A volte la capacità di osservare la realtà secondo un approccio completamente fuori dagli schemi contraddistingue quelle personalità espressive in grado di liberarsi da ogni convenzionalità stilistica per trovare una propria strada, distintiva e soprattutto coraggiosa, perché non condizionata da tutte le formalità e le regole che influenzerebbero una purezza narrativa che ha bisogno di mantenere la propria autonomia. In questo contesto concettuale va da sé che gli autori contraddistinti da questo tipo di visione creativa adottino linguaggi insoliti, con cui trasformano e adattano in modo assolutamente personale quelle basi espressive preesistenti a volte mescolandole tra loro altre invece stravolgendole e riadattandole alle proprie urgenze narrative. L’artista di cui vi racconterò oggi compie esattamente questo tipo di percorso dando così vita a un’impronta pittorica forte e al contempo aperta a una costante sperimentazione.
L’arte dei primi anni del Ventesimo secolo fu contraddistinta da incredibili scossoni che andarono a rompere tutte le basi su cui si erano fondati i movimenti dei periodi storici precedenti, assistendo pertanto al formarsi di nuove regole, di inediti tentativi di dare un aspetto differente alle opere moderne, rendendole più al passo con i tempi che stavano delineando un nuovo assetto nella società e un’incredibile evoluzione in tutti gli ambiti dell’esistenza. In particolar modo il Futurismo e il Cubismo e, con un’accezione diversa il Surrealismo, decretarono la fine della riproduzione dell’immagine così come osservata dall’occhio spostandosi su un piano diverso attraverso cui poterono fornire un risultato di forte impatto e inizialmente incompreso. Il Cubismo nello specifico ebbe un’evoluzione particolare, soprattutto per quanto riguarda l’autore che a tutt’oggi ne viene considerato il padre fondatore e cioè Pablo Picasso; egli infatti per l’elaborazione del suo stile attinse inizialmente alle maschere africane divenendo uno dei maggiori interpreti del Primitivismo, poi cominciò a estremizzare le linee introducendo la geometricità, appiattendo in maniera più netta la prospettiva e ponendo sul medesimo livello espressivo piani diversi della realtà che appaiono così bidimensionalmente davanti allo sguardo.
Malgrado la determinazione di Picasso e di Georges Braque a mantenere solide le linee guida del movimento, vi furono alcuni interpreti che decisero di dare una propria visione a volte più morbida e altre più deformata dell’osservato, come Fernand Léger che alternò la linearità geometrica a elementi cilindrici e bombati e introdusse una gamma cromatica meno terrosa e più vivida, e poi Jean Dubuffet che partì dalle deformazioni cubiste, non più geometriche bensì curviformi, in cui introdusse la decontestualizzazione di impronta surrealista e la semplificazione che lo rese non solo il padre della Brut Art ma anche uno degli anticipatori del Graffitismo, nella versione impulsiva e segnica di Jean-Michel Basquiat. Anche il Surrealismo ebbe una voce fuori dal coro in Joan Mirò che non volle dare una versione inquietante della realtà dominata dal mondo degli incubi e dall’inconscio bensì tese verso una spontaneità formale che in qualche modo lo avvicinò all’Astrattismo più armonico e riconducibile alle sensazioni pure di un approccio fanciullesco. Altro indipendente dal punto di vista espressivo, e anticipatore della libertà contemporanea che permette agli artisti di fondere caratteristiche di vari movimenti per armonizzarli con la propria poetica espressiva, fu Enrico Baj che diede vita a un mondo fantastico composto di uomini e donne completamente stilizzati in cui mescolò alla figurazione del Cubismo e del Surrealismo, anche l’ironia NeoDada e la matericità che stava prendendo piede in quel periodo in gran parte del movimento Informale, nel Nouveau Réalisme e nell’Arte Povera. L’artista romano Vincenzo Giuliani compie a sua volta un percorso originale in cui fonde elementi del Cubismo, quello però più vicino all’interpretazione di Fernand Léger, a una morbida e sognante interpretazione del Surrealismo, introducendo in aggiunta anche quell’ironia NeoDada che rende le atmosfere narrate dense di un sottile umorismo, di capacità di osservare il lato leggero dell’esistenza attraverso cui riesce a sorridere di ciò che lo circonda così come delle scene che decide di immortalare.
