Per alcuni artisti lo spostamento è una fase essenziale e imprescindibile della conoscenza e dell’osservazione di tutto ciò che appartiene alla realtà circostante, perché solo attraverso il movimento è per loro possibile effettuare quel cammino di scoperta e di apprendimento di tutto ciò che è diverso da sé che gli permette di andare a mettere in evidenza quei particolari, quei punti di vista che probabilmente non colpirebbero un visitatore occasionale. Lo stile di cui nella maggior parte questi autori si avvalgono è quello fortemente figurativo poiché funzionale a indurre il fruitore a perdersi dentro gli scenari narrati e a lasciarsi trasportare verso le atmosfere respirate dall’esecutore dell’opera nel momento in cui aveva davanti i panorami descritti. L’artista di cui vi racconterò oggi è prima di tutto un giramondo ed è grazie alla sua attitudine caratteriale che si può manifestare ed esprimere al meglio il suo stile pittorico, immediato, spontaneo eppure carico di atmosfera.
L’esperienza del Romanticismo Inglese diede alla pittura di paesaggio un posto di primo piano in una dimensione culturale in cui il ritratto o le scene religiose e mitologiche avevano predominato per gran parte dei secoli precedenti; sulla base di quel nuovo approccio osservativo nacque il Realismo che tuttavia escludeva il mondo delle sensazioni e della soggettività che aveva contraddistinto l’Arte Romantica britannica per prediligere una narrazione più analitica, razionale, puramente osservativa senza alcuna interazione o interpretazione da parte dell’esecutore dell’opera. Lo stile realista assunse diverse sfaccettature sulla base del paese di provenienza degli artisti ma anche delle scuole pittoriche, nel Diciannovesimo secolo ancora determinanti per permettere agli autori di intraprendere un percorso professionale, mostrando le attitudini espressive così come i soggetti preferiti dai vari gruppi; in Italia la Scuola di Posillipo si soffermò sui paesaggi ma soprattutto mantenne quei riferimenti al pittoresco e al sentire che avevano contraddistinto i panorami narrati dall’inglese John Constable ma introducendo una luce particolarmente intensa e chiara probabilmente ispirata dalla meravigliosa città che ospitava il gruppo, Napoli. La Scuola di Barbizon in Francia si dedicò a sua volta alla pittura di paesaggio, introducendo tuttavia anche la presenza dell’uomo, spesso appartenente alle classi sociali più indigenti, come nelle tele di Jean- François Millet e di Jean-Baptiste Camille Corot; l’influenza romantica ebbe una forte eco anche dall’altra parte dell’oceano dove ebbe grande rilievo la Hudson River School che riprese le tematiche del pittoresco e del sublime del Romanticismo Inglese adattandolo però ai panorami statunitensi e all’attitudine più asciutta e realista del carattere statunitense. Thomas Cole e Frederic Edwin Church furono grandi narratori di una natura incontaminata, avvolgente, e furono il ponte tra l’Arte Romantica e il Realismo, gettando le basi per una ricerca più attenta all’individuo e alle città che si andavano delineando con tutta la loro maestosità negli Stati Uniti della fine dell’Ottocento e che vennero svelate e raccontate dal Realismo Americano di Robert Henri e George Bellows. Qualche decennio dopo l’attenzione si focalizzò in maniera più intensa sull’essere umano contestualizzato nelle ambientazioni familiari eppure desolanti, in particolar modo con le tele di Edward Hopper, considerato il maestro della nuova interpretazione di quello stesso stile. Con il procedere verso il Ventesimo secolo il paesaggio divenne più intimista, legato, ancora una volta, al mondo interiore, alle sensazioni dell’autore che permeava gli scorci del suo vissuto, delle proprie emozioni e riflessioni; tra i grandi autori che seppero reinterpretare il Realismo paesaggista, mescolandolo anche alle esperienze delle avanguardie come il Cubismo, vi furono gli italiani Carlo Carrà e Mario Sironi. L’artista belga Cédric Visser torna invece alla struttura più tradizionale del Realismo paesaggistico raccontando il visibile come si presenta davanti al suo sguardo esplorativo ma al tempo stesso introducendo all’interno delle sue atmosfere tutta la meraviglia percepita quando si è trovato di fronte agli scenari che lo hanno colpito al punto da indurlo a immortalarli sulla tela.
