Le sperimentazioni di Claudia Amadesi, tra Informale e Concettuale per esplorare la profondità del pensiero

L’arte contemporanea è un susseguirsi di innovazioni che non possono fare a meno di attingere alle esperienze e ai percorsi espressivi del passato i quali, in virtù della capacità di sintesi e di rielaborazione dei creativi attuali, riescono a trasformarsi in percorsi nuovi, in veri e propri riadattamenti dove tutto ciò che prima era separato da altri approcci in maniera definita e quasi inconciliabile può invece essere fuso e adeguato all’attitudine filosofico-narrativa dei diversi interpreti. Questo è vero tanto per l’arte figurativa, che mostra sfumature e fusioni più orientate a mettere al centro l’essere umano con tutte le complessità che ne contraddistinguono l’esistenza, quanto per tutta quell’arte che si distacca dall’osservato inducendo il fruitore a compiere uno sforzo di approfondimento per scoprire il messaggio che l’autore nasconde oltre le forme indistinte di cui si avvale. La protagonista di oggi appartiene al secondo gruppo di artisti, mostrando tutta la sua attitudine a misurarsi con diverse materie e superfici grazie alle quali il concetto più profondo e nascosto emerge solo dopo che l’occhio si è soffermato sulle sue tele.

Nella seconda metà del Novecento, dopo la conclusione del secondo conflitto mondiale, gli artisti cominciarono a prendere direzioni discostanti, a volte persino divergenti, poiché laddove molti si concentrarono sull’esplosione emotiva che doveva manifestarsi sulla tela dando vita a un Esistenzialismo artistico sotto cui si raggrupparono diversi stili, d’altro canto molti autori avvertirono la necessità di proseguire quel percorso concettuale e materico, e dunque anche di sperimentazione esecutiva, iniziato con gli avanguardisti di inizio secolo e in particolar modo con i dadaisti e gli appartenenti alla scuola della Bauhaus tedesca.

L’Arte Informale, ben distante dalle altre forme di astrazione prevalentemente schematiche e geometriche, introdusse intorno alla metà degli anni Quaranta non solo la matericità necessaria a dare maggiore spessore al concetto di rinuncia alla forma e di completo distacco dalla realtà circostante, bensì anche aggiungendo l’azione, il tempo e lo spazio che divenivano così parte del gesto creativo. Pertanto all’Action Painting completamente bidimensionale e puramente istintiva si affiancò l’Informale Materico dove alla tela venivano aggiunti materiali di scarto di lavorazioni industriali o artigianali come plastiche, catrame, legno e iuta, e infine l’analisi scientifica e concettuale dello Spazialismo dove l’opera diveniva base di un’azione attraverso la quale ampliare il senso stesso dell’arte e della plasticità.

Sia le bruciature di Alberto Burri che la pacatezza intellettuale di Antoni Tàpies erano entrambe espressioni di un’innovazione creativa in virtù della quale la materia era fondamentale a dare concretezza al mondo interiore del primo e a entrare in contatto con la terza dimensione nel secondo. Nell’ambito del concetto invece, non più irriverente e irrisorio come nel caso dei precursori del Dadaismo, lo Spazialismo mostrò quanto la monocromia della tela fosse funzionale a mettere in evidenza che l’azione, già collegata all’atto creativo dall’Espressionismo Astratto, poteva allinearsi a un approccio meditato, mentale e al contempo gestuale. I tagli di Lucio Fontana affondavano ed entravano letteralmente nella tela scoprendone l’altro lato, mostrandone la possibilità di profondità, tanto quanto le estroflessioni di Agostino Bonalumi svelarono le opportunità dell’alternarsi di luci e ombre anche laddove il colore non interveniva a crearne.

