La capacità di osservare con sensibilità e attenzione tutti gli istanti di vita quotidiana che ruotano intorno all’esistenza dell’individuo, è caratteristica di quegli artisti in cui l’approccio reale non è distaccato da quello emozionale, da quel saper percepire le sensazioni che fuoriescono da singoli e spontanei gesti in grado di propagarsi all’ambiente circostante dando un senso profondo a tutta la scena osservata. Questo tipo di narrazione richiede necessariamente uno stretto legame con la figurazione poiché l’occhio necessita di essere colpito da un’immagine familiare e di semplice comprensione prima di essere condotto nel significante che l’autore desidera mettere in luce. La protagonista di oggi appartiene esattamente a questo gruppo di artisti per cui osservare è un percorso di approfondimento e di introspezione in virtù del quale dare la propria interpretazione del sentire dei personaggi, come se attraverso la pittura gli individui trovassero una nuova inconsapevole voce, più spirituale, più intensa, più autentica.
Intorno alla metà del Diciannovesimo secolo la raffigurazione tradizionale e accademica subì un brusco cambiamento riguardo ai soggetti immortalati, poiché gli interpreti del Realismo mostrarono un forte interesse verso le classi meno abbienti, verso la popolazione che affollava le strade delle città e che era ben lontana dai fasti dei palazzi nobiliari e regali; di fatto le opere di Gustave Courbet e di Jean-Francois Millet furono testimonianze e importanti documenti storici della vita di quel periodo di cambiamento in cui il popolo dei lavoratori non era ancora consapevole dei propri diritti e cercava di trovare la felicità malgrado le condizioni di indigenza. Nonostante l’avvento dell’Impressionismo e di tutte le correnti innovative che anticiparono le avanguardie del Novecento, il Realismo seppe trovare nuova linfa proprio nella sua accezione sociale, intesa come analisi e osservazione del popolo, dell’espandersi delle grandi città non solo in Europa bensì anche, e nel caso specifico di questo movimento artistico, soprattutto nelle due Americhe.
Laddove in Messico, dopo la fine della rivoluzione, la corrente si concretizzò con il Muralismo, di cui fu massimo esponente Diego Rivera, che metteva in luce le lotte sociali, sentimenti nazionalisti e di ribellione ai soprusi che le persone avevano subìto e continuavano a subire, negli Stati Uniti invece l’attenzione si focalizzò sulla vivacità dell’esistenza in un periodo in cui si cominciavano a vedere gli effetti del progresso e l’emergere di un nuovo benessere che investì tutti i settori. Dunque le tele di George Bellows e Everett Shinn raccontavano i momenti di svago degli americani, o le vedute cittadine delle metropoli in piena trasformazione in cui venivano immortalati i grattacieli e la vita vivace delle vie affollate; John French Sloan al contrario fu il primo a ritrarre persone all’interno dei locali o intente a svolgere le loro attività quotidiane, ponendo l’attenzione pertanto non più sulla moltitudine bensì sui singoli soggetti.
La sua eredità fu raccolta da uno dei maggiori interpreti dell’arte di ogni tempo, Edward Hopper, il cui Realismo sottolineò la solitudine e l’introspezione generati da un benessere, quello dei sobborghi americani, che non era sufficiente a riempire l’esistenza. I suoi scorci luminosi in cui la luce era elemento fondamentale della tela, o i fotogrammi di vita notturna nei locali semivuoti sono diventati manifesti di un’epoca, quella degli anni Cinquanta del Novecento, in cui la serenità del vivere sembrava alimentare un senso di disorientamento e malinconia quasi alienante. Altro grande interprete di questo tipo di approccio realista quanto profondo e sensibile della quotidianità è stato un autore scozzese recentemente scomparso, Jack Vettriano, evoluzione delle linee guida dello statunitense Hopper pur con un punto di vista più umanista e contemplativo.
