Le infinite declinazioni dell’essenza femminile nell’Espressionismo di Sabine Windischbauer

Riuscire a raccontare i diversi aspetti e le molte sfumature della donna, ha costituito una sfida per molti artisti del passato a cui la vera essenza sembrava sfuggire, imprendibile ed enigmatica proprio per quel suo essere mutevole e non catalogabile secondo i parametri della razionalità e della perfezione idealizzata con cui gli autori maschili, anche quando grandi maestri di ogni epoca, tentavano di rappresentarla. Nell’attualità, ma già fin dall’epoca moderna quando hanno iniziato a emergere figure artistiche femminili di grande personalità espressiva, si è compreso che la donna non va scrutata per coglierne la natura più profonda bensì semplicemente va ascoltata nelle diverse sfaccettature di una personalità caleidoscopica e camaleontica, ma soprattutto non può essere ricondotta a una categoria, a un gruppo poiché troppo diverse e a volte divergenti sono le individualità che contraddistinguono quella metà del cielo. La protagonista di oggi sceglie di raccontare i diversi aspetti della femminilità, i momenti di riflessione, di gioia e di vanità immortalando attraverso brevi istanti tutto ciò che vede e intuisce delle sue protagoniste.

Il momento della nascita dell’Espressionismo ha coinciso con un bisogno degli artisti di uscire dal mondo dell’oggettività, spesso distante dal sentire dell’autore secondo le regole artistiche ritenute fondamentali fino alla fine dell’Ottocento; con le nuove correnti invece le sensazioni, le emozioni dell’autore di un’opera, così come dell’individuo, dovevano diventare centrali, dovevano letteralmente travolgere l’osservatore attraverso i colori, il tratto sovversivo e la rinuncia a una perfezione estetica non più affine al cambiamento dei tempi. Dopo gli eccessi delle teorie Fauves, volutamente enfatizzati per generare una netta rottura con le regole accademiche, l’Espressionismo che si generò mostrò interpretazioni e applicazioni differenti sulla base della personalità del singolo autore, del paese di provenienza degli artisti e anche dell’approccio all’esecuzione di un’opera. In particolare alcuni interpreti si indirizzarono verso la connessione con un Esistenzialismo che metteva in risalto la fragilità umana, le sue pulsioni spontanee, la sua incapacità di sentirsi forte nel contesto di un mondo, quello della prima metà del Novecento, dove le guerre avevano accentuato la paura della morte, il timore di perdere tutte le certezze lasciando l’essere umano consapevole della sua esiguità e della fugacità del suo passaggio nella vita. L’esilità, quasi a sottolinearne l’inconsistenza, caratterizzò i dipinti di Ernst Ludwig Kirchner, ideatore del gruppo Die Brücke, ma soprattutto del maestro austriaco Egon Schiele che ridusse e attenuò la forza cromatica tipica dell’Espressionismo per mettere in evidenza la fragilità di un’essenza fortemente legata ai desideri primari e terreni visti come unica àncora a cui aggrapparsi davanti alla distruzione del mondo intorno, e dello scultore svizzero Alberto Giacometti le cui figure sottili e gracili in bilico tra il voler restare in piedi, malgrado tutto, e il lasciarsi cadere schiacciate dal peso dell’esistenza lasciavano emergere la precarietà dell’essere umano.

L’eredità esistenzialista di questi due grandi autori, Schiele e Giacometti, fu raccolta da uno dei maggiori interpreti degli anni successivi, appartenente al gruppo della Scuola di Londra, e cioè quel Lucian Freud che scelse di mettere a nudo, sia dal punto di vista letterale che metaforico, tutte le deformazioni fisiche che altro non erano che un riflesso della destabilizzazione seguita alla fine dei periodi bellici. La percezione dell’instabilità umana si lega alla complessità e all’individualità appartenente al singolo che viene messa in evidenza da pieghe della pelle, da sguardi, da espressioni attraverso cui l’osservatore comprende quanto ogni sensazione, ogni atteggiamento, ogni pensiero appartengano solo e unicamente a quel singolo soggetto composto da infinite sfaccettature.