L’Arte Concettuale poi non solo estremizzò in alcuni casi le teorie dadaiste epurandole dall’ironia e il sarcasmo dell’anti-arte e utilizzando oggetti di uso quotidiano, ma inglobò autori come Alighiero Boetti, e in una parte della sua produzione anche Jannis Kounellis, che operarono sulla bidimensionalità stimolando il lato intellettivo dell’osservatore. L’artista lombarda Claudia Amadesi struttura il suo stile esattamente in una linea di unione tra queste varie esperienze artistiche del secolo scorso, a cui infonde tuttavia un suo intento creativo completamente diverso, o forse sarebbe meglio dire assolutamente nuovo poiché in lei si unisce la sperimentazione analitica e preparatoria della materia che diviene base delle sue opere, alla necessità di infondere a ogni lavoro quel pensiero, quell’approfondimento concettuale non più distaccato dall’emozione bensì parte integrante di essa, come se in qualche modo non le fosse possibile lasciar prevalere l’uno a discapito dell’altra.

Pertanto lo studio che precede l’apporto cromatico presuppone un lavoro di ricerca su quali possano essere gli elementi più funzionali a permettere poi alla sua parte interiore di andare ad agire, coloristicamente, sulle superfici che danno stabilità alle riflessioni di cui desidera raccontare. Diplomata in Decorazione Pittorica presso l’Istituto d’Arte di Cantù, Claudia Amadesi prosegue gli studi in Comunicazione Visiva a Milano dove scopre l’attitudine a un percorso individuale in cui potesse emergere la sua natura eclettica nei confronti dell’utilizzo di una materia da cui si sente affascinata al punto da non poter rinunciare a essa; il linguaggio dunque è un bilanciamento tra necessità di affidarsi al colore dal punto di vista emozionale ma al contempo di aggrapparsi alla concretezza e alla ruvidità con cui prepara i fondi, di volta in volta scegliendo materiali differenti.

Ciò che emerge in maniera immediata nelle sue opere è l’effetto della rifrazione della luce, quell’alternarsi tra luce e ombra generata dai rilievi materici che sottolinea le infinite sfaccettature dell’esistenza, le molteplici possibilità interpretative di ciò che accade a un essere umano e l’esortazione implicita a saper cogliere le sfumature da cui si determinano le scelte, le prese di coscienza e la consapevolezza della relatività della vita. Dalle sue opere emerge un ulteriore strato di pensiero, quello più filosofico e universale che associa i solchi e i rilievi a tutto quell’universo interiore e umano da cui si costruisce giorno dopo giorno il percorso intrapreso, quell’esperienza a seguito della quale tutto assume una consistenza e una struttura differente rispetto all’attimo precedente eppure essenziale per mettere in luce l’attitudine, i desideri, i sogni e le aspettative dell’individuo che deve vivere le cadute e i momenti più bui solo come parte del cammino evolutivo, come pause a seguito delle quali ha origine la crescita personale.

Claudia Amadesi riflette sull’anima e sui suoi più veri colori, nell’opera Soul infatti si evidenziano le linee, le striature di quella dimensione interiore dove nascono le sensazioni e dove vengono immagazzinate per costituire lo scrigno emotivo in cui vengono conservate. La base bianca e nera costituisce la neutralità degli accadimenti che si trasformano sulla base di come vengono ricevuti e assorbiti da ciascuno e successivamente trasformati in sentimenti che continuano a ruotare e a sovrapporsi come echi incisi sulla memoria del cuore. I vari colori rappresentano qui la molteplicità di ciò che accade nell’animo e il loro coesistere quasi non fosse possibile la presenza di un’emozione senza il suo contrario.

Le opere della serie Zip sottolineano l’attitudine dell’uomo contemporaneo a chiudersi in se stesso, a vivere in un isolamento emotivo che solo apparentemente lo protegge dall’esterno ma che spesso va ad acutizzare una profonda solitudine o la paura di mettersi in gioco abbassando le difese pur riuscendo a mostrare il proprio autentico sé.

Infatti mentre la tela Urban zip è ermeticamente chiusa, rafforzata dalla presenza di un filo rosso quasi a voler sigillare la scelta di non esporsi, il lavoro Unzip mostra un’altra opzione, quella di non abbandonare completamente lo scudo protettivo dentro cui l’individuo custodisce l’essenza più morbida e fragile ma di scegliere di fidarsi solo davanti a chi saprà capire i suoi motivi, a chi dimostrerà di essere interessato a non lasciarsi fermare o intimorire da un’armatura che in realtà nasconde tutt’altro che durezza. In entrambe le opere i denti delle chiusure lampo sono materici e l’attenzione dell’osservatore si focalizza sulla loro preponderanza esaltata da sfondi monocromatici, più cupo e immobilizzante quello della prima, più luminoso, tenue e dunque possibilista quello della seconda, come a lasciar intendere quanto tutto sia subordinato alla scelta personale piuttosto che ai pericoli che si crede arrivino dall’esterno; mantenere chiusa la propria anima a seguito di circostanze ed eventi precedenti equivale a credere che la storia possa ripetersi sempre in maniera identica senza prenderne in considerazione l’insegnamento evolutivo.

