L’introspezione femminile di Sasha Gordon, tra identità atavica e necessità di conformarsi alle regole della società

Spesso l’arte diventa spunto per approfondire e riflettere il disagio provato all’interno di una società che non è sempre in grado di considerare le sfaccettature più complesse e personali derivate dalla generalizzazione, dallo schiacciamento della personalità dell’individuo per adeguarsi a leggi, direttive, consuetudini appartenenti alla massa ma non completamente adatte per il singolo. All’interno di questo tipo di approccio espressivo la forma visibile assume a volte un aspetto completamente difforme e distante da ogni apparenza riscontrabile nella realtà circostante, altre rimane invece legata all’osservato tratteggiando una dimensione parallela e quasi irreale, e poi ci sono quelle in cui l’autore mostra la necessità di affondare nelle pieghe delle sue riflessioni più intime che vengono lasciate fuoriuscire attraverso la pittura come se fossero manifestazioni del sé più autentico. Sasha Gordon compie un percorso persino più articolato poiché mescola le sensazioni appartenenti alla sua spiccata capacità introspettiva alla realtà contemporanea e a uno stile originale al confine tra la perfetta narrazione oggettiva e la tendenza a permeare le sue tele di tutte le emozioni che diversamente rimarrebbero inespresse.

Nel momento in cui, alla fine dell’Ottocento, molti artisti avvertirono l’esigenza di staccarsi dal gusto puramente estetico e da una ricerca pittorica che si focalizzava sulla resa il più possibile vicina alla realtà tralasciando tutte le sensazioni appartenenti al mondo interiore dell’esecutore, si creò la necessità di superare l’Impressionismo spostando la ricerca verso nuovi stili che potessero inserire all’interno di un dipinto anche il punto di vista dell’artista. Tutti i linguaggi appartenenti al PostImpressionismo, molti dei quali anticipatori delle avanguardie che si delinearono con l’arrivo del nuovo secolo, puntavano a trovare la chiave per lasciare che l’emozione dell’autore divenisse voce per raccontare una realtà non più assolutamente fedele a ciò che l’occhio poteva cogliere, bensì arricchita di tutto quell’universo interiore che rendeva il pittore protagonista non solo attraverso la linea esecutiva ma anche in virtù delle sensazioni che sapeva emanare. Per i maggiori interpreti di questa corrente ciò che contava era liberarsi dall’estetica dominante fino quasi ad accettare la distorsione, cromatica o figurativa, pur di trovare un linguaggio che fosse più affine alla loro idea di arte. Paul Cézanne con i suoi interni, i suoi personaggi e le sue nature morte contraddistinti da contorni ben delineati e marcati e da un aspetto quasi grafico e geometrico piuttosto che realistico, Vincent Van Gogh contraddistinto da pennellate dense, da colori intensi, piatti, privi di sfumature e soprattutto dalla forte emozionalità delle scene appartenenti al suo mondo quotidiano, a tutto ciò su cui il suo sguardo disagiato si posava, Paul Gauguin che utilizzava colori racchiusi all’interno di linee marcate per rappresentare quel mondo polinesiano al quale si era legato e che gli ha permesso di essere un grande esponente dell’esoticismo pittorico, Henri de Tolouse-Lautrec, rappresentante dell’arte più grafica che gli ha permesso di divenire il pittore simbolo dei locali notturni parigini e autore di moltissime locandine di spettacoli, e infine Georges Seurat e Paul Signac che esasperarono la suddivisione della pennellata impressionista trasformandola in puntini i cui colori irreali erano necessari a mostrare come la retina dell’occhio riuscisse a mescolare e unire nel punto di vista generale, ciò che nasceva separato.

Questi autori gettarono le basi per i grandi movimenti di inizio Novecento come il Cubismo, l’Espressionismo, il Fauvismo, il Divisionismo che attinse anche agli eccessi del Puntinismo di Seurat per affinare la sua ricerca. L’artista statunitense Sasha Gordon attinge alla medesima attitudine figurativa del PostImpressionismo alla quale aggiunge anche la necessità di lasciar trasparire le sue origini birazziali di cui mostra sottilmente le abitudini, la spontaneità, le tradizioni che vengono mantenute nonostante il vivere e il doversi adeguare alla cultura occidentale, quella della città di New York dove risiede e lavora, che spesso ha regole, modi di pensare, abitudini e attitudini completamente diverse.

