Il percorso di conoscenza e di approfondimento di se stesso compiuto da ogni artista, attinge alle proprie esperienze personali e alle reazioni che generano in quel complesso e delicato ambìto dell’interiorità, il filtro attraverso il quale la realtà circostante viene interpretata; alcuni autori procedono in modo deciso verso il mondo della figurazione poiché quest’ultima è necessaria a evocare riflessioni e punti di vista sulla società contemporanea oppure a far emergere l’esigenza di distacco da essa, altri si affrancano dal concreto per lasciare che la mancanza di forma conduca l’interiorità verso la direzione affine agli echi interiori, e infine ve ne sono alcuni che mostrano l’attitudine a sperimentare introducendo la materia nelle loro opere, come se la concretezza fosse la base solida da cui partire per liberare le emozioni che poi corrono sulla tela. La protagonista di oggi, nella sua ultima produzione pittorica, mostra un’ulteriore sfaccettatura della sua poliedrica personalità espressiva, già nota ai miei lettori per approcci più figurativi, scegliendo di spostarsi verso la dimensione informale, dove il respiro interiore fuoriesce senza alcun limite per lasciar parlare una vitale e positiva vivacità cromatica.
Il dinamico periodo artistico che si è andato sviluppando tra la fine del Diciannovesimo secolo e l’inizio del Ventesimo, ha dato vita a una vera e propria ribellione da parte di un nutrito numero di autori che non volevano più permettere che le regole e gli schemi accademici predominassero in un’epoca in cui i cambiamenti del mondo e della socità spingevano verso una sovversione e una rivoluzione di questi ultimi; una delle voci più forti dei movimenti che seguirono a quella presa di posizione fu costituita dall’Arte Astratta che si proponeva di distaccare completamente la forza di un’opera dalla figurazione che rischiava di tendere più vero l’estetica, verso la perfezione esecutiva che non verso l’affermazione della completezza dell’arte fine a se stessa, senza bisogno di alcun riferimento reale. Vassily Kandinsky, ritenuto il fondatore dell’Astrattismo, ipotizzò quel distacco dalla forma come possibilità di esprimere il sentire in maniera libera, fluttuante su sfondi decontestualizzati e privi di riferimenti. Tuttavia subito dopo altri movimenti come il Suprematismo, il Costruttivismo e il De Stjil decretarono la fine di ogni collegamento tra gesto plastico e soggettività, escludendo rigorosamente dalle loro tele ogni apporto emozionale per far emergere la purezza dell’atto creativo.
Malgrado questi movimenti furono essenziali in quel particolare periodo storico in cui era necessario creare una netta rottura con tutto ciò che esisteva in precedenza, ben presto riemerse il bisogno anche nell’Arte Informale di ritrovare una connessione con il mondo interiore dell’esecutore, essenziale a creare la sinergia tra opera d’arte e soggetto osservante. Fu così che nacque negli Stati Uniti un movimento in cui l’unica linea guida era quella di permeare ogni tela con tutte le vibrazioni interiori dell’artista; l’Espressionismo Astratto, questo il nome della nuova corrente, si diffuse rapidamente anche in Europa dove assunse connotazioni differenti poiché era stato proprio nel vecchio continente che si erano vissuti gli orrori della guerra dando vita a sensazioni di sofferenza che si concretizzarono con le tele di forte impatto di Alberto Burri, dove la materia era bruciata, contorta, bucata per esprimere il disagio interiore, o con l’Action Paintig impulsiva e quasi rabbiosa di Emilio Vedova. Dal punto di vista generale l’Arte Informale era divenuta il mezzo per raccontare le proprie emozioni, i pensieri e le considerazioni sul vissuto, sia che fossero più introspettive e dolorose, sia che fossero invece più positive e sorridenti, come nel caso di Helen Frankentalher e di Hans Hofmann. L’artista austriaca Jutta Wenth mostra nella sua nuova produzione pittorica un’anima informale molto solare e vivace, perché la mancanza di forma diviene il mezzo attraverso il quale riesce a lasciar fluire quelle sensazioni spontanee e immediate che non hanno bisogno né del lato razionale e neanche di quello introspettivo, poiché il manifestarsi corrisponde a un’impellenza dell’anima di parlare attraverso i suoi veri colori, quelli che le appartengono e che rendono il suo atteggiamento nei confronti del mondo empatico e disponibile ad accogliere le sorpese che ogni giorno riserva.
