Le intersecazioni di Antonella Padovani, tra Astrattismo Geometrico e frammentazione Nouveau Réaliste

Il processo di intuizione dell’essenza della realtà osservata si approfondisce quanto più ci si allontana dalla forma conosciuta, da tutto ciò che lo sguardo coglie intorno a sé e che impedisce alla mente e all’interiorità di affrontare un tipo di conoscenza diverso; tendere verso il distacco da quella forma permette agli artisti che scelgono questo percorso di mettersi in contatto con il proprio sé più autentico e di dare vita a punti di vista diversi ma soprattutto soggettivi, a volte ermetici e altre invece espliciti, in virtù dei quali possono rivelare i loro concetti che così prescindono dall’osservato.

Nel momento in cui si sceglie un tipo di arte non narrativa bensì intuitiva e priva di qualsiasi condizionamento dello sperimentato quotidiano, a essere fondamentale per scoprire l’attitudine espressiva del singolo autore è il ventaglio cromatico utilizzato, quasi le tonalità divenissero parole che non richiedono l’intervento della logica per essere comprese. Antonella Padovani personalizza e unisce linee guida pittoriche di movimenti avanguardisti dei primi decenni del Novecento per dare vita a un suo linguaggio stilistico attraverso il quale svela il suo animo aperto e possibilista nei confronti delle sfaccettature di tutto ciò che la circonda.

La dinamicità espressiva iniziata con le avanguardie dei primi decenni del Novecento portò un vento di novità nella tradizione pittorica precedente già in via di cambiamento con i movimenti di fine Ottocento; la teoria della scomposizione dell’immagine in piccole macchie cromatiche fu infatti alla base dell’Impressionismo prima e del Puntinismo e Divisionismo poi, e costituì il punto di partenza di un approfondimento sulla frammentazione che ebbe il suo maggiore sviluppo proprio nei primi anni del Ventesimo Secolo. Il Futurismo suddivise la realtà osservata in ritagli geometrici per esprimere la velocità e l’ottimismo che il progresso generava nel gruppo di artisti capitanati da Filippo Tommaso Marinetti che si orientarono verso una gamma cromatica vivace e prismatica proprio per enfatizzare la fiducia verso il futuro; il Cubismo a sua volta scisse l’osservato in sezioni geometriche per rappresentare il visibile su uno stesso piano temporale e dimensionale ponendo l’accento sull’analisi mentale e scientifica della pittura, più che sul concetto emozionale. Proprio il Cubismo ebbe al suo interno una spaccatura derivata dalla consapevolezza che un’eccessiva frammentazione conduceva le opere di Pablo Picasso e Georges Braque verso l’astrazione, l’irriconoscibilità della figurazione a cui volevano riferirsi; a dimostrazione di questi timori dei fondatori del movimento vi fu il Cubismo Orfico, creato da Robert e Sonia Delaunay che rinunciarono completamente all’immagine per entrare in un mondo fatto di linee e di colori molto più vivaci del Cubismo originario per sottolineare l’importanza e il protagonismo dell’apporto cromatico.

L’appena successivo Astrattismo Geometrico fu dunque una naturale conseguenza delle teorie appena esposte poiché raccolse e amplificò la ricerca sulla scomposizione del Futurismo e del Cubismo, unendola all’attitudine a rinunciare completamente a ogni riferimento con la realtà osservata che caratterizzò l’Arte Astratta sia nella sua accezione più Lirica che in quella più rigorosa come il De Stijl. Contrariamente alla rigidità di Piet Mondrian però, gli autori dell’Astrattismo Geometrico, tra cui i più importanti Mario Radice e Manlio Rho, ampliarono la scelta di tonalità non più limitate ai soli colori primari, e anche le forme e le linee che potevano uscire dall’esclusività del rettangolo e del quadrato per accogliere la morbidezza del cerchio, della sinuosità e dell’obliquità di varie forme geometriche. L’artista Antonella Padovani, residente a Todi in Umbria, pur essendo partita da un approccio figurativo trova la sua dimensione pittorica definitiva in un Astrattismo Geometrico che svela contaminazioni cubiste e futuriste, senza però assumere il senso concettuale degli ultimi due perché a essere fondamentale per lei è l’attenzione al colore che non può fare a meno di riflettere la gioia provata nell’atto stesso del dipingere, come se fosse una parte essenziale di un sé che si esprime al meglio attraverso la rinuncia ai riferimenti visibili e reali.

