Le opere in grafite di Francesc Sànchez Macias, tra Realismo e Surrealismo per scrutare le pieghe della realtà contemporanea

Nell’arte l’essenziale ha a volte bisogno di emergere lasciando indietro tutto ciò che può distrarre dalla sostanza più intensa della realtà che circonda l’essere umano, e di conseguenza un autore che necessita di approfondire deve andare al di là di ciò che appare per studiare le sfaccettature di un’umanità in continua evoluzione e proprio per questo spesso disorientata a causa della direzione che la società, e le proprie scelte, la costringono a prendere, salvo poi trovarsi a dover fare i conti con le conseguenze di un cammino a volte subìto, altre sperimentato quasi inconsapevolmente. Ricercando quel fulcro esistenziale può divenire fondamentale soffermarsi su un approccio asciutto, evirato da qualsiasi orpello che impedirebbe una focalizzazione su quanto è davvero importante, e cioè un ascolto diretto e sostanziale dell’osservato. Francesc Sànchez Macias percorre esattamente questa via artistica scegliendo di misurarsi con il disegno che gli permette di mettere in evidenza anche il più piccolo dettaglio ma soprattutto di mostrare la purezza di uno sguardo attraverso il quale analizza, carpisce e poi emana filtrato della sua interpretazione, rivelando una spiccata capacità empatica e di indagine sugli infiniti risvolti della vita moderna.

La tecnica del disegno è stata utilizzata per lungo tempo come base preparatoria, il cosiddetto studio, per le opere principali che poi venivano realizzate sulle tele perché il colore era imprescindibile dalla pittura, pertanto il bianco e nero era considerato solo un mezzo per per studiare le luci e le ombre, ma mai un approccio esecutivo e formale che potesse avere una vita indipendente. Fu necessario attendere la seconda metà dell’Ottocento per apprezzare un utilizzo differente del carboncino con cui sempre più spesso alcuni artisti davano vita a opere uniche e originali che non trovarono corrispondenza nella pittura, mentre in altri casi furono invece essenziali per la sperimentazione di forme immaginarie poi sviluppate ulteriormente nella fase pittorica.

Tra gli autori che utilizzarono abbondantemente il disegno lasciando capolavori senza tempo vi furono John Singer Sargent, che studiava i tratti per catturare le luci e le ombre dei volti che intendeva trasporre poi sulla tela, Edgar Degas, che faceva precedere i suoi dipinti dalla preparazione attraverso il bianco e nero dei movimenti delle ballerine, il simbolista Odilon Redon che lasciò proprio al carboncino l’interpretazione dei suoi personaggi più inquietanti a metà tra uomini e animali, e infine il surrealista più eccentrico, il catalano Salvador Dalì che dedicò a questa tecnica gran parte del suo percorso formativo di giovane artista. L’unico a utilizzare ampiamente l’essenzialità del bianco e nero, realizzato con la tecnica della litografia, fu Maurits Cornelis Escher, un innovatore, un creativo fuori dagli schemi dell’osservato che in qualche modo si legò ma al contempo rimase sempre distante dagli estremi eccessivi del Surrealismo. Anche l’Espressionismo ebbe autori che amarono così tanto il carboncino da inserirlo nelle loro opere o addirittura dando vita a una produzione parallela che lasciò un profondo segno nell’arte del periodo della prima metà del Novecento, come Egon Schiele in cui le figure esili, nude e fragili erano costantemente delineate con tratto nero e poi realizzate con colori sfumati per sottolineare l’approccio esistenzialista dell’autore.

E infine Käthe Kollwitz, artista tedesca che scelse la purezza del bianco e nero per rappresentare la condizione umana delle persone costrette ad affrontare le conseguenze delle guerre, la poverà e la perdita di padri e figli costretti a combattere battaglie volute da altri, lasciando emergere attraverso i suoi disegni il proprio punto di vista e l’empatia nei confronti delle classi sociali più povere, sempre protagoniste del suo sguardo. L’artista catalano Francesc Sànchez Macias, compositore e musicista, si misura con la grafite per solcare lo stesso percorso di Käthe Kollwitz, sebbene con un approccio decisamente più realista dal punto di vista descrittivo e surrealista da quello del significato che emerge da alcuni suoi lavori, poiché la sua attenzione viene attratta proprio da quelle persone comuni, da quegli invisibili che invece per lui divengono assoluti protagonisti, il centro della sua ricerca esistenzialista sull’umanità attuale. A sostegno di ciò ha deciso di dedicare un’intera serie di lavori, denominata WAP, ai senzatetto, gli ultimi, le persone che vivono ai margini e che, attraverso il suo focus riacquistano dignità, vengono visti e osservati, addirittura denominati nei titoli con i nomi dei filosofi dell’antica Grecia per sottolineare quanto la saggezza a volte risieda proprio dove non ce la si aspetta; non solo, Francesc Sànchez Macias indugia anche sul tema della fatalità, del destino che potrebbe ridurre chiunque nelle stesse condizioni di quei senzatetto, quasi sempre tali non per scelta bensì a causa di un concatenamento di eventi avversi.