L’artista austriaca Sabine Windischbauer compie nella contemporaneità il medesimo percorso esplorativo e indagatorio sui soggetti che sceglie di rendere protagonisti, concentrando la sua ricerca sulla natura femminile, alla quale lei stessa appartiene e che dunque può spiegare con l’apertura empatica di chi sente la necessità non di svelarne il mistero, piuttosto di mostrare quanto ogni donna possa essere differente da un’altra sottolineando così il bello della diversità e delle personalità di ciascuna; ciò che emerge dalle sue opere è un allontanamento dall’Esistenzialismo, o quanto meno dalla sua accezione più dolorosa e angosciata, per tendere invece verso la piacevolezza dell’individualità di ciascuno dei suoi personaggi. Ciò su cui Sabine Windischbauer desidera focalizzarsi è la bellezza dell’essere donna, sugli aspetti che ogni carattere mostra in quanto predominanti sulla singola personalità e in grado di trasparire dagli atteggiamenti, dagli sguardi, dalle pose inconsapevoli che l’autrice sa cogliere. Il tratto pittorico è delicato, sottile e quasi grafico, molto vicino alla stilizzazione di Egon Schiele, pur mostrando, nel suo caso, un’attitudine a sfumare il colore, diluendolo fin quasi a essere appena visibile su una predominante in bianco e nero, soprattutto in alcune opere, mentre in altre rimane più visibile in particolar modo sugli sfondi oppure in alcuni dettagli che avvolgono le figure perché funzionali a sottolinearne il temperamento e l’indole.

Il suo Espressionismo diviene dunque fortemente orientato a mettere in evidenza un dettaglio, una posa, un atteggiamento dai quali si possa scoprire tutto il mondo interiore, le profondità e l’approccio verso la vita di ciascuna, mentre i colori utilizzati sono funzionali a enfatizzare l’istante vissuto come se si conformassero al sentire interiore e al frangente in essere.

La tela My turn è delicata, impalpabile quasi, dunque a essere messa in evidenza è la timida determinazione della ragazza nell’aspettare un ballo con l’uomo che le ha rubato il cuore, quello la cui promessa ha generato in lei l’atmosfera di attesa che le ha quasi impedito di impegnarsi con altri. L’espressione dello sguardo tradisce però anche una leggera impazienza, come se esigesse che la promessa venga onorata, come se reclamasse il posto da protagonista che si sente in diritto di avere; in qualche modo l’opera è una metafora di una vita in cui le donne devono imparare a prendere in mano il proprio destino e imparare a volersi bene e rispettare se stesse chiedendo un ruolo da protagoniste piuttosto che adeguarsi a essere marginali nella vita dei propri uomini.

The call evoca invece un’atmosfera anni Venti, la figura femminile ha il medesimo atteggiamento fascinoso e altezzoso delle femmes fatales di quel periodo di emancipazione, di nuova libertà e di consapevolezza di poter guidare il gioco della seduzione; eppure non riesce a nascondere la sensazione piacevole che prova nel ricevere quella chiamata forse a lungo attesa. La cornetta è quella tipica dei vecchi telefoni mentre l’apparecchio con la tastiera riconduce alle più recenti cabine in contrasto dunque con l’ambientazione del dipinto; in questo lavoro Sabine Windischbauer mostra dunque il suo punto di vista sull’essenza della donna che oltrepassa i confini del tempo, si colloca in una linea che va oltre lo scorrere dei secoli perché tutto ciò che la contraddistingue, che le appartiene, fa parte di una natura che si è saputa evolvere combattendo le proprie battaglie, ha saputo conquistare il ruolo che meritava di avere, si è adeguata ai cambiamenti della società pur mantenendo intatta la sua sensibilità, la sua delicatezza innata che non può essere nascosta da alcun trucco pesante e da un atteggiamento anticonformista.

