La società africana e la temporaneità della condizione umana nel Realismo di Olamide Ogunade Olisco

Raccontare un mondo lontano eppure incredibilmente vicino per atteggiamenti e sensazioni che appartengono a qualsiasi essere umano, è caratteristica di tutti quei nuovi autori appartenenti a un paese che molto a lungo è stato lasciato ai margini del sistema dell’arte ma che ora rende inevitabile un’attenzione internazionale proprio per saper diffondere e rappresentare tutte quelle abitudini, quella filosofia di vita e quelle sensazioni che non possono fare a meno di affascinare l’osservatore. E così tutto ciò che sembra diverso per colore della pelle, per religione, per coordinate geografiche, appare, in virtù della capacità narrativa degli artisti appartenenti a un continente specifico, incredibilmente simile alle riflessioni esistenzialiste dell’individuo contemporaneo. Il protagonista di oggi appartiene a queste nuove voci creative che si stanno proponendo nel panorama artistico internazionale con un linguaggio fortemente figurativo che tuttavia volge verso l’impalpabilità esistenziale dei tempi attuali.

L’interesse verso l’arte africana cominciò a svilupparsi e a entrare nel mondo artistico internazionale, in quel dinamico periodo storico a cavallo tra l’Ottocento e il Novecento, quando cioè le innovazioni tecnologiche permisero alle navi di abbreviare i tempi di percorrenza dei viaggi al di fuori dell’Europa e concedendo agli artisti dell’epoca di andare a esplorare quelle civiltà antiche e tribali a cui attingere e ispirarsi per le loro opere. Il Primitivismo, questo il nome della tendenza ad avvalersi delle iconografie africane e oceaniche, è particolarmente visibile nelle opere del primo periodo di Pablo Picasso e nei volti stilizzati di Amedeo Modigliani. Nello stesso periodo emersero anche alcuni artisti di origini afroamericane che, attraverso le loro opere vollero riscattare il popolo a cui appartenevano dalle oppressioni e dal razzismo che avevano subìto in precedenza e il cui cammino di affermazione era ancora agli inizi; tra questi autori vi fu la scultrice Edmonia Lewis che con uno stile neoclassico eseguì indimenticabili raffigurazioni di persone africane e native americane.

Il linguaggio pittorico realista contraddistinse invece le opere di Henry Ossawa Tanner che alternava le sue scene bibliche a delicati racconti della vita afroamericana dell’epoca da cui emergeva lo spirito tradizionalista e conservativo di un popolo che aveva resistito alle avversità e alle persecuzioni del sud degli Stati Uniti. Altra scultrice di grande rilievo fu Augusta Sauvage che divenne talmente celebre per il suo talento nel plasmare la materia da essere chiamata da molti leader di colore della prima metà del Novecento per realizzare i loro busti. Lois Mailou Jones, anche lei afroamericana, che ha mescolato nella sua produzione pittorica le maschere tribali, l’Espressionismo e il contrasto tra vita contemporanea della sua gente, e un passato sempre presente e guida silenziosa per la capacità di tramandare le tradizioni alle generazioni successive. E ancora Faith Ringgold, nata ad Harlem e cresciuta durante il periodo del Rinascimento di quel particolare quartiere di New York, che con un inconfondibile e fanciullesco stile Naif ha raccontato storie di donne nere che hanno sfidato la loro posizione sociale, scene di vita quotidiana del suo quartiere dove l’africanità non è mai stata dimenticata.

Nell’arte contemporanea vi sono due autori importanti che portano avanti la tradizione dei grandi nomi appena citati, rivisitando e riattualizzando, sebbene in modi completamente diversi, l’orgoglio nero in una società dove ormai non devono più combattere per essere accettati sulla base del colore della pelle bensì solo per il talento; i due grandi nomi sono l’iperrealista Kehinde Wiley, che ironizza sulla black power riproponendo immagini di dipinti classici realizzate con personaggi di colore presi dalla strada, e Kerry James Marshall che con uno stile espressionista mescola riferimenti storici afroamericani e questioni sociali contemporanee.

