Le profonde connessioni tra universo e anima nell’Espressionismo Astratto soffice e delicato di Eos

Riuscire a narrare visivamente la poesia che esiste e che si manifesta sottilmente in ogni singolo istante dell’esistenza, è una caratteristica di quegli artisti in grado di ascoltare tutto ciò che li circonda, di osservare la natura, gli elementi e il cosmo come fossero strumenti musicali di una sinfonia magica, perfettamente in armonia tra ciò che è visibile e ciò che, pur esistendo, non lo è. Per riuscire a rappresentare questo tipo di energie avvolgenti e appartenenti alle dimensioni esterne tanto quanto a quelle interiori, lo stile più affine e anche libero dal punto di vista espressivo, è quello privo di forma, proprio perché nel mondo del possibile, dell’intuibile e del percepibile non possono esistere regole formali che limiterebbero attraverso la razionalità un gesto guidato dall’impulso, dall’immediatezza del sentire. L’arte di Eos è questo e molto di più poiché lei riesce a trasportare l’osservatore nel suo mondo interiore sollecitato dalla consapevolezza di quanto l’ascolto di ciò che è intorno riesca a legarsi e a determinare la realtà che si materializza sulla base dell’interpretazione di chi la vive.

L’Espressionismo Astratto, nel momento della sua nascita intorno agli anni Cinquanta del Novecento, mostrò quanto fosse fondamentale recuperare quell’emozionalità e quella soggettività completamente perdute negli anni precedenti quando gli autori aderenti all’Astrattismo, declinato in De Stijl, in Suprematismo e in Astrattismo Geometrico, vollero affermare l’importanza del gesto plastico indipendente da qualunque emozione o riferimento alla realtà. Gli statunitensi capitanati da Jackson Pollock si agganciarono invece alle prime teorie astrattiste di Wassily Kandinsy, che collegò la mancanza di forma alle emozioni e alla piacevolezza generata dall’ascolto della musica a una rappresentazione fluttuante e caotica sulla tela, approfondendole per rovesciare completamente le linee guida rigide dei movimenti precedenti sottolineando quanto senza emozioni non possa esservi coinvolgimento né da parte dell’esecutore dell’opera, né da parte dell’osservatore che così si sente distaccato da essa. L’Action Painting, applicata alla natura espressiva di ciascun autore e pertanto sviluppata in diversi approcci, dal Dripping al Color Field, dalla pittura segnica al Minimalismo, era così il mezzo per raccontare le tempeste interiori, l’amplificazione delle sensazioni, il concetto focale che non poteva più rimanere inespresso. L’irruenza di Pollock trovava la sua esecuzione più affine nel Dripping poiché il colore era letteralmente lanciato in maniera caotica sulla tela senza alcun controllo, nemmeno quello della mano che doveva tenere il pennello; la calma riflessiva e suggestiva di Mark Rothko aveva la sua dimensione ideale nel Color Field la cui voce era definita solo ed esclusivamente dalla scelta cromatica e dalle sfumature digradanti, o a volte in contrasto; l’essenzialità concitata di Franz Kline si manifestava in tutta la sua pienezza con la pittura segnica in cui il bianco faceva da base all’incisività del nero che fungeva da canale comunicativo unico e conciso.

E infine Barnett Newmann si avvalse della monocromia, gettando di fatto le basi del Minimalismo, per raccontare il senso di trascendenza, di spiritualità, che poteva emergere da opere prive di qualsiasi riferimento e disordine, quasi come se la calma ferma fosse funzionale a lasciar parlare l’interiorità. Dunque l’Espressionismo Astratto nacque come movimento di libertà espressiva e interiore di ciascun artista aderente, con l’unico denominatore comune e irrinunciabile di irrorare le tele dell’emozione soggettiva in grado di raggiungere e far vibrare le corde interiori del fruitore. L’artista francese con origini polacche Laura Rucinska, in arte Eos, rientra nella poetica espressionista astratta pur arricchendola con un tocco delicato e soffice, e dei concetti fondamentali che regolano la sua vita e il suo sguardo verso il mondo, secondo i quali tutto ciò che ruota intorno all’essere umano è qualcosa di animato in interconnessione con una dimensione più alta, quella dell’Universo inteso come entità spirituale comunicante con l’anima dell’individuo in maniera intima e univoca, quando quest’ultimo gli si rivolge con l’apertura positiva di chi è pronto a ricevere.

