L’arte spesso costituisce un cammino verso l’approfondimento interiore, una necessità della mente di incontrare l’anima per lasciarsi andare a tutta l’irrazionalità che non è possibile avere nel vivere quotidiano, e dunque diviene un mezzo per far fuoriuscire le sensazioni e le emozioni confuse che solo attraverso l’atto pittorico possono concretizzarsi e trovare la loro strada comunicativa. In questo tipo di attitudine pittorica la forma visibile e aderente all’osservato ha bisogno di essere messa da parte per lasciare spazio a un’immediatezza narrativa in cui la logica e la razionalità non possono entrare, altrimenti escluderebbero dal gesto plastico quella spontaneità irrazionale necessaria a liberare le emozioni.
Il protagonista di oggi, personaggio eclettico e attivo in molti ambiti dell’arte e della cultura, ha bisogno di abbandonare ogni segno reale, ogni soggetto individuabile per permettere alla sua interiorità di lottare contro l’attitudine a cancellare sogni e impulsi infondendo così sulla tela tutta la forza di ciò che scaturisce dall’interno di sé.
Nelle fasi che seguirono la fine dei conflitti mondiali della prima metà del Novecento si manifestò in modo chiaro e inequivocabile, in tutti gli stili che si susseguirono, l’esigenza di raccontare i disagi, le inquietudini, le angosce e i timori degli autori che avevano dovuto assistere agli orrori della guerra abbandonando quel distacco dal soggettivo che aveva predominato l’arte puramente estetica degli anni precedenti, così come quello che aveva prevalso nei movimenti più rigorosi dell’Arte Astratta come il De Stjil, il Suprematismo, il Costruttivismo e l’Astrattismo Geometrico. Già nell’Espressionismo si delineò una forte tendenza a far emergere il sentire, tutto quel mondo sotterraneo dell’individuo che non poteva avere dei limiti estetici formali, dunque le deformazioni, la gamma cromatica irreale, le atmosfere cupe o decontestualizzate, erano funzionali a raggiungere lo scopo della liberazione dell’anima. Il Surrealismo si concentrò invece sulla dimensione inconscia, quella fase onirica spesso dominata dagli incubi in cui tutto ciò che veniva trattenuto nella fase cosciente si manifestava con la sua forza durante il sonno; anche in questo caso dunque l’intento degli autori appartenenti al movimento era di mostrare le inquietudini, le ossessioni e i mondi paralleli che gli artisti stessi vivevano.
Nel lato astrattista vi fu altresì una forte necessità a riprendere le origini del movimento così come concepito da Vassily Kandinsky, e dunque legando la mancanza di riferimento visivo conosciuto all’interiorità dell’autore, che trovò la sua continuazione ed enfatizzazione nell’Espressionismo Astratto, movimento pittorico nato negli Stati Uniti anche grazie all’apporto creativo di molti artisti che erano dovuti fuggire dall’Europa durante la seconda guerra mondiale per salvarsi dalle persecuzioni e dalle atrocità che lì imperversavano. Il gruppo fondatore, costituito da Jackson Pollock, Willem de Koonig, Arshile Gorky e Mark Rothko, determinò che l’unica linea guida del movimento dovesse essere l’emozionalità, il soggettivismo, l’intensità del sentire, liberati sulla tela in maniera istintiva, senza alcuna mediazione da parte della ragione o dell’esigenza di dare allo sguardo riferimenti riconoscibili. Proprio questo proposito di immediatezza venne chiamato Action Painting che inseriva all’interno dell’opera stessa anche l’azione, l’interazione dell’esecutore sulla tela. Alcuni esponenti del gruppo preferirono un approccio più meditato, intimista ed equilibrato, come Mark Rothko e tutti gli esponenti del Color Field alcuni dei quali entrati nel campo del Minimalismo, mentre altri mantennero vivo l’approccio concitato, irruento e istintivo che contraddistinse il Dripping di Jackson Pollock tanto quanto la pittura segnica e intensa di Franz Kline. L’artista tedesco Bernd Blase sceglie a sua volta l’Espressionismo Astratto per esprimere un’interiorità che si va a mescolare al mondo del sogno, quella fase inconscia che non può rimanere relegata nell’inconsapevolezza bensì ha bisogno di manifestarsi, ricongiungendosi con la fase cosciente attraverso l’irrazionalità del gesto creativo; il suo stile è da lui stesso definito Inproeliolismo, attingendo alla lingua greca per sottolineare quanto nel suo processo creativo si stabilisca tensione positiva, battaglia interiore tra la razionalità e l’istinto che grazie a cui la sua arte si genera.
