Surrealismo Magico a tinte espressioniste nei ritratti di Christine Ebner

Ciò che spesso attrae nel mondo della figurazione, è la capacità di ciascun autore di interpretare con un singolare punto di vista tutto ciò che appartiene alla realtà circostante, oppure di oltrepassarla fornendo una visione di come potrebbe essere se solo l’essere umano fosse capace di andare oltre l’oggettività per inoltrarsi nel mondo del sogno, delle diverse opportunità che si generano in virtù della capacità immaginativa di un artista. Persino laddove un’opera ritragga una situazione decisamente improbabile, il fruitore non può fare a meno di sentirsi piacevolmente coinvolto e incuriosito dalla dimensione parallela dentro cui viene proiettato distaccandosi dal suo lato più logico e razionale. L’artista di cui vi racconterò oggi conduce l’osservatore dentro la poliedricità di un’espressività che si sviluppa su diversi piani narrativi perché per lei dipingere significa affrontare tutte le sfaccettature stilistiche, quasi come se fosse impossibile rimanere legata a un solo linguaggio narrativo.

Le avanguardie figurative dei primi decenni del Novecento hanno segnato un netto distacco dalle regole del passato tanto quanto erano fortemente legate al periodo in cui sono state ideate dai loro principali protagonisti; dunque il Cubismo era identificabile con le idee di Pablo Picasso e di Georges Braque sull’analisi scientifica di un modo differente di rappresentare l’osservato mentre il Futurismo era permeato dell’ottimismo e della fiducia verso il futuro di Filippo Tommaso Marinetti e di Umberto Boccioni, nonché alimentato dal clima di progresso che stava velocemente sviluppandosi in quegli anni in tutti i settori. Il Surrealismo invece fu un movimento più incentrato all’individuo, alla scoperta dell’inconscio, alla rivelazione di tutti quei segreti, quelle paure, quelle angosce che la mente relegava in un angolo il quale trovava sfogo solo durante la fase onirica; l’approccio di Salvador Dalì ebbe tuttavia un impatto incredibilmente più inquietante e irreale rispetto a quello di René Magritte, che piuttosto preferì esplorare il doppio senso, l’inganno visivo e l’approfondimento concettuale di una realtà apparentemente riscontrabile eppure oggettivamente strana, inconsueta, singolare.

D’altronde anche l’Espressionismo puntava a mettere in risalto tutto ciò che era soggettivo, il sentire, le emozioni, rinunciando spesso sia dal punto di vista cromatico che da quello figurativo a ogni equilibrio estetico, a ogni legame con la realtà; sebbene molto diversi tra loro, tutti questi movimenti erano legati da un intento comune, quello cioè di indicare una strada espressiva nuova che potesse mettere al centro sia l’essere umano in generale, e l’autore in particolare, nel caso dell’Espressionismo e del Surrealismo, sia la ricerca analitica e quasi scientifica dell’osservato nel caso del Cubismo. Con il passare degli anni tuttavia, le motivazioni che avevano spinto i protagonisti delle nuove correnti a delineare quei princìpi espressivi vennero meno e dunque le esperienze di quei pionieri creativi si andarono a fondere, o forse sarebbe meglio dire a sfumare, in nuove elaborazioni stilistiche da cui si svilupparono altre poetiche narrative.

L’estremismo del Surrealismo in particolar modo ebbe bisogno di attenuarsi in un periodo storico diverso, in cui la prima guerra mondiale era alle spalle e dunque gli incubi generati dagli orrori potevano essere dimenticati; fu quello il momento in cui emerse la necessità di tornare verso la normalità dell’esistenza che pure tuttavia era permeata da interrogativi e da un senso di enigmatica destabilizzazione che non poteva non manifestarsi. Queste sensazioni furono la base del Realismo Magico italiano, molto legato a una raffigurazione di impronta realista eppure non così tanto da apparire riproduttiva dell’osservato, e anche della Nuova Oggettività tedesca in cui si fondevano le forti influenze espressioniste con un gusto esecutivo neoclassico e un approccio quasi caricaturista dei personaggi immortalati. L’artista austriaca Christine Ebner unisce le linee guida di questi tre importanti movimenti del Novecento, il Surrealismo, il Realismo Magico e l’Espressionismo, per dar vita a un linguaggio pittorico originale ma soprattutto mai fermo, mai uguale a se stesso, perché per lei ciò che importa è esplorare di volta in volta, di dipinto in dipinto, le infinite possibilità che l’arte offre e soprattutto le opzioni interpretative a cui può dare vita sulla base dell’emozione ricevuta durante l’osservazione del soggetto.