La protagonista di Feel è al contrario una ragazza contemporanea, il suo volto è parzialmente coperto dai capelli probabilmente spostati dal vento e l’autrice coglie quell’istante magico in cui un pensiero o un ricordo attraversa la sua mente inducendola a chiudere gli occhi per lasciarsi trasportare dall’emozione che ne deriva. Qui prevale il bianco e nero, quasi a dover essere protagonista assoluta fosse l’espressione del volto della donna, quasi tutta l’attenzione dovesse focalizzarsi sugli occhi abbassati per meglio sentire il centro della propria interiorità affiorare verso l’esterno e mostrarsi in un frangente in cui non è necessario proteggersi. Sullo sfondo è appena percepibile un’impalpabilità cromatica, così come alla base della tela in quello che potrebbe essere l’abito della ragazza, tutto è secondario rispetto all’intensità dell’istante immortalato da Sabine Windischbauer.

La serie Revolution mette invece in evidenza l’anticonvenzionalità dei personaggi, quel voler vivere tutte le libertà comportamentali difficoltosamente conquistate nel corso degli anni dalle antenate delle donne contemporanee e che spesso determinano degli eccessi i quali, pur togliendo loro l’apparente dolcezza d’altri tempi, non riescono a cancellare l’essenza delicata e fragile che appartiene comunque alla donna, anche laddove sia perfettamente in grado di bilanciarsi con la sua forza. La necessità di avere un atteggiamento ribelle e fuori dagli schemi infatti nasconde spesso un’incapacità di accettarsi e di accogliere tutti gli aspetti di un sé che non può e non dovrebbe mai essere categorizzato, neanche quando sovversivo delle regole prestabilite.

Sabine Windischbauer ha al suo attivo la partecipazione in molte mostre collettive in Austria e all’estero, dove riceve consensi di pubblico e di critica per l’originalità del suo stile.

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The infinite declinations of the female essence in the Expressionism by Sabine Windischbauer

Being able to portray the different aspects and the many nuances of women has been a challenge for many artists of the past to whom the true essence seemed to escape, impregnable and enigmatic precisely because of its being changeable and not catalogued according to the parameters of rationality and idealised perfection with which male authors, even when great masters of every era, attempted to represent it. In the present day, but already since modern times when began to emerge female artistic figures of great expressive personality, it has been understood that women are not to be scrutinised in order to grasp their deeper nature, but simply to be listened to in the different facets of a kaleidoscopic and chameleon-like personality, but above all they cannot be reduced to a category, to a group because the individualities that characterise that half of the sky are too diverse and sometimes divergent. Today’s protagonist chooses to recount the different aspects of femininity, moments of reflection, joy and vanity by immortalising through brief moments everything she sees and senses about her protagonists.

The moment of the birth of Expressionism coincided with a need for artists to break out of the world of objectivity, often distant from the author’s feelings according to the artistic rules considered fundamental until the end of the 19th century; with the new currents, instead, the feelings, the emotions of the author of a work, as well as of the individual, had to become central, they had to literally overwhelm the observer through the colours, the subversive strokes and the renunciation of an aesthetic perfection no longer in keeping with the changing times. After the excesses of the Fauves theories, deliberately emphasised to generate a clear break with the academic rules, the Expressionism that was generated showed different interpretations and applications based on the personality of the individual author, the artists’ country of origin and also the approach to the execution of a work. In particular, some interpreters moved towards a connection with an Existentialism that emphasised human frailty, its spontaneous impulses, its inability to feel strong in the context of a world, that of the first half of the 20th century, where wars had accentuated the fear of death, the fear of losing all certainties, leaving the human being aware of his exiguity and the fleeting nature of his passage through life.

Slenderness, almost as if to emphasise its inconsistency, characterised the paintings of Ernst Ludwig Kirchner, creator of the Die Brücke group, but above all of the Austrian master Egon Schiele, who reduced and toned down the chromatic force typical of Expressionism to highlight the fragility of an essence strongly tied to primary and earthly desires seen as the only anchor to which to cling in the face of the destruction of the world around, and the Swiss sculptor Alberto Giacometti whose slender, graceless figures poised between wanting to stand, despite everything, and letting themselves fall crushed by the weight of existence let emerge the precariousness of the human being. The exhistentialist inheritance of these two great artists, Schiele and Giacometti, was taken up by one of the greatest exponents of the following years, belonging to the School of London group, namely that Lucian Freud who chose to lay bare, both literally and metaphorically, all the physical deformations that were nothing other than a reflection of the destabilisation following the end of the war periods. The perception of human instability is linked to the complexity and individuality belonging to the single man, which is highlighted by skin folds, by looks, by expressions through which the observer understands how each sensation, each attitude, every thought belong exclusively to that single subject composed of infinite facets.

