsky si era completamente distaccato dalla soggettività per privilegiare la freddezza plastica. Ma anche Franz Marc e August Macke, altri esponenti del gruppo tedesco, mostrarono attraverso il cromatismo vivace e vitale la loro attitudine al sogno, alla positività e al superamento delle brutture della contingenza. Una delle altre grandi correnti dell’epoca, il Cubismo, ebbe una trasformazione variopinta, e dunque distante dalle tonalità terrose e introspettive di Pablo Picasso e Georges Braque, nella declinazione di Robert e Sonia Delaunay che diedero vita al Cubismo Orfico, di fatto base di partenza per le sperimentazioni geometriche del successivo Astrattismo Geometrico. D’altro canto non è trascurabile anche l’apporto fondamentale nell’applicazione e utilizzo del colore come mezzo di comunicazione dell’interiorità compiuto dagli appartenenti all’Espressionismo, che nel nord Europa si avvicinarono alla decontestualizzazione astrattista pur di lasciar emergere la forza, a volte persino aggressiva, di un mondo interiore incapace di essere contenuto.

È proprio alla sensibilità espressiva nord europea che appartiene l’artista norvegese Kari Veastad che mostra nelle sue tele una rarefazione visiva, quasi le righe cromatiche sinuose e adiacenti le une alle altre fossero un’evoluzione di quelle del suo connazionale Edvard Munch, di cui però a emergere era l’angoscia, l’ansia di dover sopravvivere in un periodo storico in cui tutte le certezze erano perdute e dove l’essere umano viveva il dolore di esistere; in lei invece a fuoriuscire attraverso le volute, le righe concentriche, l’aspetto astrattista da cui emerge una lieve figurazione espressionista, è la gioia di vivere, la poeticità del contatto con un mondo interiore che non libera sofferenza, piuttosto lascia scaturire serenità, magia, sogno, incanto nei confronti di tutte quelle sfaccettature che appartengono alla sua anima.

Dal punto di vista puramente stilistico la pittura di Kari Veastad mescola il Futurismo a tinte morbide di Umberto Boccioni, privato però del riferimento alla realtà osservata, alle sinuosità curvilinee del Cubismo Orfico dove i colori sono attenuati e coniugati al proprio arcobaleno cromatico che sembra quasi escludere le tonalità piene e decise per dare spazio ai semitoni; e infine, dettaglio non meno trascurabile, è una sussurrata figurazione, immagini nascoste nelle onde corrispondenti alle emozioni dell’autrice, che si intravede solo dopo essersi soffermati più a lungo, andando oltre l’apparenza iniziale. L’Espressionismo fuoriesce dunque in maniera sottintesa, sebbene in alcune tele sia più evidente e quasi predominante, perdendo l’aspetto tormentato degli interpreti nordeuropei e avvicinandosi di più all’atteggiamento sognante delle atmosfere di Marc Chagall, quasi Kari Veastad volesse avvolgere ogni dettaglio, ogni personaggio, con la fascinazione che lei stessa subisce ogni qualvolta affronta i moti interiori in relazione con le semplici circostanze della vita, osservate nella loro essenza.

Human Love mostra pertanto quanto le interazioni tra esseri umani siano costantemente su un fragile equilibrio sollecitato dalla consapevolezza di aver bisogno di una comunità, che sia costituita da due o più persone non importa, ciò che conta per l’autrice è avvicinarsi in maniera profonda, mettendo in campo quella spiritualità e quella profondità necessarie per entrare in connessione autentica con l’altro. Questo è il motivo della scelta di una base cromatica costituita dall’azzurro, sfumato e impalpabile per evidenziare quanto le emozioni che legano le persone siano a volte incomprensibili se viste dall’esterno, associato al verde che rappresenta l’armonia con la natura, intesa in questo contesto come spontaneità necessaria a legarsi e a partecipare delle emozioni dell’altro.

Il dipinto Energy è ancora una volta realizzato su una base azzurra e dunque avvolto dalla sensazione di pace e di tranquillità e, in questa particolare interpretazione, anche alla trascendenza, all’oltre-mondo che emerge tra le curve astratte sotto forma di volti, di presenze simili a voci del proprio io; parlando di energia l’opera non poteva non essere contraddistinta anche dal colore arancione, che da sempre è associato proprio alla capacità di tendere positivamente verso un’evoluzione, una progressione creativa prendendo in mano la propria esistenza per modificarne una sostanza non più utile alla crescita personale. Dunque le parti di sé fino poco prima lasciate in silenzio tendono a fuoriuscire cercando un proprio ruolo ormai urgente perché funzionale al nuovo cammino di consapevolezza che l’individuo sa di dover intraprendere per raggiungere quell’equilibrio generato appunto dalla spinta energetica che non può rimanere inascoltata e che letteralmente avvolge l’interiorità spingendola verso l’esterno.