Nelle sue opere fuoriesce la capacità di approfondimento, di introspezione e il raccontare anche il disagio come appartenesse a una fiaba che ha poco di magico e molto di reale, di descrivere le scene riempiendole di personaggi corpulenti, refrattari a rientrare in quei canoni di bellezza che non appartengono alla sua mentalità e alle sue origini, scegliendo pertanto di rimanere fedele alla sua identità, quella trasmessa di generazione in generazione e portata in qualunque parte del mondo si sceglie di abitare. Molto spesso Sasha Gordon ritrae se stessa, i suoi pensieri più profondi, il senso allegorico e simbolico degli sguardi, delle riflessioni, dei gesti che sembrano voler fuoriuscire dalla tela, comunicare direttamente con l’osservatore che si sente attratto dalle immagini enigmatiche ed ermetiche esplicitate dai titoli.

Dal punto di vista puramente stilistico non si possono non cogliere i riferimenti alle atmosfere di Paul Gauguin, da cui riprende l’esoticità e la spontaneità di ambientazioni e pose suggestive eppure in alcuni casi quasi ironiche, così come la tendenza a utilizzare i contorni, sebbene più sottili, e il colore in modo piatto e uniforme; tuttavia mentre il maestro del Post-Impressionismo raccontava dal di fuori ciò dentro cui aveva scelto di vivere, quel mondo polinesiano che tanto lo ha reso celebre in tutto il mondo, Sasha Gordon lo narra dal di dentro perché lei appartiene a quelle radici di cui mostra con orgoglio i tratti, i pensieri e la difficoltà di conformarsi completamente a una cultura, quella statunitense nel caso specifico, che non riesce mai a cancellare tutto ciò che appartiene alle radici più profonde del suo popolo, dei suoi avi, della spiritualità e profondità alla quale non riesce mai a rinunciare.

L’ironia emerge in modo chiaro nel dipinto Sore loser dove una delle due ragazze impegnate in un incontro di padle cade a terra arrabbiata per dover soccombere a un’avversaria forse più determinata e molto più competitiva, come suggerisce il sorriso soddisfatto con cui affronta il colpo che metterà fine al gioco. Sasha Gordon non esita a mettere in risalto i difetti fisici che focalizzano l’attenzione sul bisogno di accettazione di un corpo, derivante da fattori ereditari, che non risponde e non risponderà mai ai canoni di bellezza occidentali, senza che questo generi frustrazioni e insoddisfazioni anzi, piuttosto a emergere è un senso di appartenenza razziale che diviene così un punto di forza piuttosto che un senso di inadeguatezza.

In Jenga girls l’autrice ritrae due ragazze che si stanno sfidando al celebre gioco di equilibrio e di costruzione che richiede attenzione e abilità, ma ciò che ne fuoriesce in particolar modo è il suo significato metaforico, quel rappresentare un sistema complesso in equilibrio precario, dove la rimozione di un singolo elemento fondamentale può causare il collasso dell’intero progetto, tanto quanto nella vita attuale perdere anche solo una delle basi su cui è stato costruito il fragile equilibrio dell’individuo possa causare un crollo psicologico che destabilizza quanto costruito in precedenza. Allo stesso modo viene contrapposta la semplicità di un gioco tradizionale e alla tecnologia eccessiva di cui si avvalgono le persone per intrattenersi, suggerendo che in alcune culture l’interazione è rimasta ancora fondamentale e predominante rispetto all’individualismo alienante che ne contraddistingue altre.

Tell me è una delle tele in cui Sasha Gordon utilizza se stessa per tracciare un senso più simbolico, introducendo la spiritualità delle leggende marine secondo cui le conchiglie sono entità viventi in grado di trasmettere le tradizioni del passato, le voci di chi non è più nel mondo tangibile ma sopravvive grazie alla capacità delle energie universali di trasportarne il ricordo e il messaggio profondo legato alla memoria comune. In questo dipinto il Simbolismo si manifesta anche attraverso gli occhi della giovane protagonista, alter ego dell’autrice funzionale a sottolineare quanto sia necessario l’ascolto di se stessi, delle proprie radici che tornano periodicamente a voler far sentire la propria voce, come se dimenticarle fosse impossibile poiché costituirebbe un tradimento dell’essenza più vera e autentica.

