Molti artisti hanno la naturale capacità di intravedere una realtà parallela a quella contingente e osservabile da tutti gli altri, sia per una sensibilità particolare e sia per la loro tendenza ad approfondire ogni aspetto, ogni sensazione percepita, vissuta e amplificata proprio grazie a un ambiente circostante che solo andando oltre l’apparenza può essere respirato e sperimentato nella sua pienezza. L’attitudine a indagare l’invisibile, ciò che riesce a connettere un’interiorità particolarmente ricettiva e aperta all’ascolto con un’oggettività che modifica così la sua essenza e la sua presenza nell’intorno che quotidianamente viene vissuto, è un percorso che richiede profonda introspezione e al contempo consapevolezza di quanto tutto in fondo sia relativo e interpretabile sulla base della propria spirituale individualità. L’artista di cui vi racconterò oggi giunge allo stile pittorico attuale a seguito di un lungo percorso di auto analisi che le è stato necessario per raggiungere la vera sé, trovando nell’espressione artistica non solo la sua voce più autentica bensì anche l’unica via per oltrepassare ostacoli interiori e incertezze esistenziali che avevano afflitto il suo passato.
Intorno alla fine dell’Ottocento vi fu una presa di coscienza da parte degli artisti di dover dare un maggiore spazio a quel mondo sotterraneo costituito da energie inspiegabili, da una spiritualità difficilmente presa in considerazione dall’approccio più estetico dell’arte fino a quel momento. Questo punto di vista trovò la sua concretezza con il movimento del Simbolismo in cui gli autori presero in considerazione una narrazione soggettiva, e non più oggettiva come nell’Impressionismo e nel Realismo appena precedenti, dove la connessione con la natura e l’ambiente circostante era fondamentale per permettere agli autori, tra cui Gaston Brussière, Hugo Simberg e Odilon Redon, di permeare le opere della loro emozionalità, della capacità del soggetto di influenzare la realtà che lasciava così fuoriuscire un senso differente da quello osservato solo con lo sguardo e di percepire tutto quel nascosto e incomprensibile che permeava le ambientazioni narrate.
Questa corrente della fine del Diciannovesimo secolo costituì il preludio alla successiva interpretazione e approfondimento compiuto dal Surrealismo che non si limitava più solo a esplorare il mondo delle sensazioni e il mistero oltre l’osservato, bensì si propose di indagare la mente umana, o meglio quel subconscio che riusciva a emergere solo nella fase onirica generando incubi, e che grazie alla visionarietà di autori come Salvador Dalì, Max Ernst e Yves Tanguy fu portato alla luce ed esplorato nel suo aspetto più disturbante. All’interno del movimento si delinearono però delle diversificazioni, come nel caso dell’aspetto più Metafisico delle tele dei belgi René Magritte e Paul Delvaux che indagarono piuttosto la relazione tra psiche e ambiente esterno, tra inganni generati dall’illusione della ragione e l’influenza dello spirito sul risultato dell’osservazione del soggetto.
Altra sfaccettatura interpretativa del Surrealismo fu la declinazione esistenzialista che ne diedero l’italiano Alberto Giacometti e il rumeno Constatin Brâncuşi nel periodo antecedente la sua svolta astrattista; in particolar modo fu Giacometti a irrorare le sue figure sottili di un’emozionalità intensa sottolineando sempre la fragilità, la solitudine, l’alienazione dell’essere umano dell’epoca successiva alla prima guerra mondiale, quando le devastazioni e la perdita di certezze aveva suscitato paure e angosce spesso insopportabili. Dunque il lavoro sull’inconscio compiuto dal Surrealismo indagava esattamente quell’instabilità, quei mostri generati da una mente che doveva trovare uno sfogo agli orrori visti durante il periodo bellico e i traumi che ne erano conseguiti, talvolta narrandone l’aspetto oggettivo, come nei mostri di Dalì, altre lasciando emergere profonde riflessioni sul senso dell’esistenza come in Magritte, e alcune invece raccontando i traumi emotivi generati. L’artista valdostana Federica Catalano, in arte Fedelandart, mostra una fusione tra questi due stili, il Surrealismo e il Simbolismo, poiché la sua ricerca pittorica la conduce verso una necessità di mostrare tutto ciò che la sua anima sente e attraverso cui interpreta ciò che è intorno, svelando quanto l’ambiente circostante possa essere in grado di accogliere tutto il sentire trasformandosi pertanto in un luogo surreale, superiore, in cui la contingenza perde il suo aspetto abituale e si adatta al sentire dell’autrice.
