Riuscire a comunicare tutto ciò che viene ricevuto nell’interazione con il mondo esterno all’individuo è una prerogativa di quelle personalità fortemente sensibili e predisposte all’ascolto e alla riflessione e che molto spesso presentano una spiccata attitudine artistica. Che quest’ultima si esprima con le parole o con i colori dipende dall’indole del singolo autore ma anche da una capacità innata che porta i primi verso un’articolazione più intellettiva della propria interirorità, e i secondi a lasciare piuttosto che il pensiero o la meditazione si trasformino in note cromatiche suggestive e amplificatrici delle emozioni provate permettendo all’osservatore di riceverle con altrettanta spontaneità, reinterpretandole sulla base del proprio sentire. L’artista di cui vi racconterò oggi utilizza uno stile pittorico pacato, equilibrato, silenzioso, da cui tuttavia esce l’eco di quelle profondità interiori che dalla propria elaborazione percettiva vanno verso l’esterno materializzandosi sotto forma di campi di colore che sembrano sospendere la realtà e il tempo.
Il momento in cui si cominciò a delineare nell’Europa pre bellica l’esigenza di dare una svolta all’arte, raccogliendo l’eredità delle correnti pittoriche di fine Ottocento e adattandole a un mondo che correva veloce verso il progresso, verso innovazioni che rendevano le tradizioni accademiche precedenti ormai superate, emersero idee destinate a sovvertire l’approccio all’espressione creativa e soprattutto che determinarono il distacco dalla realtà osservata per sottolineare l’indipendenza del gesto artistico da qualsiasi condizionamento contingente.
L’Arte Astratta fu dunque un modo per esplorare strade inedite attraverso le quali dare vita a mondi paralleli, fluttuanti oppure rigorosi e schematici, ma in entrambi i casi ogni ruolo principale era affidato ai colori; il padre dell’Astrattismo, Vassily Kandinsky, fu il primo, e per molti anni anche l’unico, a voler infondere nelle sue opere la sensazione interiore, il benessere ricevuto durante l’ascolto della musica classica giungendo persino ad associare ciascuna tonalità a una specifica nota del pentagramma. Questo è il motivo per il quale i suoi segni sembravano letteralmente danzare sulla tela. Il lungo periodo in cui furono la geometricità, lo schema predefinito e la mancanza totale di apporto soggettivo a prevalere nell’Arte Astratta, allontanò tuttavia la possibilità di un coinvolgimento emozionale da parte del fruitore che nel periodo post bellico ebbe invece bisogno di trovare una connessione con l’espressione artistica.
L’Espressionismo Astratto, pur essendo nato negli Stati Uniti, beneficiò dell’apporto creativo di molti artisti costretti a fuggire dall’Europa per sfuggire alle persecuzioni della seconda guerra mondiale e che necessitavano lasciar fuoriuscire senza alcun determinismo esecutivo le sensazioni vissute e interiorizzate durante il conflitto. Alcuni degli appartenenti al movimento manifestarono un’istintività assoluta e quasi concitata dell’azione sulla tela, come nel caso del Dripping di Jackson Pollock e Lee Krasner o nella pittura segnica di Franz Kline, altri invece mostarono l’esigenza interiore di trovare ordine nel caos facendo prevalere la fase riflessiva e meditativa, dando perciò vita a suggestioni dove il colore diventava oasi di pace e culla per l’interiorità come nel Color Field di Mark Rothko, Helen Frankenthaler e Jules Olitski, fino a giungere all’estremizzazione della monocromia assoluta delle opere di Ives Klein, di Barnet Newman e di Lucio Fontana che aggiunse anche un’ulteriore gesto di interazione con la tela, quello del taglio.
In tutti questi autori la linea comune fu uno studio profondo su quanto il colore, le tonalità scelte accuratamente fossero in armonia con la sensazione che doveva essere impressa sul dipinto, trasformato pertanto in prolungamento del sé. L’artista francese Nicolas Pouvesle manifesta la sua natura artistica attraverso un Color Field affascinante e intenso, vicino ai paesaggi immaginari di Mark Rothko ma ripensati secondo una sua propria interpretazione pittorica da cui fuoriesce una spiccata natura osservativa ma anche predisposta all’ascolto delle energie impalpabili e sottintese presenti nella realtà che corrono a un livello più sotterraneo, e per questo spesso inascoltato.