Si dedica in particolar modo al ritratto attraverso cui può mostrare il suo approccio realizzativo poliedrico, incentrato sulla sinergia tra contaminazioni espressive in virtù delle quali passa da un’impronta surrealista in cui viene persa la drammaticità degli incubi e delle inquietudini lasciando spazio all’ironia e alla decontestualizzazione divertente della realtà, all’inclinazione più strettamente appartenente al Realismo Magico che si rivela nel tratto pulito e netto, fino all’utilizzo cromatico espressionista che emerge nella narrazione quasi irreale e dell’alternarsi di luce e ombre dei volti rappresentati.

Le espressioni sono intense quanto a volte irriverenti e scherzose sulla base del momento catturato, del protagonista ma anche dell’intenzione pittorica di Christine Ebner che a volta gioca al confine tra realtà e immaginazione, altre coglie istanti intimi e di riflessione, altre lascia fuoriuscire i veri colori di un personaggio-persona malgrado i tentativi di quest’ultimo di nasconderli all’esterno.

Questo è il caso del dipinto Mona, dove la protagonista è colta in un momento di perplessità, di osservazione quasi sospettosa di ciò che è intorno a lei, o forse semplicemente si trova a disagio davanti all’attenzione da parte dell’autrice e per la consapevolezza di vedersi resa immortale grazie al dipinto; così Christine Ebner decide di coglierne l’essenza più profonda, evitando la posa tradizionale del ritratto per spingersi verso le pieghe più intense che fuoriescono da un istante di distrazione in cui la ragazza crede di non essere osservata e che invece diviene il punto focale del ritratto. I colori sfaccettati del volto e dello sfondo corrispondono al ventaglio di sensazioni che sembrano avvolgerla esattamente in quel frangente di momentanea inconsapevolezza durante il quale si immerge nei suoi pensieri.

T-shirt and jeans appartiene invece al lato più sottilmente sensibile dell’autrice, perché qui l’Espressionismo si attenua avvicinandosi a quello crudo ed essenziale di Egon Schiele, pur perdendone l’ossessione per la deformazione fisica. Christine Ebner mette in risalto la corporatura di un uomo che potrebbe anche rientrare nei canoni estetici del Neoclassicismo in virtù della sua perfezione, eppure l’autrice sceglie di raccontarlo in maniera più umana, meno statuaria, perché lo ritrae mentre si sta togliendo la maglietta, evitando pertanto di farlo mettere in posa. Ecco il motivo per cui i contorni sono attenuati, il colore è steso in maniera frammentata e ruvida, con increspature che vanno a stemperare una bellezza oggettiva che renderebbe il ragazzo meno terreno; a emergere in questo dipinto è pertanto una sua inconsapevole timidezza, una vulnerabilità che probabilmente un istante dopo nasconderebbe dietro un’espressione sicura e consapevole della sua avvenenza.

L’opera Meet Emily appartiene invece al Realismo Magico più tradizionale nei tratti, sebbene non lo sia nell’atmosfera generale della tela poiché la protagonista, l’Emily in Paris della celebre serie televisiva, guarda verso un punto lontano da sé, non concentra la sua attenzione in direzione dell’osservatore, e soprattutto non è avvolta dall’atmosfera straniante caratteristica del movimento artistico del Novecento. La ragazza lascia trasparire tutta la leggerezza, la sensazione di attesa e di apertura verso le infinite possibilità del futuro, esattamente come avviene nello svolgersi della storia che la vede protagonista.

Il verde dello sfondo è pieno ma sfumato, per sottolineare la freschezza della giovane donna ma anche la speranza di trovare la realizzazione, professionale e sentimentale, che costantemente le sfugge.