Ciò che è essenziale nella sua linea produttiva è però il viaggio che equivale a una scoperta di tutta la bellezza che il mondo ha da regalare e che costituisce una costante fonte di ispirazione narrativa, come se egli volesse catturare ogni particolare, immergerlo nel suo scrigno emotivo e poi riprodurlo chiamando in causa la memoria arricchita di sensazioni. In un’epoca in cui la fotografia sarebbe facilmente a portata di mano, e di fatto il mezzo più utilizzato dalla maggior parte delle persone per ricordare i luoghi visitati, Cédric Visser va controcorrente e opta per un punto di vista differente, più morbido, rarefatto quasi, e sempre fortemente personale, quello pittorico.
Alcuni luoghi sono immediatamente riconoscibili, altri invece appartengono alla realtà contemporanea di cui egli estrapola quel piccolo segmento che è il fulcro della sua osservazione, come se grazie al suo sguardo attento e curioso ogni panorama, ogni paesaggio assumesse una veste diversa, piena di soggettività piuttosto che rimanere legato all’oggettività puramente contemplativa. Dunque a emergere in ogni lavoro è la sorpresa sincera e l’ammirazione provata dall’artista quando il suo sguardo si perde negli scenari naturali, o artificiali laddove creati dall’uomo, permettendogli di percepirne il linguaggio segreto e silenzioso.
Il dipinto Kchait si lega a un viaggio intrapreso alla scoperta del Marocco, e racconta della semplicità desolata di un piccolo agglomerato urbano sulla strada per raggiungere Ouarzazate; la scena appartiene a un posto apparentemente dimenticato eppure con una sua microdinamica vitale incomprensibile per chi è abituato all’esistenza occidentale. Cédric Visser ne mostra uno scorcio, quello probabilmente più significativo dell’intero paesaggio in cui una formazione rocciosa sembra dominare e al contempo proteggere le piccole case tipiche della zona; lo sguardo pittorico indugia sul terreno brullo, sulle palme caratteristiche nella parte del Marocco che precede il deserto sabbioso, sui piccoli edifici in mattoni chiari e dalla completa assenza di figure umane, quasi fossero ben nascoste all’ombra per evitare il caldo predominante nel paese.
At the Amstel è un omaggio ai Paesi Bassi e racconta dell’atmosfera struggente e nebbiosa di uno dei canali di Amsterdam, città dove scorre il fiume che dà il nome al dipinto, e mostra una sensazione quasi di nostalgia del posto in cui è cresciuto, come se in qualche modo Cédric Visser combattesse una battaglia interiore tra l’indole girovaga che gli impedisce di restare fermo a lungo in un posto e il legame emotivo e l’affezione che per esso prova. Qui l’osservazione è più concentrata sui dettagli impressi nella sua mente perché sarà proprio a essi che attingerà quando sentirà il bisogno di ricordare la capitale del paese dove ha vissuto gran parte della sua gioventù; l’immagine è ambientata probabilmente in un periodo invernale, quando il cielo si fa plumbeo e l’umidità del fiume contribuisce ad ammantare tutto di un grigio che tuttavia non impedisce di vedere il bello, romantico e quasi struggente, dello scorcio descritto dall’autore.
Viaggiando molto Cédric Visser ha modo anche di vivere dei frammenti di storia contemporanea osservando gli eventi in prima persona, come nel caso della protesta dei contadini della Catalogna, in Spagna, avvenuta nel 2024, a cui ha scelto di dedicare un dipinto dal titolo Revolta Pagesa; i trattori presenti nella scena descritta dall’autore sono fermi, i rivoltosi sono tutti a terra e non visibili nell’opera, come se in qualche modo il senso della loro contestazione avesse voce grazie agli strumenti del loro lavoro, quelli che gli permettono di dar da mangiare non solo alle loro famiglie, ma anche all’intero paese. Dunque la sensibilità di Visser coglie il senso più profondo dell’evento e decide di catturare nella sua memoria quell’importante momento storico a cui ha deciso di assistere, poiché avendo saputo dell’evento a Barcellona, ha voluto consapevolmente essere presente per immortalarlo; infatti nella sua descrizione si percepisce tutta la sua empatia e comprensione delle ragioni dei manifestanti. Anche in questa tela l’atmosfera è rarefatta come in tutti i lavori dell’artista in cui la definizione non è mai nitida, fotografica, perché ciò che per lui conta è il senso più ampio della realtà che scorre sotto i suoi occhi, la molteplicità del vivere che scopre di paese in paese, visitando e respirando angoli del mondo che divengono fonte di costante ispirazione del suo dipingere.