Perché in fondo è solo conciliando gli opposti, è solo dopo una lotta profonda che si può raggiungere l’equilibrio che conduce verso la consapevolezza di sé, sia dal punto di vista della crescita personale sia da quello della presa di coscienza artistica; il risultato di questo tipo di approccio istintivo e in un certo senso sperimentale è una narrazione a volte più graffiante, altre più pacata, perché ciò che conta per Bernd Blase è andare a riprodurre la scintilla che lo muove di opera in opera, sulla base del momento specifico della creazione, del suo stato d’animo, delle sensazioni ricevute dall’ambiente circostante.
Nell’esecuzione tecnica l’autore si avvale, oltre all’acrilico che è la sua base cromatica, anche di altri materiali come vernice, alghe, caffè, spezie, inchiostro, gesso, carboncino, vetro liquido, coniugando così l’istinto all’intuizione che lo induce a misurarsi con sfide sempre nuove, quasi a voler superare il sé precedente, perché secondo la sua filosofia di vita non esiste evoluzione senza il perpetuo movimento, senza porsi nuovi obiettivi che spingono a uscire dalla propria zona sicura. In bilico tra sogno e concetti metafisici le opere di Bernd Blase colpiscono con un impatto immediato, trasportando l’osservatore nel suo mondo di pensieri colorati, di concitamento espressivo quanto di pace interiore che si alternano mostrando la vera anima dell’autore, quella di un pittore che sa accogliere tutte le sfaccettature che appartengono alla sua anima.
L’opera Monkey meets Elephant sembra fuoriuscire da una dimensione immaginaria, quella in cui la sottile figurazione evoca i contorni dei due animali citati nel titolo ma ridotti all’essenziale, a ciò che più di ogni altro dettaglio li rappresenta; ecco il motivo per cui nel profilo dell’elefante a destra si evidenzia la lunga proboscide, mentre della scimmia ciò che appare è lo sguardo curioso e indagatore. In qualche modo la tela simboleggia le interazioni tra le persone, suggerendo che più che lo scontro spesso generato dalla diversità, sarebbe infinitamente meglio cercare l’incontro, l’osservarsi reciprocamente senza ostilità trovando un modo di convivere in piena armonia; dunque le tonalità rosse predominanti vengono attenuate in alcuni punti dal chiarore del celeste, mostrando la possibilità di una serenità nascente che possa stemperare l’autodifesa iniziale alla quale l’essere umano reagisce con l’ostilità.
Sitting man è invece più onirico, il blu profondo dello sfondo appartiene infatti alla dimensione dell’equilibrio e anche dell’attesa, perché l’uomo seduto attende qualcosa, o qualcuno, o semplicemente sta riflettendo su se stesso, esattamente come Il Pensatore di Rodin; nella tela di Bernd Blase tuttavia l’esistenzialismo del maestro francese viene oltrepassato e attualizzato soprattutto in virtù della libertà interpretativa dell’Astrattismo che qui si fa quasi più lirico rispetto ad altre tele, le linee sembrano muoversi al ritmo dell’interiorità del personaggio immaginario, come se fosse in ascolto del battito del suo cuore e del filo incantato dei suoi pensieri. La particolarità di questo dipinto è l’utilizzo delle alghe blu-verdi mescolate alla foglia oro e ai pigmenti colorati che sottolineano quanto l’autore abbia un costante bisogno di andare oltre il conosciuto per scoprire nuovi sentieri espressivi.
Il dipinto Grappa suggerisce, al contrario del precedente, la confusione, l’istinto più puro, l’incapacità di lasciar prevalere la logica perché nel momento in cui Bernd Blase si è avvicinato alla tela sentiva l’esigenza di lasciar fluire un’interiorità che lo ha indotto a entrare in profonda connessione con il supporto, al punto di agire con le proprie mani nella stesura del carboncino; il caos generato è il risultato di un’Action Painting immediata, quasi concitata, primordiale perché la necessità più urgente era quella di sottolineare quanto nella confusione si possa trovare il preludio per la pace, quanto sia necessario passare attraverso la tempesta per apprezzare il sereno che ne segue.