In Enthusiasm la scelta cromatica è più vivace, quasi caleidoscopica perché è quasi impossibile per Kari Veastad soffermarsi su un’emozione predominante liberando tutte le piccole sfaccettature di sensazioni che la travolgono quando entra in contatto con la natura, con una circostanza che suscita in lei quella gioia incontenibile perché appartenente alla spontaneità, con la consapevolezza che ogni evento, ogni accadimento può essere vissuto come un incidente che devia dal percorso prestabilito, oppure come una girandola di opportunità che si possono sviluppare da un solo singolo istante, da una scelta piuttosto che da un’altra. Il suggerimento dell’autrice è di aprirsi a quelle possibilità accogliendole come spunti di miglioramento, come sorrisi del destino da cui lasciarsi trascinare senza volerli contrastare rimanendo fermi e immobili su posizioni che la natura stessa dell’essere umano svela essere impossibili da mantenere.

Va da sé che con questo punto di vista Kari Veastad, rappresentando il fuoco nell’opera Fire, non lo concepisca come forza distruttiva e potenziale pericolo, bensì come scintilla vitale in grado di generare l’impeto necessario agli altri elementi per mettersi in moto, attivare la sinergia da cui la vita continua a nascere, rigenerandosi dalle proprie ceneri; ecco perché la predominanza dei colori scelti vira verso l’arancione e il giallo, mostra la vitalità del fuoco, la spinta alla trasformazione e alla purificazione dell’anima attraverso la piena esposizione della luce.

Kari Veastad ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive, personali e fiere d’arte in Norvegia e all’estero – Italia, Spagna, Portogallo, Usa, Svezia, Ungheria, Francia, EAU, Corea del Sud, Austria -, e le sue opere sono inserite in moltissime pubblicazioni d’arte di tutto il mondo.

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Abstraction plunges into Expressionism, reaching out to Orphic Cubism in the artworks by Kari Veastad

For some artists, the world of color constitutes a true immersion into their inner selves, drawing on it to express a positive and cheerful approach to life despite the awareness that not everything can have a pleasant meaning; yet what is fundamental for them is to continue to look at all the surrounding reality and events with a proactive attitude, not so much forgetting the shadows, but rather choosing to ignore them, considering them only a passing moment between one joy and another. Today’s protagonist chooses to express her pictorial emotions through a vibrant yet delicate color palette, pastel in some works, precisely to communicate to the observer optimism and lightness, understood as the ability to open up to the beauty and joy with which it is more pleasant to face life.

When the attitude of some early 20th-century artists to make a total break with observed reality in order to explore new artistic frontiers became established, color took on increasing importance, especially for those interpreters who wanted to maintain a connection with the inner world. Vassily Kandinsky, considered the founder of the Abstract Art movement, which in his case took on a lyrical connotation, even went so far as to associate each shade used with the musical notes of Richard Wagner and Arnold Schönberg’s symphonies; in his works abstract forms floated, enveloped in the chromatic lightness of sunny shades, sometimes transparent, sometimes more overlapping, to emphasize the emotion involved in the pictorial gesture inspired by music. Even Futurism, although still linked to a stylized reproduction of what was observed, used light and pastel shades in its geometrizations to emphasize the atmosphere of positivity and confidence in tomorrow and the change in life promised by the technological innovations that were developing at that time.

The period of the world wars was complex and deprived people of that smiling outlook on the present and the future, yet there were some artists who could not give up their inner necessity to believe that everything would improve sooner or later, because their souls needed to find a way out, a relief from the gloom and a glimmer of hope for tomorrow. This category of artists included one of the greatest exponents of Abstractionism, a member of the Der Blaue Reiter group, that Paul Klee whose geometric transparencies and intense, solar tones made him a voice outside the chorus, both within his own collective, as far as concerning geometry, and within an abstract movement that, after Kandinsky, had completely distanced itself from subjectivity to favor plastic coldness. But also Franz Marc and August Macke, other members of the German group, showed their aptitude for dreaming, positivity, and overcoming the ugliness of contingency through their lively and vibrant use of color.