L’artista nigeriano Olamide Ogunade Olisco dà un punto di vista interno, nel senso che lui vive in Africa e pertanto la sua narrazione va a esplorare tutte quelle abitudini, quegli atteggiamenti e quelle tradizioni che di fatto sono state esportate ma che appartengono indissolubilmente al luogo in cui sono nate; la missione dell’autore è quella di mostrare una società, quella nigeriana in particolare e quella africana in generale, che si è attualizzata in maniera diversa rispetto a quella occidentale, ha avuto un suo percorso più tradizionalista ma comunque desideroso di calarsi nella modernità dei tempi attuali.

Dal punto di vista espressivo Olamide Ogunade Olisco sceglie un approccio realista tendente all’Iperrealismo in alcuni dettagli, ma al contempo si discosta dall’eccessiva fotograficità eccedendo in altri particolari che lo avvicinano di più all’Espressionismo; ma la sua descrizione realista non trascura le riflessioni metafisiche e concettuali che elevano le sue tele verso una dimensione sospesa, attraverso cui l’autore vuole sottolineare l’assenza di certezza, l’ariosità di un vivere in continua evoluzione e che induce a credere che nessuna condizione sarà tale per sempre. Questo è il significato dell’introduzione delle bolle di sapone attraverso cui Olamide Ogunade Olisco vuole sottolineare quanto tutto sia passeggero ed evanescente, pronto a dissolversi per lasciare spazio alla prossima circostanza; d’altro canto però nell’immaginario comune, le bolle possono rappresentare anche i sogni, i desideri che solo in virtù della determinazione e della propositività possono realizzarsi, in Africa come nel resto del mondo.

L’abilità maggiore dell’autore è quella di riuscire a descrivere in modo impeccabile il colore della pelle dei suoi protagonisti, volutamente scelta nella sua declinazione più scura proprio per sottolineare l’orgoglio nero che mentre all’esterno ha dovuto combattere per affrancarsi dal razzismo ed essere accettato come parte della nuova società che stava emergendo, in patria ha da sempre costituito la normalità. Olamide Ogunade Olisco porta alla luce le abitudini, i vezzi, gli atteggiamenti rilassati e a volte sonnecchiosi che lasciano sottintendere un ritmo più lento, meno frenetico rispetto a quello a cui l’Occidente è abituato, più incline ad assaporare la vita in ogni sua sfaccettatura senza rinunciare a un benessere che si rivela da alcuni dettagli messi in evidenza dall’autore.

L’opera Lost in thoughts racconta un uomo, probabilmente un rapper o un cantante pop del suo paese, pieno di gioielli d’oro che si abbandona a un momento di riflessione, oppure di ricordo, di qualcosa che è sfuggito, o al contrario sta pensando al modo migliore per promuovere la sua carriera, o ancora semplicemente si sta abbandonando a quei sogni evocati dalle bolle di sapone. Olamide Ogunade Olisco realizza quest’opera, come quasi tutte, in acrilico e carbone su tela, perché il nero della pelle è il focus su cui si concentra tutta la produzione pittorica dell’autore.

In Sisters from the 70’s viene sottolineata la distanza tra l’abbigliamento occidentale afroamericana e quella nigeriana dove quel particolare periodo storico con tutte le sue rivoluzioni è stato vissuto in maniera completamente diversa, senza la dissoluzione delle certezze, senza la contestazione che ha contraddistinto il movimento che si è delineato al suo interno, bensì limitandosi ad assorbire alcuni atteggiamenti e vezzi stilistici che in quest’opera si riflettono in particolar modo nelle acconciature. La calma e la seraficità delle due donne che sembrano scrutare l’osservatore quasi a voler raccontare un’altra storia, fuoriescono in maniera chiara dal dipinto e richiamano l’attenzione su un modo diverso di intendere l’oggettività.