Ma la sua tendenza a intersecare, a sovrapporre in un disequilibrio ordinato, e soprattutto la presenza di marcati contorni che sottolineano l’identità ben definita di ogni tassello, non possono non ricondurre la memoria a quella caratteristica Street-Pop che ha contrassegnato la produzione di Keith Haring. L’attitudine a creare una sorta di collage di figure appartiene infatti alla tecnica della Pop Art e dell’europeo Nouveau Réalisme i quali, pur avendo un aspetto finale completamente diverso da quello di Antonella Padovani, sovrapponevano e creavano una realtà soggettiva e diversa da quella originaria; ma anche Nicki de Saint Phalle, nel suo Giardino dei Tarocchi, mostra una tendenza mosaicale non dissimile sebbene lei utilizzò la materia, vetri e pezzi di ceramica rotti per essere poi ricomposti in una forma indefinita e caotica ma proprio per questo assolutamente sorprendente e affascinante.

Ecco, in qualche modo le opere di Antonella Padovani ricordano nell’aspetto le composizioni di Nicki de Saint Phalle anche se, nel suo caso specifico, fortemente legate alla completa assenza di riferimento visivo, pertanto in lei non si attiva un processo di ricomposizione piuttosto di creazione di una forma destrutturata che tale deve rimanere. La superficie preferita dell’autrice è il legno OSB dove le scaglie frammentate costituiscono la base ideale per enfatizzare il senso di movimento e di disequilibrio delle sue opere, quasi come se la concretezza dei rilievi costituisse un mezzo per sottolineare la caoticità di sensazioni che si propagano senza mai fondersi, rimanendo ben definite; da un altro punto di vista tuttavia emerge anche la considerazione sulla poliedricità dell’umanità, su quell’incontrarsi, scontrarsi e interagire più o meno volontariamente, che appartiene alla vita contemporanea e che Antonella Padovani inserisce nelle sue opere come punto focale della ricerca concettuale sul senso stesso dell’esistenza.

Senza titolo è il lavoro che più di tutti pone l’accento su questo approccio, le linee scure che definiscono le forme sembrano costituire uno spazio invalicabile che metaforicamente è quello dell’individualità e, a conferma di questo, i colori rappresentano proprio l’unicità di ciascuno. Eppure l’interconnessione è inevitabile malgrado la distanza che la tecnologia sembra interporre tra le persone, perché di fatto l’essere umano ha bisogno di interagire, di scontrarsi, di guardarsi negli occhi e di comprendere l’altro come parte di un percorso necessario alla propria evoluzione. La gamma cromatica è vivace, intensa, costituita da colori caldi e da colori freddi proprio per sottolineare la diversità che pur mantenendo le proprie caratteristiche conduce comunque ad avvicinarsi e, perché no?, ad arricchirsi vicendevolmente.

In The war Antonella Padovani rappresenta il concetto del conflitto su base bianca e come un totem variopinto, e questo se da un lato inganna lo sguardo per le tonalità piacevoli scelte dall’autrice che distolgono dalle brutture e dalla devastazione di ogni guerra, dall’altro infondono un senso di continuità, come se nel corso della storia dell’umanità vi fosse stato un susseguirsi costante di battaglie in ogni parte del mondo che hanno allontanato quella pace universale verso cui ogni individuo dovrebbe tendere. I colori, se osservati in maniera più approfondita, sembrano evocare le armi, il sangue versato, la sofferenza procurata non solo alle persone e all’umanità, ma anche alla terra bruciata dalle esplosioni e dalle bombe. L’opera dunque appare come un monito, una sensibilizzazione da parte dell’autrice sull’importanza di trovare il modo di interrompere quel flusso di continuità.

La barca evidenzia invece l’influenza cubista dell’autrice, dove la geometricizzazione è messa ancor più in risalto dalla foglia oro della vela e dall’azzurro intenso del cielo e del mare i quali, sulla superficie del legno OSB appaiono increspati, come mossi da un vento che rappresenta le difficoltà della vita, trasformando così la barca in metafora del viaggio dell’essere umano, e il mare come quel flusso inevitabile di eventi che si susseguono e che determinano la crescita personale che ciascuno è chiamato a compiere, che ne sia più o meno consapevole.