In alcune tele tuttavia le sfumature cromatiche vengono interrotte da elementi di rottura, a volte squarci grafici che vanno a destabilizzare l’equilibrio armonico o a descrivere scenari impressi nella memoria emotiva dell’autore, altre invece da piccole linee verticali che evocano le casualità improvvise che inevitabilmente si verificano nella vita andando a turbare l’ordine mentale ed esistenziale di cui l’individuo ha bisogno per sentire di avere il pieno controllo.
Nicolas Pouvesle fa emergere l’impossibilità di non venire sbilanciati dagli accadimenti, sottolineando l’importanza dell’accettazione dell’imprevedibile, e permettendo al fruitore di riflettere su quanto in fondo una deviazione o un cambiamento non modifichino tutto ciò che è stato costruito bensì ne divengono un’integrazione generando un nuovo punto di vista o la nascita di un nuovo percorso. Questo è il motivo per il quale in alcune tele le linee sono sottili, non vanno a stravolgere la base sottostante, come se fossero solo una parte nuova di una realtà ormai consolidata.
Altre opere sono invece più contemplative, sembrano echi di immagini catturate con lo sguardo, interiorizzate con l’anima e restituite intrise di tutto quel lavoro di introspezione che permette a Nicolas Pouvesle di diffondere l’incanto percepito attraverso l’utilizzo di tonalità sempre sfumate, digradanti e illuminate costantemente da un gioco di luci in virtù delle quali anche le opere più tendenzialmente monocromatiche non appariono mai piatte, mettendo in evidenza campiture e sezioni ben delineate che avvolgono ma al contempo stimolano la riflessione dell’osservatore. Le suggestioni propagate dall’artista attraverso le sue morbide e impalpabili tonalità si legano a percorsi emozionali e mnemonici di cui in qualche modo i titoli sottolineano la provenienza interiore, ma una volta concretizzati sulla tela si crea una comunicazione intensa con il soggetto ricevente, dunque il fruitore, che in maniera del tutto spontanea attinge all’interno della propria sensibilità per lasciarsi trasportare verso interpretazioni e sensazioni assolutamente spontanee, provenienti dall’immediatezza che le atmosfere di Nicolas Pouvesle suscitano andando a far vibrare le corde interiori di chi vi si trova davanti.
Coquelicots 2 appartiene alla serie in cui il Color Field dello sfondo viene rigato da un lieve Dripping, in questo caso dorato che costituisce un elemento di interruzione dell’atmosfera sottostante, quasi come se quei sottili solchi di luce stessero a indicare che spesso l’inatteso può essere migliorativo e funzionale ad arricchire le certezze su cui l’essere umano stabilisce la propria esistenza; lo sfondo in bordeaux tendente al vinaccia, che rappresenta l’eleganza, la raffinatezza, è dunque destabilizzato dall’elemento nuovo eppure non c’è caos in questa tela, piuttosto la sensazione è di armoniosa accoglienza proprio in virtù della capacità di ascolto delle energie che sopraggiungono.
In Horizontal confrontation invece, Nicolas Pouvesle esplora il tema della divisione, di una contrapposizione tra simili che in qualche modo suggerisce un invito ad approfondire la conoscenza di sé per scoprire quanto in realtà anche ciò che appare inconciliabile faccia in ogni caso parte di un’essenza che può coabitare, può convivere e persino divenire più completa proprio grazie a quelle differenze; da un altro punto di vista quel confronto evocato dal titolo potrebbe fare invece riferimento all’interazione emozionale tra due persone che pur mostrando delle diversità sentono comunque un’affinità conciliabile che le spinge a restarsi accanto. Il blu intenso della parte inferiore dell’opera è così complemento di quella superiore più chiara, quasi come se la leggerezza dell’una fosse essenziale per la profondità dell’altra e viceversa in uno scambio irrinunciabile.