The Austrian artist Sabine Windischbauer follows the same exploratory and inquisitive path in her contemporary work on the subjects she chooses to make protagonists, concentrating her research on female nature, to which she herself belongs and which she can therefore explain with the empathic openness of one who feels the need not to unveil its mystery, but rather to show how each woman can be different from another, thus emphasising the beauty of diversity and the personalities of each one; what emerges from her artworks is a move away from Existentialism, or at least from its most painful and distressing meaning, and instead tending towards the pleasantness of the individuality of each of her characters. What Sabine Windischbauer wishes to focus on is the beauty of being a woman, on the aspects that each character shows as predominant over the individual personality and able to transpire from the attitudes, the glances, the unconscious poses that the author is able to capture.

The pictorial stroke is delicate, subtle and almost graphic, very close to Egon Schiele‘s stylisation, although in her case it shows an aptitude for blurring the colour, diluting it until it is almost barely visible against a predominant black and white, especially in some artworks, while in others it remains more visible, particularly in the backgrounds or in certain details that envelop the figures because they serve to emphasise their temperament and character. Her Expressionism thus becomes strongly oriented towards highlighting a detail, a pose, an attitude from which it is possibile to discover the whole inner world, the depths and the approach to life of each one, while the colours used are functional in emphasising the instant experienced as if they conformed to the inner feeling and the juncture in being.

The canvas My turn is delicate, impalpable almost, so what is highlighted is the girl’s timid determination to wait for a dance with the man who stole her heart, the one whose promise generated in her the atmosphere of expectation that almost prevented her from committing to others. However, the expression in her gaze also betrays a slight impatience, as if demanding that the promise be honoured, as if claiming the leading role she feels entitled to; in a way, the play is a metaphor for a life in which women must learn to take their destiny into their own hands and to love and respect themselves by demanding a leading role rather than adjusting to being marginal in their men’s lives.

The call evokes instead a 1920s atmosphere, the female figure has the same charming and haughty attitude as the femmes fatales of that period of emancipation, of new freedom and awareness of being able to lead the game of seduction; yet she cannot hide the pleasant sensation she feels on receiving that perhaps long-awaited call. The handset is typical of old telephones, while the device with the keypad is reminiscent of the most recent telephone booths, thus contrasting with the setting of the painting; in this work, Sabine Windischbauer thus shows her point of view on the essence of a woman that transcends the boundaries of time, she is placed in a line that goes beyond the passing of centuries because everything that distinguishes her, that belongs to her, is part of a nature that has been able to evolve by fighting its own battles, has been able to conquer the role it deserved to have, has adapted to the changes in society while maintaining intact her sensitivity, her innate delicacy that cannot be hidden by any heavy make-up or non-conformist attitude. The protagonist of Feel is, on the contrary, a contemporary girl, her face partially covered by her hair probably moved by the wind, and the author captures that magical instant when a thought or memory crosses her mind, inducing her to close her eyes and let herself be carried away by the resulting emotion.

Here, black and white prevails, almost as if the absolute protagonist should be the expression on the woman’s face, almost as if all the attention should focus on her lowered eyes to better feel the centre of her interiority emerging outwards and showing itself at a juncture when it is not necessary to protect itself. In the background, an intangibility of colour is barely perceptible, just as at the base of the canvas in what could be the girl’s dress, everything is secondary to the intensity of the instant immortalised by Sabine Windischbauer.

The Revolution series, on the other hand, highlights the unconventionality of the characters, that desire to live all the behavioural freedoms that the ancestors of contemporary women have struggled to conquer over the years and that often lead to excesses which, even if they take away the apparent sweetness of yesteryear, cannot erase the delicate and fragile essence that belongs to women in any case, even when they are perfectly able to balance their strength. The need to have a rebellious and unconventional attitude often conceals an inability to accept oneself and to welcome all aspects of a self that cannot and should never be categorised, not even when it subverts established rules. Sabine Windischbauer has participated in many group exhibitions in Austria and abroad, where she has received public and critical acclaim for the originality of her style.