Non solo opere bidimensionali, Antonella Padovani produce anche sculture in legno a forma di scatole, dipinte con le sue figure geometriche e arricchite dai colori vivaci e mutevoli che contraddistinguono tutta la sua natura creativa; la scatola assume per lei il duplice significato di essere contenitore di emozioni, di ricordi e di tutto ciò che non si vuole perdere nel susseguirsi della vita, e dunque quello di costituire una protezione da tutto ciò che potrebbe disperderne il contenuto, e dall’altro quello di essere una richiesta di isolamento dal mondo esterno, un rifugio dentro cui nascondersi quando la realtà diventa troppo intollerabile o spaventosa e perciò avvolgersi con il calore del legno e la piacevolezza dei colori diviene fondamentale per rigenerarsi e recuperare il coraggio perduto in precedenza.

Antonella Padovani ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Todi, Assisi, Perugia, Terni, Venezia, e ha partecipato nel 2017 a PaviaArt; le sue opere sono esposte in permanenza presso la Mini Gallery in via Valle Inferiore, 6 a Todi.

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Antonella Padovani’s intersections between Geometric Abstractionism and Nouveau Réaliste fragmentation

The process of intuiting the essence of observed reality deepens the further one moves away from familiar forms, from everything the eye perceives around it that prevents the mind and inner self from engaging with a different kind of knowledge; striving toward detachment from that form allows artists who choose this path to connect with their most authentic selves and to give rise to different, but above all subjective, perspectives, sometimes hermetic and at other times explicit, through which they can reveal their concepts, which thus transcend the observed.

When one chooses a form of art that is not narrative but rather intuitive and free from any conditioning by everyday experience, the color palette used becomes fundamental to discovering the individual artist’s expressive style, as if the hues themselves were words that require no intervention of logic to be understood. Antonella Padovani personalizes and combines the painterly guidelines of avant-garde movements from the early decades of the twentieth century to create her own stylistic language, through which she reveals her open and optimistic spirit toward the multifaceted aspects of everything around her.

The expressive dynamism that began with the avant-garde movements of the early decades of the 20th century brought a breath of fresh air to the traditional painting style, which had already begun to change with the movements of the late 19th century; the theory of breaking down the image into small patches of color was, in fact, the foundation first of Impressionism and later of Pointillism and Divisionism, and served as the starting point for a deeper exploration of fragmentation that reached its peak in the early years of the 20th century. Futurism divided observed reality into geometric fragments to express the speed and optimism that progress generated among the group of artists led by Filippo Tommaso Marinetti, who turned to a vibrant, prismatic color palette precisely to emphasize their confidence in the future; Cubism, in turn, divided the observed into geometric sections to represent the visible on a single temporal and dimensional plane, placing the emphasis on the mental and scientific analysis of painting rather than on the emotional concept.

Cubism itself experienced an internal rift stemming from the realization that excessive fragmentation was steering the works of Pablo Picasso and Georges Braque toward abstraction, rendering unrecognizable the figurative subjects to which they sought to refer; illustrating these concerns held by the movement’s founders was Orphic Cubism, created by Robert and Sonia Delaunay who completely abandoned imagery to enter a world of lines and colors, far more vivid than those of original Cubism in order to emphasize the importance and central role of the chromatic element. Geometric Abstractionism, which followed shortly thereafter, was thus a natural consequence of the theories just outlined because it adopted and amplified the exploration of decomposition found in Futurism and Cubism combining it with the tendency to completely abandon any reference to observed reality, a trait that characterized Abstract Art in both its more Lyrical form and its more rigorous manifestations, such as De Stijl.

In contrast to Piet Mondrian’s rigidity, however, the artists of Geometric Abstraction, among whom Mario Radice and Manlio Rho were the most important, expanded their palette beyond the primary colors alone, and also allowed forms and lines to move beyond the exclusivity of the rectangle and square to embrace the softness of the circle, as well as the sinuousness and obliquity of various geometric shapes. Although artist Antonella Padovani, based in Todi in Umbria, began with a figurative approach, she found her definitive painterly style in Geometric Abstractionism. The artist Antonella Padovani, who lives in Todi, Umbria, began with a figurative approach but has found her definitive painterly style in Geometric Abstraction, which reveals Cubist and Futurist influences without, however, adopting the conceptual nature of those two movements because for her what is fundamental is her focus on color, which cannot help but reflect the joy she experiences in the very act of painting, as if it were an essential part of a self that expresses itself best through the renunciation of visible and real references. Yet her tendency to intersect and overlap elements in an ordered imbalance and above all the presence of sharp contours that emphasize the well-defined identity of each element, cannot help but evoke the characteristic Street-Pop style that defined Keith Haring’s work.