La gamma cromatica esce dagli schemi del Cubismo tradizionale, anche se la composizione delle opere mostra connotazioni geometriche e tuttavia morbide e sinuose, entrando nella dimensione fantasiosa di tonalità vivaci, vitali, che attingono all’Espressionismo ma successivamente applicate a tutti quei movimenti che hanno fatto del colore il loro tratto distintivo; la narrazione visiva si sposta invece dal Cubismo al Surrealismo spesso fusi insieme per mostrare il punto di vista eccentrico e irriverente di Vincenzo Giuliani, che ama sdrammatizzare la vita e i pensieri che contraddistinguono la sua spinta espressiva e l’ispirazione creativa di partenza.
Dunque a essere protagonisti sono a volte i musicisti, altre concetti più astratti e legati alla parte più emozionale, in alcune opere, quelle più morbide e vicine alla stilizzazione graffitista esplora invece i temi esistenziali interpretati visivamente attraverso la spontaneità che contraddistingue il suo approccio per indurre tuttavia l’osservatore a compiere una riflessione più profonda.
La tela Cotton Club appartiene alla serie dedicata alla musica jazz, dalla quale peraltro emerge marcatamente la geometricità neocubista seppur resa più sinuosa per l’utilizzo di linee curve e di elementi circolari, nel caso specifico utilizzati per contrassegnare i tasti del sassofono in primo piano, così come per l’evocazione delle note che escono dallo strumento; il volto del musicista è invece fortemente cubista sia dal punto di vista della spigolosità dei tratti e sia da quello dell’apparato prospettico completamente riportato alla bidimensionalità. Vincenzo Giuliani gioca con i colori che sembrano accordarsi alla vitalità delle note jazzistiche, come se non fosse possibile non sentirsi avvolti e coinvolti dal brio irresistibile della coinvolgente musica che si irradia avvolgendo l’ambiente circostante; eppure il luogo è solo evocato, non è descritto, perché in fondo la prima e più importante simbiosi, il maggiore coinvolgimento è quello dell’uomo con lo strumento che gli consente di lasciarsi andare all’emozione del riuscire a generare la piacevolezza dell’armonia sonora.
Nella tela Crono, Vincenzo Giuliani introduce elementi fortemente surrealisti, come gli occhi fluttuanti che sembrano scrutare l’osservatore quasi come se appartenessero a un mondo lontano e ancestrale, quello del tempo e del destino che la figura mitologica rappresenta, mescolandoli con altri più astratti, per sottolineare l’inesorabilità e l’inafferrabilità dello scorrere della vita che sfugge alla volontà e alle previsioni dell’essere umano, e infine con l’Espressionismo, visibile in alcuni dettagli più reali come la bocca al centro della tela, il naso e la metà inferiore di un volto in basso a sinistra, sottolinea la fragilità dell’individuo, il suo sforzo per riuscire a controllare un’esistenza che però alla fine lo travolge e lo trascina. Le connessioni tra i vari elementi del dipinto enfatizzano l’apparente casualità con cui gli eventi e le circostanze si susseguono, così come l’inconsapevolezza nel comprenderne le implicazioni nel frangente vissuto che diviene chiaro invece a posteriori, guardandosi indietro e osservando il disegno superiore che dagli eventi si rivela.