Il Color Field viene mescolato a parole sussurrate, graffiate quasi in trasparenza sulle tele, come se ciascuna di essa appartenesse a un pensiero specifico, come se le lettere fossero funzionali a imprimere il ricordo dell’impulso che ha spinto l’autrice a dipingere e generassero un’eco fondamentale a guidare e ad avvolgere l’emozione del fruitore. La vivacità della gamma cromatica si lega all’entusiasmo di Jutta Wenth nei confronti del gioco degli scacchi, scoperto nell’ultimo anno e a cui ha voluto dedicare la nuova serie pittorica, quasi l’Arte Informale fosse un modo per liberare la mente dall’atteggiamento tattico e meditativo necessario per affrontare le sfide sulla scacchiera, ma anche una necessità dell’interiorità di trovare appagamento e riposo nel navigare all’interno della semplicità e immediatezza del sentire.
Il risultato è uno scorrere di colori, un sovrapporsi di tonalità che rappresentano le sensazioni di gioia e di freschezza di una personalità ottimista, positiva e capace di abbracciare le piccole gioie dell’esistenza, ma anche profonda e sensibile come suggeriscono appunto le parole con cui accompagna le opere.
Eppure i titoli sembrano trarre in inganno, indicando un’accezione quasi opposta a quella visiva, come se Jutta Wenth non volesse perdere l’ironia irriverente che contraddistingue il suo approccio già evidente nelle opere più figurative e che emerge anche in queste appartenenti al mondo dell’Espressionismo Astratto; Petzy, che tradotto dal tedesco significa più o meno meschino, regala allo sguardo tonalità energiche e solari come il giallo, il rosso, l’arancio, il verde inducendo l’osservatore a domandarsi il perché di quel titolo. Solo dopo un’osservazione più attenta si intravede emergere una figura stilizzata che probabilmente descrive la personalità del soggetto abituato a nascondersi dietro un’apparenza diversa, celando la sua vera natura. Questa tela è un’allegoria dell’essere umano contemporaneo che spesso cela dietro una maschera, o in molti casi dietro una tastiera del computer, atteggiamenti subdoli impossibili da decifrare proprio perché coperti da una facciata piacevole.
Lemon chess mette in luce invece le sensazioni piacevoli suscitate dal gioco degli scacchi da Jutta Wenth che ne racconta la freschezza e lo stimolo interiore che fuoriesce in lei durante l’apprendimento e l’esercizio delle regole di un gioco che in fondo diviene un importante insegnamento su come affrontare l’esistenza; la riflessione e la strategia d’azione sono necessarie per vivere la quotidianità, per avere un atteggiamento vincente in tutto ciò che riguarda la sfera personale e quella professionale. È questo il motivo per cui l’autrice sovrappone un alfiere al sapore aspro del limone, quasi quest’ultimo fosse un simbolo da cui apprendere ad accogliere il bello e il brutto, il positivo e il negativo, per trovare la forza di reagire cercando la mossa vincente, che nell’opera emerge dalla gamma cromatica luminosa e piena di energia.
In alcune opere invece l’Espressionismo Astratto accoglie anche la materia, addirittura assemblando tele di diverse dimensioni per andare a creare un unico dipinto, come in Drunta und Driwa che colpisce per la continuità delle piccole opere, quasi fossero una diversa interpretazione delle matrioske o delle scatole cinesi senza però essere nascoste le une dentro le altre, al contrario mostrandosi all’esterno per dare la sensazione che siano petali di un fiore solido, concreto, consistente tanto quanto lo è l’energia e l’allegria suscitata dai colori che le compongono e che sono stesi in continuità. In qualche modo lo schema esce dagli schemi, trasforma la rigidità in morbidezza, la staticità in movimento, la rigorosità in possibilismo che si sviluppa dall’atteggiamento interiore e dalla capacità di guardare ogni cosa da un punto di vista insolito.