Paola Pierini, artista originaria di Gubbio ma ormai da anni residente a Roma, si colloca nel movimento del Realismo adottando una tecnica appartenente a un’altra grande corrente del Ventesimo secolo, il Fotorealismo, evoluto poi in Iperrealismo, di cui furono grandi rappresentanti Richard Estes e Ralph Goings i quali però avevano rinunciato alla rappresentazione umana per focalizzarsi solo sulle strade delle città o sugli oggetti delle tavole calde; la tecnica dell’artista italiana comprende infatti un primo passo grazie al quale immortala gli istanti di vita che colpiscono la sua sensibilità attraverso la macchina fotografica che diviene così la base dalla quale parte poi la creazione dell’opera. La fotografia le consente di riprodurre il frangente osservato nello stesso modo in cui vuole ricordarlo, con quell’immediatezza e rapidità che permette alla memoria di non tralasciare neanche un dettaglio della scena che desidera ritrarre; dopodiché riproduce attraverso il disegno tutto ciò che è nell’immagine immortalata e infine passa all’apporto del colore secondo la tecnica realista. La sua attenzione si concentra sull’essere umano inquadrato all’interno di un contesto che appartiene alla routine, oppure a un frangente speciale da cui fuoriesce inarrestabilmente una sensazione poetica, empatica che l’artista percepisce in modo chiaro malgrado agli occhi di molti altri passanti tutto resterebbe al margine dello scorrere di un’esistenza che va di fretta.
Dal punto di vista tecnico lo stile di Paola Pierini si discosta però dall’Iperrealismo poiché sceglie di mantenere un tratto più morbido in cui il Realismo si mescola all’atmosfera che si diffonde dal punto focale della scena, e non necessariamente al centro di essa, rendendo suggestivamente intimiste le ambientazioni scelte di volta in volta per essere raccontate attraverso il suo sensibile e delicato tratto. L’essere umano viene ritratto nella sua solitudine, che in questo caso non ha l’accezione esistenziale e quasi malinconica che contraddistingueva le tele di Edward Hopper, bensì l’autrice esalta la capacità dei soggetti di dedicarsi con impegno e abnegazione alle attività quotidiane lasciando intuire il messaggio che sottolinea quanto ciascuno possa divenire protagonista della propria vita e attore principale del ruolo che ha scelto di interpretare, se riesce a svolgere i propri compiti con passione e appagamento.
Il dipinto L’artista fa riferimento proprio a questo concetto, attribuendo a uno chef un nome abitualmente riservato ad altre attività; eppure la concentrazione messa in risalto da Paola Pierini induce l’osservatore a sorprendersi per l’attenzione con cui il giovane prepara un piatto, riconducendo la sua azione alla precisione con cui un pittore dà il tocco finale a una sua opera. Il punto di vista è distante, quasi rubato dall’autrice durante un momento di inconsapevolezza del soggetto che, circondato dalla penombra del locale, sembra illuminare lo spazio a sé circostante proprio in virtù dell’attenzione suscitata e immortalata.
L’opera Solitudine in città ricorda le atmosfere di Hopper, sebbene qui la scena sia ritratta di giorno, forse durante una sonnecchiosa domenica pomeriggio quando tutti sono in casa con le famiglie mentre l’uomo, probabilmente senza alcun altro posto dove andare, sceglie di cercare una condivisione di tempo e di spazio che però lo fa ritrovare ancora una volta solo. Persino al bancone del bar si nota l’assenza umana, come a enfatizzare il senso del dipinto; tuttavia l’uomo sembra adattarsi piuttosto bene al vuoto intorno a sé e lo riempie sfogliando un taccuino, forse un quaderno di appunti delle sue sensazioni oppure semplicemente un’agendina in cui consulta gli impegni della settimana seguente.
Ne I gondolieri Paola Pierini ritrae i lavoratori più tipici della città di Venezia nel momento in cui si preparano all’arrivo dei numerosi turisti da portare in giro per le calli e per i canali, dunque la sensazione che emerge da questa tela è quella dell’attesa, della rilassatezza del primo mattino che permette loro di caricarsi prima di affrontare il caos del lavoro. Il tempo è sempre sospeso nei lavori dell’autrice, eppure in quest’opera viene evidenziato quell’istante di passaggio da una fase all’altra, della quiete prima della tempesta, dell’inizio lento prima di entrare nel vortice del sali e scendi di tutte le persone che non riescono a rinunciare al fascino di lasciarsi trasportare lentamente sull’acqua dalle antiche imbarcazioni.