In his embrace è l’opera che forse più di tutte sottolinea quanto ciascun essere umano, indipendentemente dal colore della pelle, dalla religione, dal credo politico e sociale, sia unito dalle medesime sensazioni, dalla ricerca di un sentimento condiviso che è la ragione della ricerca spesso inconscia, il motore e l’essenza stessa dell’esistenza. La coppia è romantica eppure concreta nell’atteggiamento, l’uomo è in un atteggiamento protettivo e la donna si sente sicura, sa che nulla le potrà accadere finché sarà avvolta da quell’abbraccio. L’interno è quello di una casa comune, arredata con gusto ed equilibrio, quasi a voler sottolineare il senso di tranquillità e di sicurezza che si genera all’interno della coppia; i colori però appartengono all’universo variopinto dell’Africa, abbandonano i toni minimalisti tanto cari ai popoli occidentali per mostrare il carattere e la vivacità del continente a cui l’autore fa riferimento.

Sound from the soul ritrae invece un musicista completamente rapito dal canto e qui l’autore intende sottolineare quanto la musica sia fondamentale in una cultura nera che attinge alle sue tradizioni per mantenere vivo il contatto con tutto ciò che si lega all’anima, al ballo e all’espressione dell’interiorità. Olamide Ogunade Olisco ha al suo attivo una mostra personale a Cape Town (Sud Africa), ha partecipato a mostre collettive a Stoccolma, Londra, Lagos (Nigeria), Los Angeles, New York, e Cape Town; nel 2020 è stato vincitore del concorso Tecno Art Challenge che ha avuto luogo in Nigeria.

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African society and the transience of the human condition in Olamide Ogunade Olisco’s Realism

Describing a world that is distant yet incredibly close in terms of attitudes and feelings that belong to every human being is a characteristic of all those new authors belonging to a country that has long been left on the margins of the art system but which now inevitably attracts international attention precisely because it knows how to disseminate and represent all those customs, that philosophy of life and those feelings that cannot fail to fascinate the observer. And so everything that seems different in terms of skin color, religion, and geographical coordinates appears, thanks to the narrative ability of artists belonging to a specific continent, incredibly similar to the existentialist reflections of the contemporary individual. Today’s protagonist belongs to these new creative voices that are emerging on the international art scene with a strongly figurative language that nevertheless turns towards the existential intangibility of the present times.

Interest in African art began to develop and enter the international art world during that dynamic historical period at the turn of the 19th and 20th centuries, when technological innovations allowed ships to shorten travel times outside Europe, enabling artists of the time to explore ancient and tribal civilizations from which to draw inspiration for their works. Primitivism, the name given to the trend of using African and Oceanic iconography, is particularly visible in the early artworks of Pablo Picasso and in the stylized faces of Amedeo Modigliani. During the same period also emerged a number of artists of African-American origin who, through their works, sought to redeem their people from the oppression and racism they had previously suffered and whose path to affirmation was still at the beginning; among these artists was the sculptor Edmonia Lewis, who used a neoclassical style to create unforgettable depictions of African and Native American people. The realistic pictorial language distinguished the paintings of Henry Ossawa Tanner, who alternated his biblical scenes with delicate tales of African American life at the time, revealing the traditionalist and conservative spirit of a people who had resisted adversity and persecution in the southern United States. Another prominent sculptor was Augusta Sauvage, who became so famous for her talent in shaping materials that she was called upon by many black leaders in the first half of the 20th century to create their busts.

Lois Mailou Jones, also African American, mixed tribal masks, Expressionism, and the contrast between the contemporary life of her people and an ever-present past that silently guides the ability to pass on traditions to subsequent generations in her paintings. And then there is Faith Ringgold, born in Harlem and raised during the Renaissance period of that particular New York neighborhood, who, with an unmistakable and childlike Naif style, told stories of black women who challenged their social position, scenes of everyday life in her neighborhood where African heritage was never forgotten. In contemporary art, there are two important authors who carry on the tradition of the great names just mentioned, revisiting and reinterpreting, albeit in completely different ways, black pride in a society where they no longer have to fight to be accepted on the basis of skin color but only on the basis of talent; the two big names are the hyperrealist Kehinde Wiley, who ironizes black power by reproducing images of classical paintings featuring black people taken from the streets, and Kerry James Marshall, who uses an expressionist style to mix African American historical references and contemporary social issues. Nigerian artist Olamide Ogunade Olisco provides an insider’s perspective, in the sense that he lives in Africa and therefore his narrative explores all those customs, attitudes, and traditions that have been exported but are inextricably linked to the place where they originated; the author’s mission is to show a society, Nigerian in particular and African in general, which has developed differently from the West, following a more traditional path but still eager to embrace the modernity of the present day.