One of the other great movements of the time, Cubism, underwent a colorful transformation, far removed from the earthy and introspective tones of Pablo Picasso and Georges Braque, in the work of Robert and Sonia Delaunay, who gave rise to Orphic Cubism, which was in fact the starting point for the geometric experiments of the subsequent Geometric Abstractionism. On the other hand cannot be overlooked the fundamental contribution to the application and use of color as a means of communicating inner feelings made by the representatives of Expressionism that in northern Europe approached abstract decontextualization in order to bring out the sometimes aggressive force of an inner world that could not be contained. The Norwegian artist Kari Veastad belongs precisely to this Northern European expressive sensibility, displaying a visual rarefaction in her canvases, as if the sinuous, adjacent chromatic lines were an evolution of those of her compatriot Edvard Munch, in which, however, what emerged was anguish, the anxiety of having to survive in a historical period in which all certainties were lost and where human beings experienced the pain of existence; in her work, on the contrary, what comes out through the volutes, the concentric lines and the abstract aspect from which a slight expressionist figuration emerges, is the joy of living, the poetic nature of contact with an inner world that does not release suffering, but rather allows serenity, magic, dreams, and enchantment to spring forth in relation to all the facets that belong to her soul.

From a purely stylistic point of view, Kari Veastad‘s painting blends Umberto Boccioni‘s Futurism with tender nuances, but without reference to observed reality, with the sinuous curves of Orphic Cubism, where colors are softened and combined with her own chromatic rainbow that seems to exclude full, decisive tones in favor of semitones. and finally, a detail no less negligible, it is a whispered figuration, images hidden in the waves corresponding to the author’s emotions, which can only be glimpsed after lingering longer, going beyond the initial appearance. Expressionism therefore emerges in an implied way, although in some canvases it is more evident and almost predominant, losing the tormented aspect of the Northern European interpreters and moving closer to the dreamy atmosphere of Marc Chagall, as if Kari Veastad wanted to envelop every detail, every character, with the fascination she herself experiences whenever she faces inner emotions in relation to the simple circumstances of life, observed in their essence.

Human Love therefore shows how interactions between human beings are constantly on a fragile balance, prompted by the awareness of the need for a community, whether made up of two or more people does not matter, what counts for the author is to get closer in a profound way, deploying the spirituality and depth necessary to enter into an authentic connection with the other. This is why was chosen a blue color palette with subtle, intangible shades to highlight how the emotions that bind people together are sometimes incomprehensible when viewed from the outside, combined with green, which represents harmony with nature, understood in this context as the spontaneity necessary to bond with and share in the emotions of others. The painting Energy painting is once again created on a blue background and thus enveloped in a sense of peace and tranquility and, in this particular interpretation, also of transcendence, of the otherworldly that emerges from the abstract curves in the form of faces, presences similar to the voices of one’s own self; speaking of energy, the work could not fail to also be distinguished by the color orange, which has always been associated with the ability to strive positively toward evolution, a creative progression, taking charge of one’s existence to modify a substance no longer useful for personal growth.

Thus, the parts of the self until recently left silent tend to emerge, seeking their own urgent role because they are functional to the new path of awareness that the individual knows he must undertake in order to achieve that balance generated precisely by the energetic drive that cannot remain unheard and that literally envelops the inner self, pushing it outward. In Enthusiasm, the color palette is more vibrant, almost kaleidoscopic, because it is nearly impossible for Kari Veastad to dwell on a single predominant emotion, releasing all the small facets of feelings that overwhelm her when she comes into contact with nature, with a circumstance that arouses in her the irrepressible joy that belongs to spontaneity, with the awareness that every event, every occurrence can be experienced as an accident that deviates from the predetermined path, or as a whirlwind of opportunities that can develop from a single moment, from one choice rather than another.

The author’s suggestion is to open up to those possibilities, welcoming them as opportunities for improvement, as smiles of fate to be carried away by without resisting them, remaining firm and immobile in positions that human nature itself reveals to be impossible to maintain. It goes without saying that with this point of view, Kari Veastad, representing fire in the painting Fire, does not conceive it as a destructive force and potential danger, but rather as a vital spark capable of generating the impetus necessary for the other elements to set themselves in motion, activating the synergy from which life continues to be born, regenerating itself from its own ashes; this is why the predominant colors chosen tend towards orange and yellow, showing the vitality of fire, the drive towards transformation and purification of the soul through full exposure to light. Kari Veastad has participated in group and solo exhibitions and art fairs in Norway and abroad—Italy, Spain, Portugal, the US, Sweden, Hungary, France, the UAE, South Korea, and Austria—and her artworks have been featured in numerous art publications around the world.