Il dipinto Bonfire è forse quello che mette più di tutti in risalto l’atmosfera sospesa tra un mondo reale, rappresentato dai protagonisti dall’aspetto perfettamente contemporaneo, e quello immaginario che induce Sasha Gordon a evadere dalla giungla d’asfalto della città in cui risiede, New York, evocando un’ambientazione divertente e sognante ma assolutamente selvaggia dove a svelarsi è la libertà di adeguarsi solo alle proprie regole, quelle in grado di costituire un ponte tra la vera natura, ereditata dagli avi e mai dimenticata nonostante l’eradicazione dalle proprie radici, e la necessità di vivere all’interno di una società diversa alla quale è necessario adeguarsi pur mantenendo la propria autonomia espressiva.

Sasha Gordon ha esposto le sue opere in mostre collettive al Jewish Museum di New Work, al Museum of Fine Arts di Houston e al Rudolph Tegners Museum og Statuepark di Dronningmølle, in Danimarca e sono esposte in permanenza presso musei e fondazioni a Bentonville in Arkansas, a Baltimora, a New York, in California, a Dallas, a Los Angeles, a Miami, a Houston, e a Porto in Portogallo.

SASHA GORDON-CONTATTI

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Sasha Gordon’s feminine introspection, between atavistic identity and the need to conform to society’s rules

Art often serves as a starting point for exploring and reflecting on the unease felt within a society that is not always capable of considering the most complex and personal nuances arising from generalization, from the suppression of an individual’s personality in order to conform to laws, directives, and customs that belong to the masses but are not entirely suited to the individual. In this type of expressive approach, the visible form sometimes takes on an appearance that is completely different and distant from anything found in the surrounding reality, while at other times it remains tied to the observed, sketching out a parallel and almost unreal dimension, and then there are those times in which the artist reveals the need to delve into the depths of his most intimate reflections, which are allowed to flow out through painting as if they were manifestations of his most authentic self. Sasha Gordon follows an even more complex path, as she blends the sensations stemming from her keen introspective ability with contemporary reality and an original style that straddles the line between perfectly objective narration and a tendency to imbue her canvases with all the emotions that would otherwise remain unexpressed.

At the moment when, at end of the Nineteenth century, many artists felt the exigency to break away from purely aesthetic tastes and from a painterly approach that focused on rendering reality as closely as possible while neglecting all sensations belonging to the artist’s inner world, arose the need to move beyond Impressionism by shifting the focus toward new styles that could also incorporate the author’s point of view into a painting. All the languages belonging to Post-Impressionism, many of which foreshadowed the avant-garde movements that emerged with the dawn of the new century, aimed to find the key to allowing the artist’s emotion to become a voice for narrating a reality no longer strictly faithful to what the eye could perceive, but rather enriched by that entire inner universe that made the painter the protagonist not only through the execution of the lines but also by virtue of the sensations he was able to convey. For the leading figures of this movement, what mattered was freeing themselves from the dominant aesthetic to the point of almost accepting distortion, whether chromatic or figurative, in order to find a language more in tune with their idea of art. Paul Cézanne, with his interiors, figures, and still lifes characterized by well-defined, marked contours and an appearance that was almost graphic and geometric rather than realistic, Vincent van Gogh characterized by dense brushstrokes, intense, flat colors devoid of nuances, and above all by the powerful emotionality of the scenes from his everyday world, everything upon which his troubled gaze fell, Paul Gauguin who used colors enclosed within bold lines to depict the Polynesian world to which he had become attached and that allowed him to become a leading exponent of exoticism in painting; Henri de Toulouse-Lautrec, a master of graphic art whose style enabled him to become the iconic painter of Parisian nightclubs and the creator of countless show posters, and finally Georges Seurat and Paul Signac who took the subdivision of the Impressionist brushstroke to the extreme transforming it into dots whose unreal colors were necessary to demonstrate how the retina of the eye managed to mix and unite in the overall view what had originally been separate.