In Ullapol, dedicata a un lago scozzese, ancora una volta il grande assente del contesto rappresentato è l’essere umano, quasi Cédric Visser volesse rendere omaggio alla bellezza mozzafiato della natura e il silenzio che avvolge la vallata, malgrado alle spalle del punto di vista dell’autore si trovasse di fatto una ridente località tranquilla e rilassata, ma soprattutto perché ciò che colpisce la sua sensibile attenzione pittorica sono i luoghi che i suoi occhi scoprono, di paese in paese, di scorcio in scorcio, e che muovono le sue corde interiori così tanto da infondere nelle tele quel sentire vibrante.
Cédric Visser ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive nei Paesi Bassi, in Spagna, in Germania, in Irlanda e in Italia, ricevendo consensi e apprezzamenti dal pubblico e dagli addetti ai lavori.
CÉDRIC VISSER-CONTATTI
Email: cedric.be@mac.com
Sito web: www.allesvoordekunst.com/
www.saatchiart.com/en-nl/CedricVisser
Instagram: www.instagram.com/allesvoordekunst_insta/
The enchanted gaze of the traveller in Landscape Realism by Cédric Visser
For some artists, movement is an essential and unavoidable phase in the knowledge and observation of everything that belongs to the surrounding reality, because only through movement is it possible for them to make that journey of discovery and learning of everything that is different from themselves that allows them to highlight those details, those points of view that probably would not strike an occasional visitor. The style that most of these authors use is strongly figurative, as it is functional in inducing the viewer to lose himself within the narrated scenarios and to let be transported towards the atmospheres breathed by the artwork’s creator when he had the described panoramas in front of him. The artist I am going to tell you about today is first and foremost a globetrotter, and it is thanks to his temperamental attitude that his painting style, which is immediate, spontaneous and yet full of atmosphere, can be manifested and expressed to the full.
The experience of English Romanticism gave landscape painting a prominent place in a cultural dimension in which portraits or religious and mythological scenes had predominated for most of the previous centuries; on the basis of that new observational approach, on the basis of that new observational approach was born Realism which nevertheless excluded the world of sensations and subjectivity that had characterised British Romantic Art in favour of a more analytical, rational, purely observational narrative without any interaction or interpretation on the part of the author of the artwork. The realist style took on different facets based on the country of origin of the artists but also on the painting schools, which in the 19th century were still decisive in allowing authors to embark on a professional career, showing the expressive aptitudes as well as the preferred subjects of the various groups; in Italy, the Posillipo School dwelt on landscapes but above all maintained those references to the picturesque and feeling that had distinguished the panoramas narrated by the English painter John Constable, but introducing a particularly intense and clear light probably inspired by the wonderful city that hosted the group, Naples. The Barbizon School in France in turn devoted itself to landscape painting, introducing however also the presence of man, often belonging to the poorer social classes, as in the paintings of Jean-François Millet and Jean-Baptiste Camille Corot; the Romantic influence also had a strong echo on the other side of the ocean where had great importance the Hudson River School that took up the themes of the picturesque and sublime from English Romanticism but adapting them to the American landscape and the drier, more realistic attitude of the US character.
Thomas Cole and Frederic Edwin Church were great narrators of a pristine, enveloping nature, and were the bridge between Romantic Art and Realism, laying the foundations for a more attentive research into the individual and the cities that were emerging with all their majesty in the United States at the end of the 19th century and that were unveiled and recounted by the American Realism of Robert Henri and George Bellows. A few decades later, attention focused more intensely on the human being contextualised in familiar yet bleak settings, especially with the canvases of Edward Hopper, considered the master of the new interpretation of that style. As the 20th century progressed, landscape painting became more intimist, linked, once again, to the inner world, to the author’s feelings that permeated the views of his life, his emotions and reflections; among the great authors who knew how to reinterpret Landscape Realism, also mixing it with the experiences of the avant-garde such as Cubism, were the Italians Carlo Carrà and Mario Sironi. The Belgian artist Cédric Visser, on the other hand, returns to the more traditional structure of Landscape Realism, recounting the visible as it presents itself before his exploratory gaze but at the same time introducing into his atmospheres all the wonder he perceived when he found himself in front of the sceneries that struck him to the point of inducing him to immortalise them on canvas. What is essential in his production line, however, is the journey that is tantamount to a discovery of all the beauty that the world has to offer and that constitutes a constant source of narrative inspiration, as if he wanted to capture every detail, immerse it in his emotional treasure chest and then reproduce it by calling upon the memory enriched with sensations.