The tendency to create a sort of collage of figures is, in fact, characteristic of Pop Art and the European movement known as Nouveau Réalisme, which despite having a final appearance completely different from that of Antonella Padovani, superimposed elements to create a subjective reality distinct from the original; but Nicki de Saint Phalle, too, in her Tarot Garden, displays a mosaic-like tendency not unlike this, although she used materials like glass and broken pieces of ceramic to be reassembled into an indefinite and chaotic form, yet one that is, precisely for this reason, utterly surprising and fascinating. In a way, Antonella Padovani’s artworks are reminiscent of Niki de Saint Phalle’s compositions in their appearance though, in Padovani’s specific case, they are deeply rooted in a complete absence of visual reference, consequently, the process at play is not one of recomposition, but rather the creation of a deconstructed form that is meant to remain as such. The artist’s preferred medium is OSB wood, where the fragmented chips provide the ideal foundation for emphasizing the sense of movement and imbalance in her works, almost as if the tangibility of the reliefs served as a means of highlighting the chaotic nature of sensations that spread without ever merging, remaining clearly defined; from another perspective, however, her work also explores the multifaceted nature of humanity, that meeting, clashing, and interacting, whether more or less voluntary, that is inherent in contemporary life which Antonella Padovani incorporates into her paintings as the focal point of her conceptual exploration of the very meaning of existence.

Senza titolo (Untitled) is the work that most strongly emphasizes this approach, the dark lines defining the forms seem to create an impassable space that metaphorically represents individuality, and, confirming this, the colors embody the uniqueness of each person. Yet interconnection is inevitable despite the distance that technology seems to create between people, because, in fact, human beings need to interact, to clash, to look each other in the eye, and to understand one another as part of a journey necessary for their own evolution. The color palette is vibrant and intense, consisting of warm and cool colors specifically to highlight the diversity that, while retaining its own characteristics, nevertheless leads to a coming together and, why not?, to mutual enrichment. In The War, Antonella Padovani depicts the concept of conflict on a white background as a colorful totem, and while this, on the one hand, deceives the eye with the pleasant hues chosen by the artist which distract from the ugliness and devastation of every war, while on the other hand, it instills a sense of continuity, as if throughout human history there had been a constant succession of battles across the globe that have pushed us further away from that universal peace toward which every individual should strive. Upon closer inspection, the colors seem to evoke weapons, spilled blood, and the suffering inflicted not only on people and humanity but also on the earth scorched by explosions and bombs. The work thus appears as a warning, an effort by the author to raise awareness about the importance of finding a way to break that flow of continuity.

La barca (The boat), on the other hand, highlights the artist’s Cubist influence, where the geometric forms are further emphasized by the gold leaf on the sail and the intense blue of the sky and sea, which appear rippled on the surface of the OSB wood as if stirred by a wind that represents life’s difficulties, thus transforming the boat into a metaphor for the human journey, and the sea as that inevitable flow of events that follow one another and determine the personal growth that each of us is called upon to achieve, whether we are more or less aware of it. Antonella Padovani creates not only two-dimensional works but also wooden sculptures in the shape of boxes, painted with her geometric figures and enriched by the vivid, shifting colors that characterize her entire creative essence; for her, the box takes on the dual meaning of being a container for emotions, memories, and everything one does not want to lose in the flow of life, and thus serving as protection against anything that might scatter its contents, and on the other hand as a request for isolation from the outside world, a refuge in which to hide when reality becomes too unbearable or frightening, thus wrapping oneself in the warmth of the wood and the pleasantness of the colors becomes essential for regenerating and regaining the courage previously lost. Antonella Padovani has participated in group exhibitions in Todi, Assisi, Perugia, Terni and Venice, and took part in PaviaArt in 2017; her works are on permanent display at the Mini Gallery at Via Valle Inferiore 6 in Todi.