Quando si sposta verso il Surrealismo invece, Christine Ebner vira verso un’ironia divertente e irriverente, rende protagonisti gli animali e li colloca all’interno di opere d’arte eterne e celeberrime, quasi volesse attuare una rivalsa da parte di quel mondo che accompagna da sempre l’essere umano pur non riuscendo a essere completamente primo attore della storia; così il cielo de La notte stellata di Van Gogh diviene lo sfondo per il ritratto di Oscar, che con la sua espressione sembra sottolineare la consapevolezza di trovarsi in un ambiente inconsueto che non appartiene al suo abituale territorio e dunque si sente spaesato. L’autrice mette in risalto lo sguardo affettuoso del cane, quell’aspettare la carezza del suo padrone, quel non potersi, e non volersi, allontanare da lui nemmeno nel frangente che lo renderà immortale grazie al lavoro dell’artista. Lo sfondo è eseguito magistralmente con quel frammentato tratto postimpressionista che aveva contraddistinto le tele del grande maestro olandese.

Christine Ebner, che si è dedicata completamente all’arte negli ultimi dieci anni dopo aver svolto la professione di coach e consulente nel mondo degli affari, ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre personali e collettive a Vienna e in tutto il territorio austriaco.

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Magic Surrealism with expressionist overtones in Christine Ebner’s portraits

What is often attractive in the world of figurative art is each artist’s ability to interpret with a singular point of view everything that belongs to the surrounding reality, or to go beyond it by providing a vision of how it could be if only human beings were capable of going beyond objectivity into the world of dreams, of the different opportunities that are generated by virtue of an artist’s imaginative capacity. Even when a work depicts a decidedly improbable situation, the viewer cannot help but feel pleasantly involved and intrigued by the parallel dimension into which he is projected, detaching himself from his more logical and rational side. The artist I am going to tell you about today leads the observer into the multifacetedness of an expressiveness that develops on different narrative planes because for her, painting means dealing with all stylistic facets, almost as if it were impossible to remain bound to a single narrative language.

The figurative avant-gardes of the first decades of the 20th century marked a clear departure from the rules of the past as much as they were strongly linked to the period in which they were conceived by their main protagonists; thus Cubism was identifiable with the ideas of Pablo Picasso and Georges Braque on the scientific analysis of a different way of representing the observed, while Futurism was permeated with the optimism and faith in the future of Filippo Tommaso Marinetti and Umberto Boccioni, as well as fuelled by the climate of progress that was rapidly developing in all sectors in those years. Surrealism, on the other hand, was a movement more centred on the individual, on the discovery of the unconscious, on the revelation of all those secrets, those fears, those anxieties that the mind relegated to a corner which only found vent during the dream phase; Salvador Dali‘s approach, however, had an incredibly more disquieting and unreal impact than that of René Magritte, who rather preferred to explore the double meaning, the visual deception and conceptual deepening of an apparently verifiable yet objectively strange, unusual, singular reality. On the other hand also Expressionism aimed to emphasise everything that was subjective, feeling, emotions, often renouncing both chromatically and figuratively any aesthetic balance, any connection with reality; although very different from each other, all these movements were linked by a common intent, that was to indicate a new expressive path that could put at the centre both the human being in general, and the author in particular, in the case of Expressionism and Surrealism, and the analytical and almost scientific research of the observed in the case of Cubism.

With the passing of the years, however, the motivations that had prompted the protagonists of the new currents to delineate those expressive principles came to an end, and thus the experiences of those creative pioneers merged, or perhaps it would be better to say blurred, into new stylistic elaborations from which other narrative poetics developed. The extremism of Surrealism in particular needed to fade away in a different historical period, in which the First World War was behind us and thus the nightmares generated by the horrors could be forgotten; that was the moment when emerged the need to return to the normality of existence, which was nevertheless permeated by questions and a sense of enigmatic destabilisation that could not fail to manifest itself. These sensations were the basis of Italian Magic Realism, which was closely linked to a depiction with a realist imprint and yet not so much as to appear reproductive of the observed, and also of the German New Objectivity in which strong Expressionist influences were blended with a neo-classical taste for execution and an almost caricaturist approach to the characters immortalised.