La tecnica esecutiva rasenta l’Iperrealismo pur non avendone la caratteristica di pura riproduzione della realtà, piuttosto invece può essere ricondotta al Realismo più emozionale proprio in virtù dello sguardo empatico attraverso il quale Francesc Sànchez Macias scruta ogni dettaglio, ogni ruga della pelle, ogni movenza che i personaggi compiono nell’inconsapevolezza di star per essere immortalati nella loro ordinarietà.

Nel ritratto fuoriesce evidente la predilezione per le persone anziane, quelle la cui vita si è impressa nei volti come un tatuaggio, dove ogni singolo centimetro di pelle racconta delle speranze, delle delusioni, delle difficoltà e del coraggio messo in campo per poterle superare, così come l’intensità dei loro occhi, a volte distratti altre focalizzati sull’osservatore, svela tutta la saggezza acquisita esattamente in virtù di quelle esperienze accumulate, come se si fosse stratificata evento dopo evento, circostanza dopo circostanza, insegnando loro la necessità della calma.

Quando affronta i temi più contemporani e si confronta con l’interiorità di un animo spesso ferito dagli accadimenti, Francesc Sànchez Macias tende apertamente verso un Surrealismo pieno di simboli, di concetti sussurrati con le immagini che non possono fare a meno di giungere in maniera diretta a colpire le corde emotive e anche quelle razionali, generando una spontanea connessione tra i due estremi, entrambi chiamati a collaborare per assorbire l’interezza del messaggio dell’autore. L’essenza pertanto fuoriesce grazie all’utilizzo del bianco e nero che permette di mettere in risalto le linee, l’alternanza tra luce e ombra, il senso di rassegnazione, la determinazione a cambiare la realtà, l’evanescenza di un desiderio ormai quasi abbandonato eppure ancora presente in qualche parte del cuore.

Il lavoro Ignorance appartiene alla produzione più surrealista poiché la mano posta sugli occhi a coprire parte del volto dell’uomo ritratto non appartiene a nessuno, è un elemento decontestualizzato e funzionale a sottolineare quanto le persone a volte scelgano volutamente di non considerare tutto ciò che porterebbe alla perdita di quelle certezze, all’abbandono di quella zona sicura troppo spesso trasformatasi in cecità verso ciò che ad altri appare invece evidente. Eppure, sembra suggerire Francesc Sànchez Macias, molti non sono consapevoli di vivere sotto quel velo, confondono l’abitudine o il loro desiderio di appartenenza alla generalizzazione imposta dall’esterno con un conformismo che li fa sentire accettati, parte di un gruppo in cui lo sguardo individuale è considerato come elemento di disturbo.

Past è un lavoro più simbolista, l’anziana donna protagonista scruta verso l’osservatore con malinconia, arricchita dalle esperienze rappresentate dalla barca dietro di sé che non è una zavorra alla deriva, al contrario è un contenitore di vita appoggiato sulla riva come un compagno invisibile che sostiene la signora. Le sue rughe accompagnano gli occhi rassegnati per la consapevolezza di andare verso un futuro breve, per la coscienza di non avere più molta strada da percorrere, ecco perché a quel punto tutto ciò che è stato diviene fondamentale, perché vivere nel ricordo sembra essere tutto ciò che può renderla felice, ma anche perché costituisce la somma di tutto ciò che l’ha condotta fino a quel momento, nel bene e nel male, tra vittorie e sconfitte, tra istanti gioiosi e altri dolorosi, in ogni caso irrinunciabili e, suo malgrado, irripetibili.