Autodidatta, Federica Catalano ha dovuto attraversare tempeste interiori prima di tornare all’arte, la stessa verso cui si era da sempre sentita attratta ma a cui aveva rinunciato per scelte di vita, ed è stato esattamente quel processo di consapevolezza delle proprie fragilità che l’ha condotta a prendere in mano pennello e colori traducendo il malessere in opportunità per comunicare il messaggio incisivo e intenso emerso grazie alla spiccata sensibilità che le appartiene.
Le sue opere parlano di dimensioni parallele, mostrano tutte quelle forze aeree e impercettibili che si muovono nello spazio temporale e si connettono inevitabilmente con chi le sa ascoltare divenendo un sollievo, un rifugio quasi magico dove possono essere liberate le sensazioni più segrete, i simboli e i codici che appartengono a lei in quanto rappresentante di un femminile che affonda le sue radici nella sacralità della creazione e della rigenerazione, della capacità, sperimentata dalla stessa Federica Catalano, di rinascere dalle proprie ceneri trovando una nuova identità.
Lo spazio diviene dunque culla surrealista di un’essenza simbolica e soprannaturale fondendo così i due stili ma modificandone la struttura originaria perché il Surrealismo rinuncia alla sua componente inquietante o eccessivamente mentale prestandosi invece all’emozionalità e al sogno che generano una dimensione ascetica e sinuosa, mentre il Simbolismo abbandona il legame con la figurazione reale per adeguarsi alla fantasia spirituale dell’autrice conformando i dettagli presenti a un linguaggio segreto ed ermetico necessario a legarsi alle profondità dell’essere.
La gamma cromatica è ricca di trasparenze, proprio per enfatizzare l’appartenenza all’universo del possibile, al contesto quantico che consente a Federica Catalano di raccontare attraverso la pittura la leggerezza dell’anima liberata; l’opera Brillando rappresenta infatti quella rigenerazione effettuata dall’artista a seguito della quale è stata in grado di far uscire i propri veri colori, quelli che non riusciva a trovare nel suo periodo buio, ma che poi hanno trovato la forza di manifestarsi diffondendosi verso l’esterno. Da quel momento in avanti la sua luce interiore non ha più smesso di brillare, come suggerisce il titolo della tela, e ricevere con positività tutto ciò che dall’esterno sopraggiunge; ecco il motivo per cui l’ambiente che circonda la figura protagonista è così sinuoso, morbido ed evocante un ideale mondo naturale che è scrigno della sua essenza.
In Energia creativa le curve rappresentano invece quelle idee, quei pensieri e sensazioni che si propagano dall’interno verso l’esterno e che costituiscono la base del progresso di generazione di un’opera; Federica Catalano ricorda quanto quell’impulso verso la pittura sia stato fondamentale per la sua guarigione interiore attraverso la presa di coscienza della capacità di trovare un’altra possibilità, una catarsi in virtù dell’arte, quasi comprendesse di dover lasciar emergere la luminosità che lentamente poteva essere ritrovata. Il rosso che si intravede dalle curve morbide che sembrano creare fiori carnosi e pieni di sostanza dell’anima, rappresenta la passionalità, l’ardore nel dipingere che è guida intuitiva verso la crescita spirituale; il grigio chiarissimo predominante e in alcuni tratti trasparente racconta invece la leggerezza che l’autrice è riuscita a raggiungere nel momento in cui si è liberata dai limiti che la opprimevano, dalle incertezze e dal timore di essere troppo fragile in un mondo troppo insensibile.