At a time when photography would easily be at hand, and in fact the medium most people use to remember places they have visited, Cédric Visser goes against the tide and opts for a different point of view, softer, rarefied almost, and always highly personal, that of painting. Some places are immediately recognisable, while others belong to contemporary reality from which he extrapolates that small segment that is the focus of his observation, as if, thanks to his attentive and curious gaze, each panorama, each landscape takes on a different guise, full of subjectivity rather than remaining tied to purely contemplative objectivity. Thus, what emerges in each work is the sincere surprise and admiration felt by the artist when his gaze loses itself in the natural scenery, or artificial where created by man, allowing him to perceive its secret and silent language. The painting Kchait is linked to a journey undertaken in the discovery of Morocco, and tells of the desolate simplicity of a small urban agglomeration on the road to Ouarzazate; the scene belongs to a place seemingly forgotten and yet with its own vital microdynamics incomprehensible to those accustomed to western existence. Cédric Visser shows a glimpse of it, probably the most significant of the entire landscape in which a rock formation seems to dominate and at the same time protect the small houses typical of the area; the painterly gaze lingers on the barren terrain, on the palm trees characteristic of the part of Morocco that precedes the sandy desert, on the small buildings made of light-coloured bricks and the complete absence of human figures, almost as if they were well hidden in the shade to avoid the heat that prevails in the country.
At the Amstel is a homage to the Netherlands and tells of the poignant, foggy atmosphere of one of the canals in Amsterdam, the city where flows the river that gives the painting its name and shows an almost nostalgic feeling for the place where he grew up, as if somehow Cédric Visser is fighting an inner battle between the wandering nature that prevents him from staying in one place for long and the emotional bond and affection he feels for it. Here, the observation is more focused on the details imprinted in his mind because it is precisely these that he will draw on when he feels the need to recall the capital of the country where he lived much of his youth; the image is probably set in a winter period, when the sky becomes leaden and the humidity of the river contributes to cloaking everything in a grey colour that nevertheless does not prevent one from seeing the beautiful, romantic and almost poignant glimpse of the view described by the author.
Travelling extensively, Cédric Visser also experiences fragments of contemporary history by observing events at first hand, as in the case of the peasant protest in Catalonia, Spain, which took place in 2024, to which he chose to dedicate a painting entitled Revolta Pagesa; the tractors in the scene described by the author are stationary, the rioters are all on the ground and not visible in the work, as if somehow the sense of their protest had a voice through the tools of their labour, those that allow them to feed not only their families, but also the entire country. Thus, Visser‘s sensitivity grasps the deepest sense of the event and decides to capture in his memory that important historical moment he decided to witness, for having heard about the event in Barcelona, he consciously wanted to be present to immortalise it; indeed, in his description one perceives all his empathy and understanding of the protesters’ reasons.
In this canvas too, the atmosphere is rarefied, as in all the artist’s works in which the definition is never sharp, photographic, because what counts for him is the broader sense of reality that flows before his eyes, the multiplicity of living that he discovers from country to country, visiting and breathing corners of the world that become a constant source of inspiration for his painting. In Ullapol, dedicated to a Scottish lake, once again the great absentee of the represented context is the human being, almost as if Cédric Visser wanted to pay homage to the breathtaking beauty of nature and the silence that envelops the valley, despite the fact that behind the author’s point of view is in fact a peaceful and relaxed locality, but above all because what strikes his sensitive pictorial attention are the places that his eyes discover, from village to village, from foreshortening to foreshortening, and that move his inner chords so much that he infuses his canvases with that vibrant feeling. Cédric Visser has to his credit the participation in many group exhibitions in the Netherlands, Spain, Germany, Ireland and Italy, receiving acclaim and appreciation from the public and insiders.