Dunque A bit of banter sembra essere una naturale conseguenza del dipinto appena descritto, quasi costituisse il raggiungimento dell’equilibrio tanto urgentemente desiderato; lo sfondo completamente monocromo in cui il celeste indaco è steso in maniera uniforme accresce la sensazione di pace che ne fuoriesce e che è enfatizzata dalla forma circolare e sinuosa al centro della composizione, quasi costituisse un ritorno alla serenità dopo aver compiuto il necessario percorso di consapevolezza del suo valore. L’inchiostro della figura centrale è steso a mano, sottolineando il carattere istintivo del processo creativo di Bernd Blase e l’importanza dell’azione nel contesto della sua pittura, aderendo così al concetto di Action Painting appartenente all’Espressionismo Astratto.
Bernd Blase, pittore, cantautore, compositore, poeta e coach motivazionale, completa ogni sua tela con una poesia apposta nella parte posteriore del dipinto, incidendo così nella sua memoria la sensazione percepita nell’atto artistico facendola divenire completamento inscindibile.
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The inner battle necessary to realise the power of art in Bernd Blase’s Abstract Expressionism
Art often constitutes a path to inner deepening, a need for the mind to meet the soul in order to let go of all the irrationality that is not possible to have in everyday life, and thus becomes a means of spread the confused feelings and emotions that only through the act of painting can materialise and find their communicative way. In this type of pictorial attitude, the visible form that adheres to the observed needs to be set aside to leave room for a narrative immediacy in which logic and rationality cannot enter, otherwise they would exclude from the plastic gesture that irrational spontaneity necessary to release the emotions. Today’s protagonist, an eclectic character active in many spheres of art and culture, needs to abandon every real sign, every identifiable subject in order to allow his interiority to fight against the attitude of erasing dreams and impulses, thus infusing the canvas with all the force of what springs from within.
In the phases that followed the end of the world conflicts of the first half of the twentieth century, the need to recount the hardships, anxieties, anguishes and fears of the authors who had had to participate in the horrors of war was manifested clearly and unequivocally, in all the styles that followed, abandoning that detachment from the subjective that had predominated the purely aesthetic art of previous years, as well as that which had prevailed in the more rigorous movements of Abstract Art such as the De Stjil, Suprematism, Constructivism and Geometric Abstractionism. Already in Expressionism there was a strong tendency to bring out the feeling, that whole subterranean world of the individual that could not have formal aesthetic limits, so the deformations, the unreal colour range, the gloomy or decontextualised atmospheres, were functional in achieving the goal of soul liberation.
Surrealism, on the other hand, focused on the unconscious dimension, that dreamlike phase often dominated by nightmares in which all that was held back in the conscious phase manifested itself with its force during sleep; here too, therefore, the intent of the authors belonging to the movement was to show the anxieties, obsessions and parallel worlds that the artists themselves experienced. On the abstractionist side, there was also a strong need to return to the origins of the movement as conceived by Vassily Kandinsky, and thus linking the lack of known visual reference to the interiority of the author, which found its continuation and emphasisation in Abstract Expressionism, a pictorial movement born in the United States also thanks to the creative contribution of many artists who had had to flee Europe during the Second World War to save themselves from the persecution and atrocities that raged there.