Ragazza che fuma sembra al contrario appartenere a un frangente più dinamico, la donna protagonista probabilmente è una professionista in attesa di un cliente per consumare insieme un pranzo di lavoro; l’atteggiamento deciso e sicuro della protagonista, il cellulare in mano e gli auricolari indossati lasciano intuire la sua determinazione e il desiderio di ottenere il risultato sperato, come se si fosse a lungo preparata per quell’incontro e stesse ripassando mentalmente i dettagli messi a punto con meticolosità per non lasciare nulla al caso. Qui la contemporaneità metropolitana emerge in maniera netta e non può fare a meno di evocare le atmosfere raffinate ed eleganti di Jack Vettriano.
Paola Pierini si è inizialmente formata come autodidatta, poi ha cominciato a seguire corsi di pittura e di fotografia con importanti maestri operanti a Roma; attualmente ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive su tutto il territorio nazionale – Roma, Costiera Amalfitana, Genova, Pescara, Venezia, Gubbio -, la presenza all’edizione 2025 alla Vernice Art Fair di Forlì ed è socia dei Cento Pittori di via Margutta.
PAOLA PIERINI-CONTATTI
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Suspended time and the silent fascination of human everyday life in Paola Pierini’s Realism
The ability to observe with sensitivity and attention all the instants of everyday life that revolve around the existence of the individual is characteristic of those artists in whom the real approach is not detached from the emotional one, from that knowing how to perceive the sensations that emanate from single, spontaneous gestures that can propagate to the surrounding environment, giving a profound sense to the whole scene observed. This type of narration necessarily requires a close link with figuration, since the eye needs to be struck by a familiar and easily understood image before being led into the signifier that the author wishes to highlight. Today’s protagonist belongs precisely to this group of artists for whom observing is a path of deepening and introspection by virtue of which they give their own interpretation of the feeling of the characters, as if through painting individuals find a new unconscious voice, more spiritual, more intense, more authentic.
Around the middle of the 19th century, traditional and academic portrayal underwent an abrupt change with regard to the subjects immortalised, as the interpreters of Realism showed a strong interest in the lower classes, in the people who thronged the streets of cities and who were far removed from the splendour of noble and royal palaces; in fact, the artworks of Gustave Courbet and Jean-Francois Millet were testimonies and important historical documents of life in that period of change when the working people were not yet aware of their rights and tried to find happiness despite their destitute conditions. Notwithstanding the advent of Impressionism and all the innovative currents that anticipated the avant-gardes of the 20th century, Realism was able to find new life in its social meaning, understood as the analysis and observation of the people, of the expansion of the large cities not only in Europe but also, and in the specific case of this artistic movement, especially in the two Americas.
Where in Mexico, after the end of the revolution, the current took shape with Muralism, of which was great exponent Diego Rivera who highlighted social struggles, nationalist sentiments and rebellion against the abuses that the people had suffered and continued to suffer, in the United States, on the other hand, the focus was on the vibrancy of existence at a time when were beginning to be seen the effects of progress and the emergence of a new prosperity that affected all sectors. Thus, the canvases of George Bellows and Everett Shinn depicted the leisure moments of Americans, or the city views of metropolises in full transformation in which were immortalised skyscrapers and the bustling life of the crowded streets; John French Sloan, on the contrary, was the first to portray people inside the premises or intent on their daily activities, thus no longer focusing on the multitude but on the individual subjects.
His legacy was picked up by one of the greatest interpreters of art of all time, Edward Hopper, whose Realism emphasised the loneliness and introspection generated by an affluence, that of the American suburbs, which was not enough to fill existence. His luminous foreshortenings in which light was a fundamental element of the canvas, or the photograms of nightlife in half-empty clubs became manifestos of an era, that of the 1950s, in which the serenity of living seemed to nourish an almost alienating sense of disorientation and melancholy. Another great interpreter of this type of realist, yet profound and sensitive approach to everyday life was a recently deceased Scottish author, Jack Vettriano, an evolution of the guidelines of the American Hopper, albeit with a more humanist and contemplative point of view. Paola Pierini, an artist originally from Gubbio but now living in Rome for many years, is part of the Realism movement, adopting a technique belonging to another great current of the 20th century, Photorealism, which later evolved into Hyperrealism, of which Richard Estes and Ralph Goings were great representatives, but who had renounced human representation to focus only on city streets or on objects on hot tables; in fact, the Italian artist’s technique includes a first step in which she immortalises the moments of life that strike her sensibility through the camera and that then becomes the basis from which the creation of the work begins.