Anime in cammino è una tela più stilizzata, più vicina alla semplificazione del Graffitismo che deve sempre lasciare un messaggio chiaro e facilmente comprensibile, ma anche all’ironia NeoDada in cui la composizione conduce il fruitore ad avvicinarsi attraverso l’immagine serena narrata da Vincenzo Giuliani, per poi scoprire un significato più sottile, in questo caso quello del viaggio inconsapevole che ogni essere umano compie nel corso della sua vita. Gli uomini sono raffigurati a bordo di imbarcazioni su un mare immaginario, calmo perché il suggerimento dell’autore è quello di accettare i percorsi che ciascun individuo è chiamato a compiere cercando di governare il corso delle circostanze ma senza contrastare un fluire che appartiene al senso stesso dell’esistenza; al di sotto si trovano dei pesci che in qualche modo dominano il flusso marino, sembrano, con la loro presenza preponderante, porre l’accento sulla delicatezza di tutti gli esseri viventi e l’importanza di salvaguardarsi reciprocamente nel viaggio della vita. L’acqua è elemento di rinnovamento, di un moto perpetuo che consente alla natura di rigenerarsi e all’uomo di comprendere l’intellegibilità del senso più profondo delle cose e l’autore attrae l’attenzione su questo importante tema filosofico attraverso uno stile fresco e immediato, che non induce ad alzare la barriera difensiva di una mente a volte pigra e dunque tendente a distaccarsi da certi temi, bensì permette alla razionalità di approcciare in maniera aperta una narrazione visiva dalla quale il concetto esce solo in una seconda fase.
Vincenzo Giuliani si è formato come autodidatta, ascoltando solo e unicamente il suo istinto creativo per dar vita al suo personale e originale stile, e ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive, comprese quelle dell’Associazione Cento Pittori di via Margutta dove espone in qualità di artista ospite.
VINCENZO GIULIANI-CONTATTI
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Between Neocubism, Surrealism and NewDada the ironic and amusing artworks by Vincenzo Giuliani
Sometimes the ability to observe reality according to a completely unconventional approach distinguishes those expressive personalities capable of freeing themselves from all stylistic conventionality to find their own way, distinctive and above all courageous, because not conditioned by all the formalities and rules that would influence a narrative pureness that needs to maintain its autonomy. In this conceptual context, it goes without saying that the authors distinguished by this type of creative vision adopt unusual languages, with which they transform and adapt those pre-existing expressive bases in an absolutely personal way, sometimes mixing them together, sometimes twisting and readjusting to their own narrative urgencies. The artist I am going to tell you about today follows exactly this type of path, thus creating a strong pictorial imprint that is at the same time open to a constant experimentation.
The art of the early years of the 20th century was marked by incredible shocks that broke all the foundations on which the movements of the previous historical periods had been based, thus witnessing the formation of new rules, of unprecedented attempts to give a different look to modern artworks, making them more in step with the times that were outlining a new order in society and an incredible evolution in all spheres of existence. In particular, Futurism and Cubism, and, in a different sense, Surrealism, decreed the end of the reproduction of the image as observed by the eye by moving to a different plane through which they could provide a striking and initially misunderstood result. Cubism in particular had a particular evolution, especially with regard to the artist who is still considered its founding father, Pablo Picasso, who initially drew on African masks to elaborate his style, becoming one of the greatest interpreters of Primitivism, then he began to exaggerate the lines, introducing geometricity, flattening perspective and placing different planes of reality on the same expressive level, which thus appear two-dimensional before the eye.
Despite Picasso‘s and Georges Braque‘s determination to keep the movement’s guidelines solid, there were some interpreters who decided to give their own sometimes softer and sometimes more deformed vision of the observed, such as Fernand Léger who alternated geometric linearity with cylindrical and convex elements and introduced a less earthy and more vivid colour palette, and then Jean Dubuffet who started from Cubist deformations, no longer geometric but curved, in which he introduced Surrealist-style decontextualisation and simplification that made him not only the father of Brut Art but also one of the forerunners of Graffitism, in the impulsive and sign-like version of Jean-Michel Basquiat. Surrealism also had a voice outside the chorus in Joan Miró, who did not want to give a disturbing version of reality dominated by the world of nightmares and the unconscious, but tended towards a formal spontaneity that in some ways brought him closer to the more harmonious Abstractionism, which can be traced back to the pure sensations of a childlike approach.