Nell’ambito di questo tipo di comunicazione, ogni elemento e ogni emozione assumono un significato diverso, molto più profondo rispetto a quello della pura osservazione o del pensiero fugace messo a tacere dal pragmatismo della vita; al contrario nell’arte di Eos tutto ha un’energia particolare e magica in grado di coinvolgere chiunque si ponga di fronte alla morbidezza espressiva delle sue tele in cui viene raccontata la leggerezza che può determinare il modo in cui ogni circostanza, ogni evento, ogni vibrazione viene vissuta.

Le opere sono contraddistinte da un’impalpabilità eterea, quasi la loro sofficità volesse avvolgere per trasportare esattamente nella dimensione narrata, o nel paesaggio evocato, ed esplicitati dai titoli; il colore è essenzialmente steso attraverso un Color Field a macchie, a zone di colore interrotte da sovrapposizioni spugnate di altre tonalità che infondono l’effetto di morbidezza caratterizzante i suoi lavori. La scelta della tonalità si armonizza con lo stato d’animo di Eos, con i sentimenti ricevuti nell’ascolto delle energie circostanti e poi emanati per diffondersi attraverso il filtro interiore e personale, come fossero messaggi da comunicare verso l’esterno per permettere a chi guarda di percepire la loro positività e un’altra possibilità interpretativa.

Ciò che deve necessariamente fuoriuscire dai suoi dipinti è la sensazione che lei stessa avverte all’interno di sé ricercando la gioia, la luce e la bellezza intrinseca appartenente all’esistenza che si manifesta ogni qual volta l’essere umano entra in armonia e si lascia andare al piacere di vedere in maniera intuitiva ciò che è piuttosto che ciò che appare.

Ogni tela può essere letta dal punto di vista esteriore oppure dal punto di vista interiore, come nel caso di Le Passage, il cui riferimento potrebbe essere un luogo, un sentiero valicato che ha suscitato un’emozione intensa nell’autrice nell’istante in cui vi si è trovata immersa, oppure una transizione dell’anima, un’evoluzione individuale attraverso la quale effettuare quel cammino necessario all’elevazione verso una coscienza superiore. O ancora, utilizzando le tonalità predominanti del blu e dell’azzurro, colori legati legati al cielo e all’acqua e pertanto allo scorrere, al fluire e all’ascendere, può suggerire la necessità di oltrepassare la soglia immaginaria indispensabile alla rinascita; ed è forse proprio per questo che l’autrice inserisce delle piccole macchie dorate, a suggerire la luce di un nuovo sé che vuole ed è destinato a emergere.

Il dipinto Coeur Océan appartiene invece ai lavori che hanno un riferimento fisico, quello dell’oceano appunto, e che tuttavia sono metafora di un universo misterioso quanto intenso per i significati che porta con sé perché l’acqua è il simbolo di rigenerazione, di rinnovamento, di inafferrabilità appartenente all’elemento che rappresenta tanto quanto alla vita stessa poiché l’essere umano non è mai immobilmente uguale a se stesso, egli cambia sulla base degli eventi che si susseguono, delle persone incontrate, dei momenti colti e di quelli persi. Quindi nel suo voler raccontare il cuore di quel mondo fluttuante, Eos ne mette in evidenza proprio l’inarrestabilità, quell’impossibilità di individuare un centro che un istante dopo è travolto dall’impetuosità delle correnti. Le pennellate bianche ricordano la schiuma delle onde che fanno sentire la loro forza, tanto quanto gli accadimenti si verificano in maniera naturale e neutra, è solo l’individuo che sceglie di dargli un’accezione negativa o positiva sulla base della sua interpretazione e dell’atteggiamento verso la vita. Il cuore a cui accenna nel titolo è così l’essenza, il succo di un esistere che acquisisce senso solo quando è vissuto in pieno e quando sa continuare a essere aperta anche se tutto sembra travolgente.