Nelle tele della serie Rose, al contrario, Claudia Amadesi sottolinea l’interconnessione che esiste tra gli individui, quell’essere gli uni vicini agli altri a dispetto dell’individualismo che sembra dover predominare nella società contemporanea; le rose simboleggiano la rinascita della forza ma anche la provvisorietà dell’esistenza ed è proprio per questo che va vissuta intensamente trovando nell’altro, e di conseguenza dandogli, solidarietà, sostegno e supporto, in sostanza è molto meglio essere una comunità piuttosto che un crocevia di persone che dimenticano di guardarsi negli occhi.

Claudia Amadesi ha al suo attivo la partecipazione a fiere internazionali e concorsi dove ha ricevuto numerosi premi, e le sue opere fanno parte di collezioni private in Canada, Stati Uniti (Austin, Chicago, New York e Villanova), Svizzera, Germania, Olanda, Francia, Belgio, Lussemburgo e Italia.

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Experimentations by Claudia Amadesi, between the Informal and Conceptual to explore the depths of thought

Contemporary art is a succession of innovations that inevitably draw on the experiences and expressive paths of the past that, thanks to the ability of today’s creatives to synthesize and rework, are transformed into new paths, true adaptations where everything that was previously clearly and almost irreconcilably separated from other approaches can now be fused and adapted to the philosophical-narrative perspectives of different interpreters. This holds true both for figurative art, which displays nuances and fusions more oriented toward placing the human being at the center with all the complexities that characterize their existence, and also for all art that detaches itself from the observed, prompting the viewer to make an effort to delve deeper in order to discover the message the artist conceals beyond the indistinct forms they employ. Today’s protagonist belongs to the second group of artists, demonstrating her ability to mesures with diverse materials and surfaces through which the deepest, most hidden concept emerges only after the eye has lingered on her canvases.

In the second half of the Twentieth century, following the end of World War II, artists began to take divergent paths, sometimes even divergent, because while many concentrated on the emotional explosion that was to manifest itself on the canvas giving life to an artistic Existentialism under which different styles were grouped, on the other hand many authors felt the need to continue that conceptual and material path, and therefore also of executive experimentation, begun with the avant-gardists of the beginning of the century and in particular with the Dadaists and the members of the German Bauhaus school. Informal Art, far removed from other forms of abstraction that were predominantly schematic and geometric, introduced around the mid-1940s not only the materiality necessary to give greater depth to the concept of renouncing form and complete detachment from the surrounding reality, but also by adding action, time, and space, which thus became part of the creative gesture.

Thus, the completely two-dimensional and purely instinctive Action Painting was joined by Material Informal, where waste materials from industrial or artisanal processes such as plastic, tar, wood and jute were added to the canvas, and finally the scientific and conceptual analysis of Spatialism, where the work became the basis of an action through which to broaden the very meaning of art and plasticity. Both Alberto Burri’s scorched canvases and Antoni Tàpies’s intellectual restraint were expressions of a creative innovation whereby matter was fundamental to giving concrete form to the former’s inner world and to engaging with the third dimension in the latter’s work. In the context of the concept, however, no longer irreverent and derisory as in the case of the precursors of Dadaism, Spatialism showed how the monochrome of the canvas was functional in highlighting that the action, already linked to the creative act by Abstract Expressionism, could align itself with a meditated, mental and at the same time gestural approach. Lucio Fontana‘s cuts sank and literally entered the canvas, revealing its other side, showing the possibility of depth, just as Agostino Bonalumi‘s extroflexions revealed the opportunities of alternating lights and shadows even where colour did not intervene to create them.