Photography allows her to reproduce the observed event in the same way she wants to remember it, with that immediacy and rapidity that allows the memory not to omit a single detail of the scene she wishes to portray; she then reproduces through drawing everything that is in the immortalised image and finally moves on to the application of colour according to the realist technique. Her focus is on the human being framed within a context that belongs to the routine, or to a special juncture from which emerges a poetic, unstoppably empathic sensation that the artist perceives clearly despite the fact that in the eyes of many other passers-by everything would remain on the fringe of the flow of a hurried existence. From a technical point of view, however, Paola Pierini‘s style differs from Hyperrealism because she chooses to maintain a softer stroke in which Realism is mixed with the atmosphere that spreads from the focal point of the scene, and not necessarily in the centre of it, making the settings chosen from time to time to be told through her sensitive and delicate stroke suggestively intimate.
The human being is portrayed in his loneliness, which in this case does not have the existential and almost melancholic meaning that characterised Edward Hopper‘s canvases, but rather the author exalts the subjects’ ability to dedicate themselves with commitment and abnegation to their daily activities, leaving us with the message that emphasises how each person can become the protagonist of his life and the main actor in the role he has chosen to play, if he can carry out his tasks with passion and fulfilment. The painting L’Artista (The Artist) refers precisely to this concept, attributing to a chef a name habitually reserved for other activities; yet the concentration emphasised by Paola Pierini induces the observer to be surprised by the attention with which the young man prepares a dish, bringing his action back to the precision with which a painter puts the finishing touches to one of his artworks. The point of view is distant, almost stolen by the author during a moment of unawareness of the subject who, surrounded by the half-light of the restaurant, seems to illuminate the space around him precisely by virtue of the attention aroused and immortalised.
The work Solitudine in città (Loneliness in the City) recalls Hopper‘s atmospheres, although here the scene is portrayed during the day, perhaps during a sleepy Sunday afternoon when everyone is at home with their families while the man, probably with nowhere else to go, chooses to seek a sharing of time and space which causes him to find himself alone once again. Even at the bar counter the human absence is noticeable, as if to emphasise the meaning of the painting; however, the man seems to adapt quite well to the emptiness around him and fills it by leafing through a notebook, perhaps a notebook of notes of his sensations or simply a diary in which he consults his commitments for the following week. In I gondolieri (The Gondoliers), Paola Pierini portrays the most typical workers of the city of Venice as they prepare for the arrival of the many tourists to be taken around the calli and the canals, so the feeling that emerges from this canvas is one of anticipation, of the relaxation of the early morning that allows them to charge up before tackling the chaos of their work.
Time is always suspended in the author’s paintings, yet in this one is highlighted that instant of passage from a phase to another, of the calm before the storm, of the slow start before entering the vortex of the ups and downs of all the people who cannot renounce the fascination of letting themselves be slowly transported on the water by the ancient boats. Ragazza che fuma (Smoking Girl), on the contrary, seems to belong to a more dynamic juncture, the protagonist is probably a professional woman waiting for a client to eat a business lunch together; the protagonist’s decisive and confident attitude, the mobile phone in her hand and the earphones worn hint at her determination and desire to achieve the desired result, as if she had been preparing for that meeting for a long time and was mentally going over the details meticulously fine-tuned to leave nothing to chance. Here emerges sharply the metropolitan contemporaneity and cannot help but evoke the refined and elegant atmospheres of Jack Vettriano. Paola Pierini initially trained as a self-taught artist, then began to follow painting and photography courses with important masters working in Rome. She currently has to her credit the participation in group exhibitions all over Italy – Rome, Amalfi Coast, Genoa, Pescara, Venice, Gubbio -, the presence at the 2025 edition of the Vernice Art Fair in Forlì and is member of the Cento Pittori di via Margutta.