Another independent from an expressive point of view, and a forerunner of the contemporary freedom that allows artists to merge characteristics of various movements to harmonise them with their own expressive poetics, was Enrico Baj who gave life to a fantasy world of completely stylised men and women in which he mixed the figuration of Cubism and Surrealism with the irony of NewDada and the materiality that was gaining ground at the time in much of the Informal movement, Nouveau Réalisme and Arte Povera. The Roman artist Vincenzo Giuliani in turn takes an original path in which he blends elements of Cubism, the one however closest to Fernand Léger‘s interpretation, with a soft and dreamy interpretation of Surrealism, introducing in addition that NewDada irony that makes the narrated atmospheres dense with a subtle humour, with the ability to observe the light side of existence through which he manages to smile at his surroundings as well as at the scenes he decides to immortalise. The chromatic range leaves the schemes of traditional Cubism, although the composition of the artworks shows geometric connotations that are nevertheless soft and sinuous, entering into the imaginative dimension of lively, vital tones that draw on Expressionism but subsequently applied to all those movements that have made colour their hallmark; the visual narrative shifts instead from Cubism to Surrealism, often fused together to show the eccentric and irreverent point of view of Vincenzo Giuliani, who likes to play down life and thoughts that characterise his expressive drive and creative inspiration.
Thus, sometimes are protagonists the musicians, other times more abstract concepts linked to the more emotional side, in some works, the softer and closer to the stylisation of graffiti, he instead explores existential themes interpreted visually through the spontaneity that characterises his approach, nevertheless inducing the observer to make a deeper reflection. The canvas Cotton Club belongs to the series dedicated to jazz music, from which the neo-Cubist geometricity emerges markedly, although made more sinuous by the use of curved lines and circular elements, in this case used to mark the keys of the saxophone in the foreground, as well as for the evocation of the notes coming out of the instrument; the musician’s face, on the other hand, is strongly cubist both in terms of the angularity of the strokes and the perspective apparatus, which is completely returned to two-dimensionality. Vincenzo Giuliani plays with colours that seem to be in tune with the vitality of jazz notes, as if it were not possible not to feel enveloped and involved by the irresistible brio of the enthralling music that radiates, enveloping the surrounding environment; yet the place is only evoked, it is not described, because after all the first and most important symbiosis, the greatest involvement is that of man with the instrument that allows him to let himself go to the emotion of being able to generate the pleasantness of sound harmony. In the painting Crono (Chronos), Vincenzo Giuliani introduces strongly Surrealist elements, such as the floating eyes that seem to scan the observer almost as if they belonged to a distant and ancestral world, that of time and destiny that the mythological figure represents, mixing them with more abstract ones, to emphasise the inexorability and elusiveness of the flowing of life that eludes the will and predictions of human beings, and finally with Expressionism, visible in some of the more real details such as the mouth in the centre of the canvas, the nose and the lower half of a face in the bottom left-hand corner, to emphasise the fragility of the individual, his effort to manage to control an existence that ultimately overwhelms and drags him down. The connections between the various elements of the painting emphasise the apparent randomness with which events and circumstances follow one another, as well as the unawareness in understanding the implications of the events experienced, which instead becomes clear in retrospect, looking back and observing the superior design that events reveal.
Anime in cammino (Souls on the move) is a more stylised canvas, closer to the simplification of Graffitism, which must always leave a clear and easily comprehensible message, but also to the irony of NewDada in which the composition leads the viewer to approach through the serene image narrated by Vincenzo Giuliani, only to discover a more subtle meaning, in this case that of the unconscious journey that every human being makes in the course of his or her life. The men are depicted aboard boats on an imaginary sea, calm because the author’s suggestion is to accept the paths that each individual is called upon to take, trying to govern the course of circumstances but without thwarting a flowing that belongs to the very meaning of existence; below are fish that somehow dominate the flow of the sea, they seem, by their preponderant presence, to emphasise the delicacy of all living beings and the importance of safeguarding each other on the journey of life.
Water is an element of renewal, of a perpetual motion that allows nature to regenerate itself and man to understand the intelligibility of the deepest meaning of things, and the author draws attention to this important philosophical theme through a fresh and immediate style that does not induce to raise the defensive barrier of a mind that is sometimes lazy and therefore tends to detach itself from certain themes, but rather allows rationality to approach a visual narrative in an open manner, from which the concept only emerges in a second phase. Vincenzo Giuliani trained as a self-taught artist, listening only and solely to his creative instinct to give life to his personal and original style, and has to his credit the participation in group exhibitions, including those of the Associazione Cento Pittori di via Margutta where he exhibits as a guest artist.