La tela Meine Oma und ich, the prophecy è invece dedicata a sua nonna, che se oggi fosse ancora viva compirebbe centoventi anni; il legame con lei è per l’artista molto forte, quasi si sentisse protetta dalla sua presenza spirituale che continua a guidarla nonostante la scomparsa, perché la donna sapeva perfettamente fin dai primi anni di vita della nipote che sarebbe diventata una pittrice. Nell’opera Jutta Wenth si ritrae bambina, quasi volesse mantenere il ricordo fermo a quel periodo in cui si sentiva incentivata a seguire il proprio sogno da una figura che ancora oggi nel suo animo sente essere una guida importante. Qui la stilizzazione delle due loro personalità è molto ben delineata, i controni sono netti quasi a indicare una dimensione superiore in cui il tempo può fermarsi permettendo all’affetto e alle emozioni di rimanere scolpite esattamente come erano in un’epoca lontana, non subendo le alterazioni temporali.
Jutta Wenth, nella sua lunga carriera artistica, ha partecipato a molte mostre collettive in Austria e all’estero – Germania, UK, Ibiza – e numerose mostre personali in Austria; le sue opere sono state pubblicate in importanti annuari internazionali, ha avuto opere commissionate ed esposte presso pubbliche istituzioni ed è membro dell’Associazione Culturale NÖ.
JUTTA WENTH-CONTATTI
Email: jutta.wenth.art@gmail.com
Sito web: www.juttawenth.at/
Linkedin: www.linkedin.com/in/jutta-wenth-a34846b7/
Whispered words and emotional explosion of colours in the Informal Art of Jutta Wenth
Each artist’s path of self-knowledge and self-examination draws on his own personal experiences and the reactions they generate in that complex and delicate sphere of interiority, the filter through which the surrounding reality is interpreted; some artists move decisively towards the world of figuration, as the latter is necessary to evoke reflections and points of view on contemporary society or to bring out the need for detachment from it, others free themselves from the concrete to let the lack of form lead interiority towards the direction akin to inner echoes, and finally, there are some who show an aptitude for experimenting by introducing matter into their artworks, as if concreteness were the solid base from which to set free the emotions that then run on the canvas. Today’s protagonist, in her latest pictorial production, shows a further side of her multifaceted expressive personality, already known to my readers for more figurative approaches, choosing to move towards the informal dimension, where the inner breath escapes without any limits to let a vital and positive chromatic vivacity speak.
The dynamic artistic period that developed between the end of the 19th century and the beginning of the 20th gave rise to a veritable rebellion on the part of a large number of authors who were no longer willing to allow academic rules and schemes to prevail in an era in which changes in the world and society were pushing towards a subversion and revolution of the latter; one of the strongest voices in the movements that followed that stance was Abstract Art, which aimed to completely detach the strength of a work from figuration, which was in danger of tending more towards aesthetics and perfection of execution than towards the affirmation of the completeness of art as an end in itself, without the need for any real reference. Vassily Kandinsky, considered to be the founder of Abstractionism, hypothesised that detachment from form as the possibility of expressing feeling freely, floating on decontextualised backgrounds devoid of references. However, soon afterwards, other movements such as Suprematism, Constructivism and De Stjil decreed the end of any connection between plastic gesture and subjectivity, rigorously excluding from their canvases any emotional contribution in order to bring out the purity of the creative act. Although these movements were essential in that particular historical period in which it was necessary to create a clean break with everything that had existed before, soon re-emerged the need even in Informal Art to recover a connection with the inner world of the author which was essential to create the synergy between the work of art and the viewing subject. Thus was born in the United States a movement in which the only guideline was to permeate each canvas with all the artist’s inner vibrations; Abstract Expressionism, this is the name of the new current, quickly spread to Europe where it took on different connotations since it was precisely in the old continent that the horrors of war had been experienced, giving rise to feelings of suffering that took concrete form with Alberto Burri‘s high-impact canvases, where matter was burnt, twisted, punctured to express inner unease, or with Emilio Vedova‘s impulsive and almost angry Action Paintig. From a general point of view, Informal Art had become the medium for expressing one’s emotions, thoughts and considerations about life, whether they were more introspective and painful, or more positive and smiling, as in the case of Helen Frankentalher and Hans Hofmann.