Vie è una tela più istintiva, la sua luminosità colpisce tanto quanto la magia che Eos riesce a creare nell’incontro tra tonalità delicate e fresche che rivelano in maniera inequivocabile la sua attitudine aperta alle possibilità e alle occasioni che si generano, riuscendo a vederne solo il lato migliore perché ogni accadimento, ogni circostanza porta con sé la possibilità di crescita, di apprendimento che ogni individuo ha l’opportunità di cogliere giorno dopo giorno. La frizzantezza dell’opera trasmette serenità e al contempo entusiasmo per tutto ciò che appartiene alla quotidianità, quelle piccole cose che possono essere ignorate o apprezzare, dipende solo dalla persona singola riuscire ad avere l’atteggiamento giusto; ecco, Eos sollecita l’osservatore a sintonizzarsi con la natura, con il suo istinto primordiale che riuscirebbe ad allontanarlo dalle paure e dagli ostacoli della mente i quali troppo spesso diventano i suoi limiti più grandi per il raggiungimento della felicità.

Eos espone principalmente nella sua galleria d’arte L’Atelier des Rêves a Parigi, che condivide con l’artista Franck Bénéteau, ma anche in fiere e mostre collettive internazionali all’estero – Monaco, Bruxelles, Madrid, Salisburgo -, e le sue opere sono state inserite in importanti pubblicazioni internazionali tra cui l’Atlante dell’Arte Contemporanea 2026 Giunti MoMa Edition.

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The deep connections between the universe and the soul in Eos’s soft and delicate Abstract Expressionism

The ability to visually convey the poetry that exists and subtly manifests itself in every single moment of existence is a hallmark of those artists capable of listening to everything around them, of observing nature, the elements, and the cosmos as if they were musical instruments in a magical symphony, in perfect harmony between what is visible and what, though it exists, is not. To successfully represent this kind of enveloping energy, which belongs as much to the external as to the internal dimensions, the most fitting style, and also the freest from an expressive standpoint, is one devoid of form. This is precisely because, in the world of the possible, the intuitive, and the perceptible, there can be no formal rules that would, through rationality, limit a gesture guided by impulse and the immediacy of feeling. Eos’s art is this and much more, for she manages to transport the viewer into her inner world stirred by the realization of how listening to one’s surroundings can connect with and shape the reality that materializes based on the interpretation of those who experience it.

Abstract Expressionism, at the time of its emergence in the 1950s, demonstrated just how essential it was to reclaim the emotionality and subjectivity that had been completely lost in previous years, when artists associated with Abstract Art, as embodied in De Stijl, Suprematism, and Geometric Abstraction, sought to assert the importance of the artistic gesture independent of any emotion or reference to reality. The American artists, led by Jackson Pollock, instead drew on the early abstract theories of Wassily Kandinsky who linked the absence of form to emotions and the pleasure derived from listening to music translating these into a fluctuating and chaotic representation on the canvas, exploring these ideas to completely overturn the rigid guidelines of earlier movements, emphasizing that without emotion there can be no engagement, neither on the part of the artist nor on the part of the viewer, who thus feels detached from the work.

Action Painting, applied to the expressive nature of each artist and thus developed into various approaches, from Dripping to Color Field, from gestural painting to Minimalism, was thus the means of conveying inner turmoil, the amplification of sensations, and the central concept that could no longer remain unexpressed. Pollock’s impetuosity found its most fitting expression in Dripping, since the paint was literally flung chaotically onto the canvas without any control not even that of the hand meant to hold the brush; Mark Rothko’s reflective and evocative calm found its ideal expression in Color Field painting, whose voice was defined solely and exclusively by the choice of colors and by shades that either blended or, at times, contrasted; Franz Kline’s agitated Minimalism manifested itself in all its fullness through gestural painting, in which white served as the backdrop for the incisiveness of black, which functioned as a singular and concise channel of communication. And finally, Barnett Newman employed monochrome, effectively laying the foundations of Minimalism, to convey a sense of transcendence and spirituality that could emerge from works devoid of any reference points or disorder, almost as if the still calm served to let the inner self speak.