Il dipinto L’amour est tour pré mette in evidenza l’approccio poetico di Nicolas Pouvesle, e anche il suo andare oltre gli schemi prestabiliti poiché per raccontare il sentimento più alto e più profondo non sceglie la tradizionale gamma cromatica a esso riconducibile, bensì opta per un rasserenante verde, come se volesse suggerire che per essere coinvolti completamente è necessario considerare non solo l’innamoramento iniziale, al contrario ciò che davvero può appagare è il dopo, quella serenità equilibrata che sopraggiunge nel momento in cui è possibile verificare le affinità, la complicità, l’intesa e soprattutto la consapevolezza della presenza dell’altro, qualunque cosa accada. Le sfumature dal verde smeraldo al verde chiaro enfatizzano il senso di pace e di naturalezza che si sprigiona da un sentimento maturo e rassicurante, infondendo nell’individuo la medesima sensazione di pace che si riceve nel contatto con la natura, quasi avesse la stessa matrice primordiale.
Nicolas Pouvesle comunica con pacatezza tutto ciò che la sua interiorità riceve dal mondo intorno a sé, lo libera sulla tela sotto forma di colori e di luce e infine lascia andare l’opera che diviene così un mezzo per permettere all’osservatore di creare la propria linea interpretativa, di ricevere le emozioni filtrandole con la propria personalità sulla base delle sfaccettature di vita che fanno parte della sua esperienza. Nicolas Pouvesle ha al suo attivo la partecipazione a mostre personali a Lione e a Parigi e nel settembre 2025 sarà tra gli artisti presenti all’esposizione internazionale di arte contemporanea presso il Metropolitan Art Museum di Tokyo.
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The engaging silent power of pictorial expressiveness in Nicolas Pouvesle’s Colour Field
Being able to communicate all that is received in interaction with the world outside the individual is a prerogative of those personalities who are highly sensitive and predisposed to listening and reflection, and who very often have a marked artistic aptitude. Whether the latter is expressed with words or colours depends on the temperament of the individual author, but also on an innate capacity that leads the former towards a more intellectual articulation of one’s own interirority, and the latter rather to allow thought or meditation to be transformed into evocative chromatic notes that amplify the emotions felt, allowing the observer to receive them with equal spontaneity, reinterpreting them on the basis of his own feeling. The artist I am going to tell you about today uses a calm, balanced, silent painting style, from which, however, come out the echoes of those inner depths which from their perceptive processing go outwards, materialising in the form of colour fields that seem to suspend reality and time.
As began to take shape in pre-war Europe the need to give art a makeover taking up the legacy of the pictorial currents of the late 19th century and adapting them to a world racing towards progress, towards innovations that rendered previous academic traditions obsolete, emerged ideas that were destined to subvert the approach to creative expression and above all that brought about a detachment from observed reality in order to emphasise the independence of the artistic gesture from any contingent conditioning. Abstract Art was thus a way to explore new routes of giving life to parallel worlds, either floating or rigorous and schematic, but in both cases the main role was entrusted to colours; the father of Abstractionism, Vassily Kandinsky, was the first, and for many years the only one, to want to infuse his artworks with the inner sensation, the well-being received while listening to classical music, even going so far as to associate each tonality with a specific note on the pentagram. This is why his signs literally seemed to dance on the canvas. The long period in which geometricity, the predefined scheme and the total lack of subjective input prevailed in Abstract Art, it removed however the possibility of emotional involvement on the part of the viewer, who in the post-war period instead needed to find a connection with artistic expression.
Abstract Expressionism, although born in the United States, benefited from the creative input of many artists who had been forced to flee Europe to escape the persecution of the Second World War and who needed to let escape the feelings they had experienced and internalised during the conflict without any executive determinism. Some of those who belonged to the movement manifested an absolute and almost frantic instinctiveness of action on canvas, as in the case of Jackson Pollock and Lee Krasner‘s Dripping or in Franz Kline‘s sign painting, while others showed an inner need to find order in the chaos by making prevail the reflective and meditative phase, thus giving rise to suggestions where colour became an oasis of peace and a cradle for interiority, as in the Colour Field of Mark Rothko, Helen Frankenthaler and Jules Olitski, up to the extremes of absolute monochrome in the works of Ives Klein, Barnet Newman and Lucio Fontana, who also added a further gesture of interaction with the canvas, that of cutting.