No borders è un’opera decisamente più contemporanea, diviene l’allegoria di tutte le divisioni che esistono nella società attuale, quei confini creati solo per separare tutto ciò che potrebbe essere unito; ma è anche simbolo della prigionia a cui le guerre costringono anche le anime più innocenti, quelle dei bambini che non sono in grado di comprendere il motivo di quelle reti che delineano territori impedendo alla loro natura libera di manifestarsi nella loro pienezza. Lo sguardo del piccolo è infatti perplesso, offeso, dal suo volto traspare la sensazione di trovarsi davanti a una grande ingiustizia, a qualcosa di imposto e di intollerabile perché i più giovani non dovrebbero conoscere un mondo dove doversi guardare dal di là di una rete. Dunque l’analisi di Frances Sànchez Macias è quella più realista che però in qualche modo sottintende, proprio in virtù della presa di coscienza, la possibilità che quei bambini obbligati a essere separati gli uni dagli altri costruiscano un giorno un domani migliore fatto di solidarietà, di condivisione, di fraternità e di pace.

Frances Sànchez Macias, laureato in Storia e Scienze della Musica presso l’Università di La Rioja dopo aver conseguito il Diploma Superiore di Violino al Conservatorio Municipale di Barcellona, ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive e fiere internazionali in Corea, Turchia, Egitto, Italia e Spagna, e quattro mostre personali in Spagna.

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The graphite works by Francesc Sànchez Macias, straddling Realism and Surrealism to scrutinize the nuances of contemporary reality

In art the essential sometimes needs to emerge leaving behind everything that might distract from the most intense substance of the reality surrounding human beings; consequently, an artist who needs to delve deeper must go beyond appearances to study the facets of a humanity in constant evolution and precisely for this reason often disoriented by the direction that society, and the own choices, force it to take, only to then find itself having to reckon with the consequences of a path sometimes endured, other times experienced almost unconsciously. In seeking that existential fulcrum, it can become essential to adopt a dry approach, stripped of any frills that would prevent to focus on what is truly important, namely a direct and substantive engagement with the observed. Francesc Sànchez Macias follows precisely this artistic path, choosing to engage with drawing that allows him to highlight even the smallest detail but above all to reveal the purity of a gaze through which he analyzes, captures, and then filters his interpretation, revealing a marked capacity for empathy and inquiry into the infinite facets of modern life.

For a long time drawing was used as a preparatory step, the so-called study, for major works that were later executed on canvas, since color was considered inseparable from painting, consequently black-and-white was viewed merely as a means of studying light and shadow but never as a formal, independent artistic medium in its own right. It was not until the second half of the nineteenth century that a different use of charcoal began to be appreciated, as some artists increasingly used it to create unique and original works that had no counterpart in painting, while in other cases it was essential for experimenting with imaginary forms that were later further developed in the painting phase. Among the artists who made extensive use of drawing, leaving behind timeless masterpieces, were John Singer Sargent, who studied the lines to capture the light and shadow of the faces he intended to transpose onto the canvas, Edgar Degas, who preceded his paintings with preparatory studies in black and white of the dancers’ movements, the Symbolist Odilon Redon, who entrusted the interpretation of his most unsettling characters half-human, half-animal to charcoal, and finally, the most eccentric Surrealist, the Catalan Salvador Dalí, who devoted much of his formative years as a young artist to this technique. The only artist to make extensive use of the essential simplicity of black and white, achieved through the technique of lithography, was Maurits Cornelis Escher, an innovator and a creative outside the box of the observed who in some way was linked to but at the same time always remained distant from the excessive extremes of Surrealism.

Expressionism, too had artists who loved charcoal so much that they incorporated it into their artworks or even created a parallel production that left a profound mark on the art of the first half of the 20th century, such as Egon Schiele, in whose works slender, naked, and fragile figures were consistently outlined in black and then rendered in soft, faded colors to underscore the artist’s existentialist approach. And finally, Käthe Kollwitz, a German artist who chose the purity of black and white to represent the human condition of people forced to face the consequences of war, poverty, and the loss of fathers and sons compelled to fight battles waged by others, allowing her own perspective and empathy toward the poorest social classes, always the focus of her gaze, to emerge through her drawings. The Catalan artist Francesc Sànchez Macias, a composer and musician, measures himself with graphite to follow in the footsteps of Käthe Kollwitz, albeit with an approach that is decidedly more realistic in its depiction and more surrealist in the meaning that emerges from some of his works, since his attention is drawn precisely to those ordinary people, those invisible figures who, for him, become the absolute protagonists, the center of his existentialist exploration of contemporary humanity. In support of this, he has decided to dedicate an entire series of works, called WAP, to the homeless, the least fortunate, those living on the margins. Through his focus, they regain their dignity, are seen and observed, and even named after ancient Greek philosophers in the titles, underscoring how wisdom sometimes lies where one least expects it; furthermore, Francesc Sànchez Macias also explores the theme of fate, the destiny that could reduce anyone to the same conditions as those homeless people, almost always so not by choice but rather due to a chain of adverse events.