The founding group, made up of Jackson Pollock, Willem de Koonig, Arshile Gorky and Mark Rothko, determined that the movement’s only guideline should be emotionality, subjectivism, and intensity of feeling, liberated on canvas in an instinctive manner, without any mediation by reason or the need to give the eye recognisable references. It was precisely this intention of immediacy that was called Action Painting, which included the action, the interaction of the author on the canvas, within the work itself. Some exponents of the group preferred a more meditated, intimist and balanced approach, such as Mark Rothko and all the exponents of the Colour Field, some of whom entered the field of Minimalism, while others kept alive the frantic, impetuous and instinctive approach that characterised Jackson Pollock‘s Dripping as much as Franz Kline‘s intense, sign-like painting. The German artist Bernd Blase, in turn, chose Abstract Expressionism to manifest an interiority that mingles with the world of dreams, that unconscious phase which cannot remain relegated to the unconscious but needs to show itself, reuniting with the conscious phase through the irrationality of the creative gesture; his style is defined by him as Inproeliolism, drawing on the Greek language to emphasise how much positive tension is established in his creative process, an inner battle between rationality and instinct, thanks to which his art is generated. Because after all, it is only by reconciling opposites, it is only after a profound struggle that the balance that leads towards self-awareness can be achieved, both in terms of personal growth and artistic awareness; the result of this instinctive and somewhat experimental approach is a narrative that is at times more biting, at others more subdued, because what counts for Bernd Blase is to go and reproduce the spark that moves him from work to work, based on the specific moment of creation, of his mood, of the feelings he receives from his surroundings.
In his technical execution, the artist makes use not only of acrylic, which is his chromatic base, but also of other materials such as varnish, seaweed, coffee, spices, ink, chalk, charcoal, liquid glass, thus combining instinct with intuition, which leads him to measure himself against new challenges, almost as if he wanted to surpass his previous self, because according to his philosophy of life, there is no evolution without perpetual movement, without setting new goals that push one out of one’s safe zone. Hovering between dreams and metaphysical concepts, Bernd Blase‘s works strike with immediate impact, transporting the observer into his world of colourful thoughts, of expressive excitement as much as of inner peace that alternate, showing the author’s true soul, that of a painter who knows how to welcome all the facets that belong to his soul.
The artwork Monkey Meets Elephant seems to emerge from an imaginary dimension, one in which the subtle figuration evokes the contours of the two animals mentioned in the title but reduced to the essential, to what represents them more than any other detail; this is why in the profile of the elephant on the right is highlighted the long trunk, while in the monkey what appears is the curious and enquiring gaze. Somehow the canvas symbolises the interactions between people, suggesting that rather than the clash often generated by diversity, it would be infinitely better to seek an encounter, to observe each other without hostility, finding a way to live together in full harmony; thus the predominant red tones are softened in some places by the glow of light blue, showing the possibility of a nascent serenity that could dilute the initial self-defence to which human beings react with hostility. Sitting man, on the other hand, is more dreamlike; the deep blue of the background belongs to the dimension of balance and also of expectation, because the seated man is waiting for something, or someone, or is simply reflecting on himself, just like Rodin‘s Thinker; in Bernd Blase‘s painting, however, the existentialism of the French master is transcended and brought up to date, especially by virtue of the interpretative freedom of Abstractionism, which here becomes almost more lyrical than in other canvases; the lines seem to move to the rhythm of the interiority of the imaginary character, as if listening to the beating of his heart and the enchanted thread of his thoughts.
The particularity of this painting is the use of blue-green algae mixed with gold leaf and coloured pigments that emphasise the author’s constant need to go beyond the known to discover new expressive paths. The painting Grappa suggests, in contrast to the previous one, confusion, the purest instinct, the inability to let logic prevail because at the moment Bernd Blase approached the canvas he felt the need to let flow an interiority which induced him to enter into a profound connection with the support, to the point of acting with his own hands in drawing the charcoal; the chaos generated is the result of an immediate, almost agitated, primordial Action Painting because the most urgent need was to emphasise how much in confusion one can find the prelude to peace, how necessary it is to pass through the storm to appreciate the serenity that follows.
Thus A bit of banter seems to be a natural consequence of the painting just described, almost as if it were the achievement of the balance so urgently desired; the completely monochrome background in which the indigo sky-blue is evenly spread enhances the feeling of peace that emanates from it and which is emphasised by the circular, sinuous shape in the centre of the composition, almost as if it were a return to serenity after the necessary course of awareness. The ink of the central figure is applied by hand, emphasising the instinctive character of Bernd Blase‘s creative process and the importance of action in the context of his painting, thus adhering to the concept of Action Painting belonging to Abstract Expressionism. Bernd Blase, a painter, songwriter, composer, poet and motivational coach, completes each of his canvases with a poem affixed to the back of the painting, thus engraving the sensation perceived in the artistic act into his memory and making it an inseparable completion.