Thus, Abstract Expressionism emerged as a movement centered on the expressive and inner freedom of each participating artist, with the sole, indispensable common denominator of infusing the canvases with subjective emotion capable of reaching and resonating with the viewer’s innermost feelings. The French artist of Polish descent Laura Rucinska, known by her artist name Eos, is part of the Abstract Expressionist movement, though she enriches it with a delicate and soft touch, as well as with the fundamental concepts that guide her life and her perspective on the world, according to which everything that revolves around the human being is something animated and interconnected with a higher dimension, that of the Universe understood as a spiritual entity that communicates with the individual’s soul in an intimate and unambiguous way when he turns to it with the positive openness of one who is ready to receive. Within this type of communication, every element and every emotion takes on a different meaning far deeper than that of mere observation or a fleeting thought silenced by the pragmatism of life; on the contrary, in Eos’s art, everything possesses a unique and magical energy capable of engaging anyone who stands before the expressive softness of her canvases, which convey the lightness that can determine how every circumstance, every event, and every vibration is experienced. The works are characterized by an ethereal, intangible quality, it is almost as if their softness were meant to envelop the viewer and transport him directly into the dimension depicted, or into the landscape evoked and made explicit by the titles; the color is essentially applied through a Color Field in patches, areas of color interrupted by sponged overlays of other shades that impart the softness characteristic of her artworks.

The choice of hues harmonizes with Eos’s state of mind, with the feelings she receives while attuning to the surrounding energies and then emanates, allowing them to spread through her inner, personal filter, as if they were messages to be communicated outwardly, enabling the viewer to perceive their positivity and an alternative interpretation. What must necessarily emerge from her paintings is the sensation she herself feels within, as she seeks the joy, light, and intrinsic beauty inherent in existence that manifests whenever a human being enters into harmony and allows himself to intuitively perceive what is, rather than what appears to be. Each canvas can be interpreted from an external perspective or an internal one, as in the case of Le Passage, which could refer to a place, a path traversed that stirred an intense emotion in the artist the moment she found herself immersed in it, or to a transition of the soul, an individual evolution through which to undertake the journey necessary for elevation toward a higher consciousness. Or again, by using predominant shades of blue and light blue, colors associated with the sky and water, and therefore with movement, flow, and ascent, the work may suggest the need to cross the imaginary threshold essential to rebirth; and it is perhaps for this reason that the artist includes small golden spots, suggesting the light of a new self that seeks to emerge and is destined to do so. The painting Coeur Océan, on the other hand, belongs to a group of works that have a physical reference, the ocean to be precise yet serve as a metaphor for a universe as mysterious as it is intense in the meanings it carries, because water is a symbol of regeneration, renewal, and elusiveness, qualities belonging as much to the element it represents as to life itself, ince human beings are never immutably the same, they change based on the events that unfold, the people they meet, and the moments they seize or let slip away.

Thus, in her desire to portray the heart of that fluctuating world, Eos highlights precisely its unstoppable nature, that impossibility of pinpointing a center, which a moment later is swept away by the impetuosity of the currents. The white brushstrokes evoke the foam of waves that make their power felt; just as events occur naturally and neutrally, it is only the individual who chooses to assign them a negative or positive meaning based on their interpretation and attitude toward life. The heart alluded to in the title is thus the essence, the very core of an existence that acquires meaning only when lived to the fullest and when one remains open even when everything seems overwhelming. Vie is a more instinctive canvas, its luminosity is as striking as the magic Eos manages to create through the interplay of delicate, fresh hues that unequivocally reveal her openness to the possibilities and opportunities that arise, allowing her to see only the best in them because every event, every circumstance, carries with it the possibility of growth and learning that every individual has the opportunity to seize day after day.

The work’s vibrancy conveys serenity and, at the same time, enthusiasm for everything that belongs to everyday life, those little things that can be ignored or appreciated it depends solely on the individual to adopt the right attitude; indeed, Eos urges the viewer to tune in to nature, to his primal instinct that could free him from the fears and mental obstacles that all too often become their greatest barriers to achieving happiness. Eos exhibits primarily at her art gallery, L’Atelier des Rêves in Paris, which she shares with artist Franck Bénéteau, as well as at international art fairs and group exhibitions abroad—in Monaco, Brussels, Madrid, and Salzburg—and her artworks have been featured in major international publications, including the Atlante dell’Arte Contemporanea 2026 Giunti MoMa Edition.