Austrian artist Christine Ebner combines the guidelines of these three important movements of the 20th century – Surrealism, Magic Realism and Expressionism – to create a pictorial language that is original but above all never still, never the same, because for her what is important is to explore from painting to painting the infinite possibilities that art offers and above all the interpretative options that it can give life to on the basis of the emotion received when observing the subject. She devotes himself in particular to portraits through which she can show her multifaceted approach to execution, centred on the synergy between expressive contaminations in virtue of which she moves from a surrealist imprint in which the dramatic nature of nightmares and anxieties is lost, leaving room for irony and the amusing decontextualisation of reality, to the inclination more closely belonging to Magic Realism that reveals itself in the clean and sharp stroke, to the expressionist use of colour that emerges in the almost unreal narrative and the alternation of light and shadow of the faces depicted. The expressions are as intense as they are sometimes irreverent and playful based on the moment captured, of the protagonist but also of Christine Ebner‘s pictorial intention, which sometimes plays on the borderline between reality and imagination, others capture intimate and reflective moments, others let the true colours of a character-person come out despite the latter’s attempts to hide them from the outside world.

This is the case with the painting Mona, where the protagonist is caught in a moment of perplexity, of almost suspicious observation of what is around her, or perhaps she is simply uncomfortable in front of the author’s attention and for the knowledge that she has made herself immortal thanks to the painting; so Christine Ebner decides to capture the deepest essence, avoiding the traditional pose of the portrait in order to push towards the most intense folds that emerge from an instant of distraction in which the girl believes she is not being observed and instead becomes the focal point of the portrait. The multifaceted colours of the face and background correspond to the range of sensations that seem to envelop her at that very instant of momentary unconsciousness during which she immerses herself in her thoughts. T-shirts and jeans, on the other hand, belong to the more subtly sensitive side of the artist, for here Expressionism is toned down, coming closer to Egon Schiele‘s crude and essential style while losing its obsession with physical deformation. Christine Ebner highlights the build of a man who could also fit into the aesthetic canons of Neoclassicism by virtue of his perfection, yet the author chooses to portray him in a more human, less statuesque manner, because she captures him while he is taking off his shirt, thus avoiding posing him. This is why the contours are softened, the colour is spread in a fragmented and rough manner, with ripples that dilute an objective beauty that would make the boy less earthly; what emerges in this painting is therefore his unconscious shyness, a vulnerability that he would probably hide a moment later behind a confident expression aware of his attractiveness.

The artwork Meet Emily, on the other hand, belongs to the more traditional Magic Realism in its features, although this is not so in the overall atmosphere of the canvas as the protagonist, the Emily in Paris of the famous television series, looks towards a point far away from herself, does not focus her attention in the direction of the viewer, and above all is not enveloped in the alienating atmosphere characteristic of the 20th century art movement. She allows all the lightness, the feeling of expectation and openness to the infinite possibilities of the future to shine through, just as it does in the unfolding of the story in which she is the protagonist. The green background is full but shaded, to emphasise the freshness of the young woman and also the hope of finding fulfilment, both professional and sentimental, that constantly eludes her.

When she moves towards Surrealism, on the other hand, Christine Ebner veers towards an amusing and irreverent irony, making animals the protagonists and placing them within eternal and celebrated masterpieces, almost as if she wanted to enact a revenge on the part of that world that has always accompanied human beings even though it has not been able to be completely the first actor in the story; thus the sky of Van Gogh‘s The Starry Night becomes the backdrop for the portrait of Oscar, whose expression seems to emphasise his awareness of being in an unusual environment that does not belong to his usual territory and therefore he feels lost. The painter emphasises the dog’s affectionate gaze, that waiting for his master’s caress, that not being able, and not wanting, to move away from him even at the juncture that will make him immortal thanks to the artist’s work. The background is masterfully executed with that fragmented Post-Impressionist stroke that distinguished the canvases of the great Dutch master. Christine Ebner, who has dedicated herself completely to art in the last ten years after working as a coach and consultant in the business world, has to her credit the participation in many solo and group exhibitions in Vienna and throughout Austria.