From an expressive point of view, Olamide Ogunade Olisco chooses a realistic approach tending towards Hyperrealism in some details, but at the same time he departs from excessive photographic realism by exaggerating other details that bring him closer to Expressionism. However, his realistic description does not neglect the metaphysical and conceptual reflections that elevate his canvases to a suspended dimension, through which the author wants to emphasize the absence of certainty, the airiness of a life in constant evolution, and which leads to believe that no condition will last forever. This is the meaning behind the introduction of soap bubbles, through which Olamide Ogunade Olisco wants to underline how everything is fleeting and evanescent, ready to dissolve to make way for the next circumstance; on the other hand, however, in the common imagination, bubbles can also represent dreams and desires that can only be realized through determination and proactivity, in Africa as in the rest of the world. The author’s greatest skill is his ability to impeccably describe the skin color of his protagonists, deliberately chosen in its darkest shade precisely to emphasize black pride, which, while externally had to fight to free from racism and be accepted as part of the new society that was emerging, at home had always been the norm. Olamide Ogunade Olisco brings to light the habits, mannerisms, and relaxed and sometimes sleepy attitudes that suggest a slower, less frenetic pace than the West is accustomed to, more inclined to savor life in all its facets without sacrificing a sense of well-being that is revealed in certain details highlighted by the author. The painting Lost in Thoughts depicts a man, probably a rapper or pop singer from his country, covered in gold jewelry, who is lost in reflections, or perhaps remembering something that has slipped away, or, on the contrary, thinking about the best way to promote his career, or simply indulging in the dreams evoked by soap bubbles.

Olamide Ogunade Olisco created this work, like almost all of his others, in acrylic and charcoal on canvas, because black skin is the focus of all the artist’s paintings. Sisters from the 70’s highlights the difference between African American and Nigerian Western clothing, where that particular historical period, with all its revolutions, was experienced in a completely different way, without the dissolution of certainties, without the protest that characterized the movement that emerged within it, but rather limiting itself to absorbing certain attitudes and stylistic mannerisms that are reflected in this work particularly in the hairstyles. The calm and serenity of the two women, who seem to scrutinize the observer as if wanting to tell another story, clearly emerge from the painting and draw attention to a different way of understanding objectivity.

In his embrace is perhaps the work that most emphasizes how every human being, regardless of skin color, religion, political and social beliefs, is united by the same feelings, by the search for a shared sentiment that is the reason for the often unconscious quest, the driving force and very essence of existence. The couple is romantic yet practical in their attitude, the man is protective and the woman feels safe, knowing that nothing can happen to her as long as she is wrapped in his embrace. The interior is that of an ordinary home, furnished with taste and balance, as if to emphasize the sense of tranquility and security that exists within the couple; however, the colors belong to the colorful universe of Africa, abandoning the minimalist tones so dear to Westerners to show the character and liveliness of the continent to which the author refers. Sound from the Soul, on the other hand, portrays a musician completely enraptured by singing, and here the author intends to emphasize how fundamental music is in a black culture that draws on its traditions to keep alive the connection with everything related to the soul, dance, and the expression of inner feelings. Olamide Ogunade Olisco has had a solo exhibition in Cape Town (South Africa) and has participated in group exhibitions in Stockholm, London, Lagos (Nigeria), Los Angeles, New York, and Cape Town. In 2020, he won the Tecno Art Challenge competition held in Nigeria.