The Austrian artist Jutta Wenth shows in her new pictorial production a very sunny and lively informal soul, because the lack of form becomes the means through which she succeeds in letting those spontaneous and immediate sensations flow, which need neither the rational nor the introspective side, since the manifestation corresponds to an impellence of the soul to speak through hers true colours, those that belong to her and that make her attitude towards the world empathetic and willing to welcome the surprises that every day holds. The Colour Field is mixed with whispered words, scratched almost transparently on the canvases, as if each of them belonged to a specific thought, as if the letters were functional in imprinting the memory of the impulse that drove the artist to paint and generated a fundamental echo to guide and envelop the viewer’s emotion. The liveliness of the chromatic range is linked to Jutta Wenth‘s enthusiasm for the game of chess, which she discovered in the last year and to which she wanted to dedicate her new series of paintings, almost as if Informal Art were a way of freeing the mind from the tactical and meditative attitude needed to face the challenges on the chessboard, but also an inner need to find fulfilment and rest in navigating within the simplicity and immediacy of feeling.
The result is a flow of colours, an overlapping of tones that represent the feelings of joy and freshness of an optimistic personality, positive and capable of embracing the small joys of existence, but also profound and sensitive as suggests the words with which she accompanies her paintings. Yet the titles seem to be misleading, indicating an almost opposite meaning to the visual one, as if Jutta Wenth did not want to lose the irreverent irony that characterises her approach already evident in her more figurative works and that also emerges in these belonging to the world of Abstract Expressionism; Petzy, which translated from German means more or less wretched, gives the gaze energetic and sunny tones such as yellow, red, orange and green, inducing the observer to wonder why that title. Only after a closer look does a stylised figure emerge, probably describing the personality of the subject who is used to hiding behind a different appearance, concealing his true nature. This canvas is an allegory of the contemporary human being who often hides behind a mask, or in many cases behind a computer keyboard, devious attitudes that are impossible to decipher precisely because they are covered by a pleasant façade. Lemon chess, on the other hand, highlights the pleasurable sensations aroused by the game of chess by Jutta Wenth, who recounts the freshness and inner stimulus that emanates in her as she learns and practices the rules of a game that ultimately becomes an important lesson on how to cope with existence; reflection and strategy of action are necessary to live everyday life, to have a winning attitude in everything that concerns the personal and professional spheres.
This is why the author superimposes a bishop over the sour taste of the lemon, almost as if the latter were a symbol from which to learn to accept the beautiful and the ugly, the positive and the negative, in order to find the strength to react by seeking the winning move, which in the work emerges from the bright and energetic colour range. In some paintings, however, Abstract Expressionism also embraces matter, even assembling canvases of different sizes to create a single painting, as in Drunta und Driwa, which is striking for the continuity of the small works, almost as if they were a different interpretation of Matryoshkas or Chinese boxes without being hidden one inside the other, but on the contrary showing themselves to the outside to give the sensation that they are petals of a solid, concrete flower, as consistent as the energy and joy aroused by the colours that compose them and that are spread in continuity. Somehow the pattern breaks out of the mould, transforms rigidity into softness, staticity into movement, strictness into possibilism that develops from an inner attitude and the ability to look at everything from an unusual point of view.
The canvas Meine Oma und ich, the prophecy is instead dedicated to her grandmother, who, if she were still alive today, would be one hundred and twenty years old; the bond with her is very strong for the artist, almost as if she felt protected by her spiritual presence that continues to guide her despite her passing, because the woman knew perfectly well from the first years of her granddaughter’s life that she would become a painter. In the work, Jutta Wenth portrays herself as a child, almost as if she wanted to keep her memory fixed at that time when she felt encouraged to follow her dream by a figure she still feels in her soul to be an important guide. Here, the stylisation of their two personalities is very well delineated, the contrasts are sharp as if to indicate a higher dimension in which time can stand still, allowing affection and emotions to remain sculpted exactly as they were in a bygone era, unaffected by temporal alterations. In her long artistic career, Jutta Wenth has participated in many group exhibitions in Austria and abroad – Germany, UK, Ibiza – and numerous solo exhibitions in Austria; her works have been published in important international yearbooks, she has had works commissioned and exhibited at public institutions and is a member of the NÖ Cultural Association.