La guerriera della verità sembra dunque la naturale conseguenza del concetto appena espresso, perché la forza e il coraggio che emergono dalla donna al centro dell’opera sono ancestrali, vengono da un passato remoto sottolineato dalle iscrizioni in antichi caratteri presenti nella spada e negli arnesi che tiene nelle sue mani, e raggiungono il presente solo dopo un soffio di consapevolezza che però corrisponde a un risveglio della coscienza, a una connessione con un femminile che ha saputo evolversi pur rimanendo legato al suo compito più fondamentale, quello della creazione, dell’amore per sé e per gli altri, quello della capacità di essere un riferimento e di tramandare usi, costumi, emozioni. In qualche modo quella donna rappresenta Federica Catalano nel momento in cui ha compreso la forza del compito che gli era stato assegnato, quello cioè di essere una connessione tra realtà oggettiva e un mondo altro che pur esistendo, non viene percepito dai più; dunque il viaggiare, il ricercare dell’artista per evolvere, diviene una metafora del percorso dell’essere umano, un invito a perdersi dentro la propria forza interiore per tendere verso una maggiore maturità come individuo spirituale.
Federica Catalano Fedelandart, ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive in Italia, nelle Canarie, e in Messico dove momentameamente ha deciso di fare una pausa nella sua vita di girovaga.
FEDERICA CATALANO FEDELANDART-CONTATTI
Email: fedelandart@gmail.com
Instagram: www.instagram.com/fedelandart/
Between Surrealism and Symbolism the visions of the soul in Fedelandart’s works
Many artists have the natural ability to glimpse a reality parallel to the contingent one observable by everyone else, both because of a particular sensitivity and of their tendency to delve into every aspect, every sensation perceived, lived and amplified precisely because of a surrounding environment that only by going beyond appearance can be breathed and experimented in its fullness. The aptitude for investigating the invisible, that which manages to connect an interiority particularly receptive and open to listening with an objectivity that thus modifies its essence and presence in the surroundings that belong to the everyday, is a path that requires deep introspection and at the same time awareness of how everything in the end is relative and interpretable on the basis of one’s own spiritual individuality. The artist I will tell you about today arrives at her current style of painting following a long route of self-analysis that was necessary for her to reach her true self, finding in artistic expression not only her most authentic voice but also the only way to overcome inner obstacles and existential uncertainties that had plagued her past.
Around the end of the nineteenth century there was an awareness on the part of artists that they had to give more space to that underworld constituted by inexplicable energies, by a spirituality hardly taken into account by the more aesthetic approach to art up to that time. This point of view found its concreteness with the Symbolism movement in which the authors took into account a subjective narrative, and no longer an objective one as in the just preceding Impressionism and Realism, where the connection with nature and the surrounding environment was fundamental to allow the authors, including Gaston Brussière, Hugo Simberg, and Odilon Redon, to imbue the artworks with their emotionality, the subject’s ability to influence reality, which thus let out a sense different from that observed only with the eye and to perceive all that hidden and incomprehensible that permeated the narrated settings.
This current of the late nineteenth century constituted the prelude to the subsequent interpretation and deepening accomplished by Surrealism, which was no longer limited only to exploring the world of sensations and the mystery beyond the observed, but rather set out to investigate the human mind, or rather that subconscious that managed to emerge only in the dreamlike phase by generating nightmares, and which, thanks to the visionary work of authors such as Salvador Dali, Max Ernst and Yves Tanguy, was brought to light and explored in its most disturbing aspect. Within the movement, however emerged diversifications, as in the case of the more Metaphysical aspect of the canvases of the Belgians René Magritte and Paul Delvaux, who rather investigated the relationship between the psyche and the external environment, between deceptions generated by the illusion of reason and the influence of the spirit on the result of the observation of the subject. Another interpretative facet of Surrealism was the existentialist declination that the Italian Alberto Giacometti and the Romanian Constatin Brâncuşi gave it in the period before its abstractionist turn; in particular, it was Giacometti who imbued his subtle figures with an intense emotionality, always emphasising the fragility, loneliness and alienation of the human being in the post-World War I era, when the devastation and loss of certainties had aroused often unbearable fears and anxieties.