These artists laid the groundwork for the major movements of the early 20th century, such as Cubism, Expressionism, Fauvism, and Divisionism, the latter of which also drew on the extremes of Seurat’s Pointillism to refine its approach. The American artist Sasha Gordon draws on the same figurative approach as Post-Impressionism, to which she also adds the need to reveal her biracial heritage, subtly showcasing her customs, spontaneity, and traditions that are maintained despite living in and having to adapt to Western culture, specifically that of New York City where she lives and works, which often has completely different rules, ways of thinking, habits, and attitudes. Her paintings reveal a capacity for depth and introspection, as well as the ability to portray discomfort as if it were part of a fairy tale with little magic and much reality, filling her scenes with corpulent characters who refuse to conform to those beauty standards that do not align with her mindset and her origins, thus choosing to remain true to her identity passed down from generation to generation and carried wherever in the world she chooses to live. Very often Sasha Gordon portrays herself, her deepest thoughts, and the allegorical and symbolic meaning of the gazes, reflections, and gestures that seem to want to burst forth from the canvas, communicating directly with the viewer, who feels drawn to the enigmatic and cryptic images made explicit by the titles.

From a purely stylistic standpoint one cannot help but notice the references to the atmosphere of Paul Gauguin, from whom she draws the exoticism and spontaneity of evocative, yet in some cases almost ironic, settings and poses as well as the tendency to use outlines, albeit more subtle ones, and color in a flat, uniform manner; however, while the master of Post-Impressionism depicted from the outside the world in which he had chosen to live,th at Polynesian world that made him so famous worldwide, Sasha Gordon narrates it from the inside because she belongs to those roots whose traits, thoughts, and the difficulty of fully conforming to a culture, in this specific case American culture, she proudly displays, a culture that can never erase everything belonging to the deepest roots of her people, her ancestors, and the spirituality and depth she can never bring herself to renounce. Irony emerges clearly in the painting Sore Loser, where one of the two girls engaged in a padle match falls to the ground, angry at having to succumb to an opponent who is perhaps more determined and far more competitive, as suggested by the satisfied smile with which she faces the shot that will end the game. Sasha Gordon does not hesitate to highlight physical imperfections that draw attention to the need to accept a body, shaped by hereditary factors, that does not and will never conform to Western beauty standards, without this leading to frustration or dissatisfaction, on the contrary, what emerges is a sense of racial belonging that thus becomes a source of strength rather than a feeling of inadequacy. In Jenga Girls the author portrays two girls challenging each other to the famous game of balance and construction that requires attention and skill, but what stands out in particular is its metaphorical significance, it represents a complex system in precarious balance where the removal of a single fundamental element can cause the entire structure to collapse just as, in real life, losing even one of the foundations upon which an individual’s fragile equilibrium is built can trigger a psychological breakdown that destabilizes everything that has been built up to that point. Similarly, the simplicity of a traditional game is contrasted with the excessive technology people rely on for entertainment, suggesting that in some cultures, interaction remains fundamental and predominant compared to the alienating individualism that characterizes others.

Tell Me is one of the paintings in which Sasha Gordon uses herself to convey a more symbolic meaning, drawing on the spirituality of marine legends that hold that shells are living entities capable of transmitting the traditions of the past, the voices of those who are no longer in the tangible world but survive thanks to the ability of universal energies to carry their memory and the profound message linked to collective memory. In this painting Symbolism also manifests itself through the eyes of the young protagonist, the artist’s alter ego who serves to emphasize how essential it is to listen to oneself and to one’s roots, which periodically resurface to make their voices heard, as if forgetting them were impossible since doing so would constitute a betrayal of one’s truest and most authentic essence. The painting Bonfire is perhaps the one that most vividly highlights the atmosphere suspended between the real world, represented by the protagonists with their perfectly contemporary appearance, and the imaginary world that prompts Sasha Gordon to escape from the concrete jungle of the city where she lives, New York, evoking a playful, dreamlike yet utterly wild setting where what is revealed is the freedom to conform only to one’s own rules, those capable of bridging the gap between one’s true nature, inherited from her ancestors and never forgotten despite being uprooted from her origins, and the need to live within a different society to which she must adapt while maintaining her creative autonomy. Sasha Gordon has exhibited her works in group shows at the Jewish Museum in New York, the Museum of Fine Arts in Houston, and the Rudolph Tegners Museum og Statuepark in Dronningmølle, in Denmark, and are on permanent display at museums and foundations in Bentonville in Arkansas, Baltimore, New York, California, Dallas, Los Angeles, Miami, Houston, and Porto in Portugal.