In all these authors, the common line was a profound study on how far the colour, the carefully chosen shades, were in harmony with the sensation that was to be impressed on the painting, which was thus transformed into an extension of the self. The French artist Nicolas Pouvesle manifests his artistic nature through a fascinating and intense Colour Field, close to Mark Rothko‘s imaginary landscapes but rethought according to his own pictorial interpretation, from which emerges a marked observational nature but also predisposed to listening to the impalpable and subtle energies present in reality that run at a more subterranean level, and for this reason often unheard. In some canvases, however, the chromatic nuances are interrupted by elements of rupture, sometimes graphic gashes that destabilise the harmonic equilibrium or describe scenarios imprinted in the author’s emotional memory, others by small vertical lines that evoke the sudden randomness that inevitably occurs in life, disturbing the mental and existential order that the individual needs to feel he is in full control.
Nicolas Pouvesle brings out the impossibility of not being thrown off balance by events, emphasising the importance of accepting the unforeseeable, and allowing the viewer to reflect on how a deviation or a change does not ultimately alter everything that has been constructed but rather becomes an integration of it, generating a new point of view or the birth of a new path. This is why in some canvases the lines are subtle, not disrupting the underlying base, as if they were just a new part of an established reality. Other artworks, on the other hand, are more contemplative, seeming to be echoes of images captured with the eye, interiorised with the soul and rendered imbued with all that work of introspection that allows Nicolas Pouvesle to diffuse the enchantment perceived through the use of tones that are always shaded, sloping and constantly illuminated by a play of light by virtue of which even the more basically monochromatic works never appear flat, highlighting well-defined backgrounds and sections that envelop but at the same time stimulate the observer’s reflection.
The suggestions propagated by the artist through his soft and impalpable tones are linked to emotional and mnemonic pathways whose inner origin is somehow underlined by the titles, but once materialised on the canvas is created an intense communication with the receiving subject, i.e. the viewer, who, in an entirely spontaneous manner, taps into his own sensitivity to let himself be transported towards interpretations and sensations that are absolutely spontaneous, coming from the immediacy that Nicolas Pouvesle‘s atmospheres arouse, vibrating the inner chords of those in front of him. Coquelicots 2 (Poppies 2) belongs to the series in which the colour field of the background is striped by a slight dripping, in this case golden, which constitutes an element of interruption of the underlying atmosphere, almost as if those subtle grooves of light indicated that the unexpected can often be ameliorative and functional in enriching the certainties on which human beings establish their existence; the burgundy background, which represents elegance, refinement, is therefore destabilised by the new element, yet there is no chaos in this canvas, rather the sensation is that of harmonious acceptance precisely because of the ability to listen to the energies which arrive.
In Horizontal confrontation, on the other hand, Nicolas Pouvesle explores the theme of division, of a juxtaposition between like-minded people that somehow suggests an invitation to deepen one’s self-knowledge in order to discover how in reality even what appears irreconcilable is in any case part of an essence that can cohabit, can coexist and even become more complete precisely thanks to those differences; from another point of view, that confrontation evoked by the title could instead refer to the emotional interaction between two people who, despite showing differences, nevertheless feel a reconcilable affinity that drives them to stay close to each other. The intense blue of the lower part of the work thus complements the lighter upper part, almost as if the lightness of the one were essential for the depth of the other and vice versa in an unbreakable exchange.
The painting L’amour est tour pré (Love is all there) highlights Nicolas Pouvesle‘s poetic approach, as well as his going beyond established patterns, for in order to narrate the highest and deepest sentiment he does not choose the traditional colour palette attributable to it, but opts instead for a soothing green, as if to suggest that in order to be fully involved, it is necessary to consider not only the initial falling in love, on the contrary what is really satisfying is the aftermath, that balanced serenity that comes when affinity, complicity, understanding and above all awareness of the other’s presence can be verified, whatever happens. The shades from emerald green to light green emphasise the sense of peace and naturalness that emanates from a mature and reassuring feeling, instilling in the individual the same feeling of peace that one receives in contact with nature, almost as if it had the same primordial matrix.
Nicolas Pouvesle calmly communicates all that his interiority receives from the world around him, he releases it onto the canvas in the form of colours and light and finally lets go of the work, which thus becomes a means for the observer to create his own line of interpretation, to receive emotions by filtering them with his own personality on the basis of the facets of life that are part of his experience. Nicolas Pouvesle has participated in solo exhibitions in Lyon and Paris, and in September 2025 he will be among the artists present at the international exhibition of contemporary art at the Metropolitan Art Museum in Tokyo.