Thus, the work on the unconscious carried out by Surrealism investigated exactly that instability, those monsters generated by a mind that had to find an outlet for the horrors seen during the war period and the traumas that ensued, sometimes narrating the objective aspect, as in Dali‘s monsters, others allow to emerge profound reflections on the meaning of existence, as in Magritte, and some recount the emotional traumas generated. The Valle d’Aosta artist Federica Catalano, in art Fedelandart, shows a fusion between these two styles, Surrealism and Symbolism, as her pictorial research leads her towards a need to show everything her soul feels and through which she interprets what is around her, revealing how the surrounding environment can be able to accommodate all feeling, thus transforming itself into a surreal, superior place, in which contingency loses its usual aspect and adapts to the author’s feeling. Self-taught, Federica Catalano had to go through inner storms before returning to art, the same art to which she had always felt attracted but to which she had renounced due to life choices. It was precisely this process of awareness of her own fragility that led her to take up paintbrush and colours, translating malaise into an opportunity to communicate the incisive and intense message that emerged thanks to her strong sensitivity. Her paintings speak of parallel dimensions, they show all those aerial and imperceptible forces that move in temporal space and inevitably connect with those who know how to listen to them becoming a relief, an almost magical refuge where the most secret sensations, symbols and codes belonging to her can be freed as a representative of a femininity rooted in the sacredness of creation and regeneration, of the capacity, experienced by Federica Catalano herself, to be reborn from its own ashes by finding a new identity.
Space thus becomes the Surrealist cradle of a symbolic and supernatural essence, merging the two styles but modifying their original structure, because Surrealism renounces its disturbing or excessively mental component, lending itself instead to emotionality and dreams that generate an ascetic and sinuous dimension, while Symbolism abandons the link with real figuration to adapt to the author’s spiritual fantasy, conforming the details present to a secret and hermetic language necessary to bind to the depths of being. The chromatic range is rich in transparencies, precisely to emphasise her belonging to the universe of the possible, to the quantum context that allows Federica Catalano to recount through painting the lightness of the liberated soul; the work Brillando (Sparkling) in fact represents that regeneration carried out by the artist following which she was able to bring out her own true colours, those that she could not find in her dark period, but which then found the strength to manifest themselves by spreading outwards. From that moment on, her inner light has never ceased to shine, as the title of the canvas suggests, and to positively receive everything that comes from the outside; this is why the environment surrounding the protagonist figure is so sinuous, soft and evocative of an ideal natural world that is the casket of her essence.
In Energia Creativa (Creative Energy), on the other hand, the curves represent those ideas, thoughts and sensations that propagate from the inside out and form the basis of the progress of generating a work; Federica Catalano recalls how fundamental that impulse towards painting was for her inner healing through the realisation of the ability to find another possibility, a catharsis by virtue of art, as if she understood that she had to let emerge the luminosity that could slowly be found. The red that can be glimpsed from the soft curves which seem to create fleshy flowers full of substance of the soul, represents the passion, the ardour in painting that is an intuitive guide towards spiritual growth; the predominant and in some places transparent very light grey, on the other hand, tells of the lightness that the author was able to achieve when she freed herself from the limits that oppressed her, uncertainties and the fear of being too fragile in a world that is too insensitive.
The warrior of truth thus seems to be the natural consequence of the concept just expressed, because the strength and courage that emerge from the woman at the centre of the work are ancestral, they come from a remote past underlined by the inscriptions in ancient characters on the sword and tools she holds in her hands, and they reach the present only after a breath of awareness that corresponds to an awakening of consciousness, to a connection with a feminine that has been able to evolve while remaining tied to its most fundamental task, that of creation, of love for oneself and for others, that of the ability to be a reference and to hand down customs, habits and emotions. In some way, this woman represents Federica Catalano at the moment in which she understood the strength of the task that had been assigned to her, that of being a connection between objective reality and another world that, although it exists, is not perceived by most; thus, travelling, the artist’s quest to evolve, becomes a metaphor for the path of the human being, an invitation to lose oneself within one’s own inner strength in order to strive for greater maturity as a spiritual individual. Federica Catalano Fedelandart, has to her credit the participation in group exhibitions in Italy, the Canary Islands, and Mexico where she has momentarily decided to take a break in her wandering life.