His technique borders on Hyperrealism, though it lacks the latter’s characteristic of pure reproduction of reality, rather, it can be traced back to a more emotional Realism precisely because of the empathetic gaze through which Francesc Sànchez Macias scrutinizes every detail, every wrinkle in the skin, every movement the characters make, unaware that they are about to be immortalized in their ordinariness. In the portrait emerges a clear preference for the elderly, those whose lives are etched into their faces like a tattoo, where every single inch of skin tells of hopes, disappointments, difficulties, and the courage mustered to overcome them, just as the intensity of their eyes, sometimes distracted other times focused on the observer, reveals all the wisdom acquired precisely through those accumulated experiences, as if it had been layered event by event, circumstance by circumstance, teaching them the necessity of the calm. When he tackles more contemporary themes and explores the inner world of a soul often wounded by life’s events, Francesc Sànchez Macias openly leans toward a Surrealism rich in symbols, with concepts whispered through images that cannot help but strike a direct chord with both the emotional and rational senses, generating a spontaneous connection between the two extremes both called upon to collaborate in absorbing the full message of the artist.

The essence thus emerges through the use of black and white, which highlights the lines, the interplay of light and shadow, the sense of resignation, the determination to change reality, and the evanescence of a desire almost abandoned yet still present somewhere in the heart. The work Ignorance belongs to the more surrealist body of work, since the hand placed over the eyes to cover part of the man’s face does not belong to anyone, it is a decontextualized element serving to underscore how people sometimes deliberately choose not to consider anything that would lead to the loss of those certainties, to the abandonment of that safe zone that has all too often turned into blindness toward what appears evident to others. Yet, as Francesc Sànchez Macias seems to suggest, many are unaware that they are living under that veil, they confuse habit or their desire to belong to the generalization imposed from the outside with a conformism that makes them feel accepted, part of a group in which the individual gaze is regarded as a disruptive element. Past is a more symbolist work, the elderly woman at the center gazes at the viewer with melancholy, enriched by the experiences represented by the boat behind her which is not a drifting ballast, but rather a vessel of life resting on the shore like an invisible companion supporting the woman.

Her wrinkles accompany her resigned eyes, aware that she is heading toward a brief future, conscious that she does not have much further to go, which is why at that point everything that has been becomes fundamental, because living in memory seems to be all that can make her happy, but also because it constitutes the sum of everything that has led her to that moment, for better or worse, through victories and defeats, joyful moments and painful ones, all of which are, in any case, indispensable and, despite herself, unrepeatable. No Borders is a decidedly more contemporary work, it becomes an allegory of all the divisions that exist in today’s society, those boundaries created solely to separate everything that could be united; but it is also a symbol of the captivity to which wars condemn even the most innocent souls, those of children who are unable to understand the reason for those nets that demarcate territories, preventing their free nature from expressing itself fully.

The child’s gaze is, in fact, perplexed and hurt, his face reveals the feeling of undergoing to a great injustice, something imposed and intolerable, because the youngest among us should not have to know a world where they must look at each other from across a grid. Thus, Francesc Sànchez Macias’s analysis is the most realistic one, yet it somehow implies, precisely by virtue of this awareness, the possibility that those children forced to be separated from one another might one day build a better tomorrow made up of solidarity, sharing, fraternity, and peace. Francesc Sànchez Macias, who holds a degree in History and Musicology from the University of La Rioja after earning a Higher Diploma in Violin from the Municipal Conservatory of Barcelona, has participated in group exhibitions and international fairs in Korea, Turkey, Egypt, Italy, and Spain, and has held four solo exhibitions in Spain.