Conceptual Art then not only took Dadaist theories to the extreme in some cases by purging them of the irony and sarcasm of anti-art and using everyday objects, but it incorporated authors such as Alighiero Boetti, and in part of his production also Jannis Kounellis, who worked on two-dimensionality by stimulating the intellectual side of the observer. The Lombard artist Claudia Amadesi structures her style precisely along a line of union between these various artistic experiences of the last century, to which she infuses, however, a completely different creative intent, or perhaps it would be better to say absolutely new, since in her it combines the analytical and preparatory experimentation of the material that becomes the basis of her works, with the need to infuse each piece with that thought, that conceptual deepening no longer detached from emotion but rather an integral part of it, as if somehow it were not possible for her to let one prevail over the other. Therefore, the study that precedes the chromatic contribution presupposes research into which elements might be most functional, allowing her interior part to then act, chromatically, on the surfaces that give stability to the reflections she wishes to narrate. After graduating in Pictorial Decoration from the Art Institute of Cantù, Claudia Amadesi continued her studies in Visual Communication in Milan, where she discovered her aptitude for an individual path that would allow to emerge her eclectic nature using a material that fascinates her to the point of being irresistible.

Her artistic language, therefore, strikes a balance between the need to rely emotionally on color while also embracing the concreteness and roughness with which she prepares her backgrounds, choosing different materials each time. What immediately emerges in her works is the effect of light refraction, that alternation between light and shadow generated by the material reliefs that underscores the infinite facets of existence, the multiple interpretative possibilities of what happens to a human being and the implicit exhortation to be able to grasp the nuances that determine choices, conscience and the awareness of the relativity of life. From her artworks emerges a further layer of thought, a more philosophical and universal one that associates the furrows and reliefs with that entire interior and human universe from which the path undertaken is constructed day after day, that experience following which everything takes on a different consistency and structure than the previous moment, yet essential for highlighting the attitude, desires, dreams, and expectations of the individual who must experience the failures and darkest moments only as part of the evolutionary path, as pauses following which arises personal growth.

Claudia Amadesi reflects on the soul and its truest colors; in the work Soul infact, are highlighted the lines and streaks of that inner dimension where sensations are born and stored to form the emotional treasure chest in which they are preserved. The black-and-white background represents the neutrality of events that transform depending on how they are received and absorbed by each individual, and subsequently transformed into feelings that continue to revolve and overlap like echoes etched into the heart’s memory. The various colors here represent the multiplicity of what occurs within the soul, and their coexistence suggests that the presence of one emotion is virtually impossible without its opposite. The artworks of the Zip series highlight the tendency of contemporary man to withdraw into himself, to live in an emotional isolation that only seemingly protects him from the outside world but often exacerbates a profound loneliness or the fear of putting on the line, lowering his defenses while still managing to show his authentic self.

In fact, while the Urban zip canvas is hermetically closed, reinforced by the presence of a red thread as if to seal the choice not to expose oneself, the work Unzip demonstrates another option, that of not completely abandoning the protective shield within which the individual preserves the softest and most fragile essence, but choosing to trust only those who can understand his motives, those who demonstrate their interest in not being stopped or intimidated by an armor that in reality hides anything but hardness. In both works, the zipper teeth are textured, and the viewer’s attention is drawn to their preponderance, highlighted by monochromatic backgrounds, the first darker and more immobilizing, the second brighter, softer, and therefore more possibilistic as if to suggest how everything depends on personal choice rather than on perceived external dangers; keeping one’s soul closed due to previous circumstances and events is equivalent to believing that history can always repeat itself identically, without taking into account the evolutionary lessons.

In the canvases of the Rose series, on the contrary, Claudia Amadesi emphasizes the interconnectedness that exists between individuals, that sense of being close to one another despite the individualism that seems to dominate contemporary society; the roses symbolize the rebirth of strength but also the transience of existence, and it is precisely for this reason that life should be lived intensely by finding solidarity, support, and encouragement in others, and consequently offering them the same, in essence it is far better to be a community than a crossroads of people who forget to look each other in the eye. Claudia Amadesi has participated in international fairs and competitions, where she has received numerous awards, and her works are part of private collections in Canada, the United States (Austin, Chicago, New York, and Villanova), Switzerland, Germany, the Netherlands, France, Belgium, Luxembourg, and Italy.